Exhibition presents my Ambaria world with its inhabitants and archetypal animal figures. In the parallel reality metropolis called Supersymbolis, figures and telekinetic objects float and develop protection around their culture. Fox and llama characters appear as artistic carriers and power animals for cross-continental cultures, carefully composing the past through the present.
Frankie's Imaginarium is inspired by children's Christmas plays and their basic set of staging ideas. Smaller portrait paintings combine the feeling of global division with the change of personality that takes place in the generational continuum. They shape figuration through coloristic cubism into a more optimistic future. Frankie's Imaginarium brings together archetypal forms of imagination, much in the same manner that imaginative trees at children's Christmas play sprout out life’s enjoyments to be shared by the canopy of a tree.
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Die Ausstellung präsentiert meine Welt, Ambaria und ihre Einwohner und archetypische Tierfiguren. In einer Metropole in einer Parallelwirklichkeit namens Supersymbolis fliegen Figuren und telekinetische Objekte herum und sorgen für den Schutz ihrer Kultur. Fuchs- und Lama-Charaktere erscheinen als artistische Träger und Krafttiere für kontinentübergreifende Kulturen, die die Vergangenheit vorsichtig anhand der Gegenwart bilden.
Die Inspiration für Frankies Imaginarium waren von Kindern präsentierte Weihnachtsaufführungen und ihre simplen Inszenierungsideen. Kleinere Portraitgemälde kombinieren das Gefühl der globalen Teilung mit der Änderung der Persönlichkeit, die in dem Generationskontinuum stattfindet. Sie formen die Gestaltung durch koloristischen Kubismus in eine optimistischere Zukunft. Frankies Imaginarium trägt archetypische Formen der Vorstellung zusammen. Ähnlich wie imaginäre Bäume bei Weihnachtsaufführungen von Kindern, keimen neue Lebensformen auf, die genossen werden können.
The old house has the spirit of the old house. What kind of a life has been lived and experienced in the house. And the house has been taken it all and has been a kind of refuge in the waves of life. It is said that an old house is always only on loan. We will be followed by someone else but before that it is our responsibility to take care of it.
All the things inside the house tell about us, our values and everyday life. What would grandma's old lamp or inherited armchair say if they could talk? Why do greenery leaves look like hearts? There is wordless gentleness in the room and compassion for us humans. How beautiful is the light that falls on the room? What delicious we enjoyed while having a nice conversation. And what did the room experience when a person met a person?
Teija Kosenius is a Finnish self-taught artist who paints what she considers important. Recurring themes include interiors, children's motifs and old houses. Her interior paintings will be present at Galerie Pleiku in Berlin between the 5th - 16th of November 2024.
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Etwas Altes, etwas Neues, etwas Geborgtes, etwas Blaues
Das alte Haus hat den Geist des alten Hauses. Welche Art Leben in dem Haus gelebt und erfahren wurde. Und das Haus hat alles mitgekriegt und war eine Art Zufluchtsort in den Wellen des Lebens. Man sagt, dass ein altes Haus nur eine Leihgabe ist. Nach uns folgt jemand anders, aber vorher ist es unsere Verantwortlichkeit, uns darum zu kümmern.
Die Dinge in dem Haus erzählen uns von uns, unseren Werten und unserem Alltag. Was würde die alte Lampe der Großmutter oder der geerbte Lehnstuhl wohl sagen, wenn sie sprechen könnten? Warum sehen Laubblätter wie Herzen aus? In dem Raum befindet sich eine stille Sanftmut und Mitgefühl für uns Menschen. Wie wunderschön ist das Licht, das auf den Raum fällt? Welche Leckereien wir während einem netten Gespräch genießen. Und was hat der Raum erlebt, als ein Mensch einen anderen Menschen getroffen hat?
Teija Kosenius ist eine finnische, selbst erlernte Künstlerin, die das malt, was ihr wichtig ist. Wiederkehrende Themen sind Innenräume, Kindermotive und alte Häuser. Ihre Gemälde von Innenräumen werden vom 5. bis zum 16. November 2024 in der Galerie Pleiku in Berlin ausgestellt.
1.10.-12.10.2024 Saija Starr - All the Worlds I Live in Vernissage: Tue 1.10. 19-21. Welcome!
All the Worlds I Live in is a series of paintings I started working on at the darkest time of the year. Before, yellow always was a distant color for me, but last winter I suddenly started to see it everywhere: in the yellow seamarks and the wilted plants at the seashore. I was longing for even more of the color to give me energy to survive the long, dark Finnish winter. For me yellow reflects hope, light, growth and change.
I paint with oil colors on canvas. My style of painting is expressive and colors play a most important role in my work. I’m processing the state of mind and relations of the human and nature. The physicality, the motion and the current mood is more important to me than the exact theme. I focus on the moment, the colors, the lines and multiple layers. I work slowly and long-term. My work discusses nature or the environment as a reference. It’s like a landscape of soul, either abstract or more performing.
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Alle Welten, in denen ich lebe
‘Alle Welten, in denen ich lebe’ ist eine Gemäldeserie, an der ich in der dunkelsten Zeit meines Lebens zu arbeiten begann. Davor war Gelb immer eine distante Farbe für mich, aber im letzten Winter schien sie überall zu sein: In den gelben Seezeichen und den verwelkten Pflanzen am Ufer. Ich sehnte mich nach mehr Farbe, um Energie zu tanken und den langen, dunklen finnischen Winter überleben zu können. Für mich spiegelt Gelb Hoffnung, Licht, Wachstum und Veränderung wider.
Ich male mit Ölfarben auf Leinwand. Mein Malstil ist expressiv und Farben spielen in meinen Werken die Hauptrolle. Ich verarbeite den Geisteszustand und die Beziehung zwischen Mensch und Natur. Die Körperlichkeit, die Bewegung und die derzeitige Stimmung sind mir wichtiger als das genaue Thema. Ich konzentriere mich auf den Moment, die Farben, die Linien und mehrere Schichten. Ich arbeite langsam und mit Sicht auf längere Zeit. Meine Werke nutzen die Natur und die Umgebung als Referenz. Sie sind wie eine Landschaft der Seele, entweder abstrakt oder leistungserbringend.
Dreams are vague and fragmented. Their elements are scattered, but they still seem completely reasonable. Sometimes those lovely soft dreams turn into nightmares in the early morning hours. This is that kind of dream.
Shattered Garden art exhibition takes the viewer to a dreamlike garden, where everything is looking fresh and beautiful on the surface, but something peculiar is peeping between the flower petals. Strangeness fascinates and frightens at the same time. The colors are glowing and the plants are big like in Alice’s Wonderland. The works in the exhibition consist of parts of paintings that spread, shrink, overlap and form again.
I’m interested in painting organic structures, such as plants, flesh and internal organs. Their surfaces have many similarities in veined textures and delicate surface structures. The works painted on cotton duck with water-mixable oil colors show layers, repetition and contrast between the bright monochrome background and aquarelle-like painting method.
My paintings are kind of like eras. Completing a painting takes from weeks to months, during which the seasons change. Life is periodized according to the works and they reflect the life events, and emotions during that time period. The works of the Shattered Garden art exhibition have been painted this year and the emotions it reflects are love, uncertainty, trust, and fear of change.
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Zerschmetterter Garten
Träume sind vage und fragmentiert. Ihre Elemente sind verstreut, jedoch erscheinen sie vollständig angemessen. Manchmal werden diese schönen, sanften Träume in den frühen Morgenstunden zu Albträumen. Das ist diese Art Traum.
Die Kunstausstellung „Zerschmetterter Garten” befördert den Betrachter zu einem traumhaften Garten, in dem auf der Oberfläche alles frisch und schön aussieht, zwischen den Blüten jedoch etwas Seltsames hervorblickt. Die Seltsamkeit ist gleichzeitig faszinierend und beängstigend. Die Farben leuchten und die Pflanzen sind so groß wie bei Alice im Wunderland. Die Werke in der Ausstellung bestehen aus Gemäldeteilen, die sich ausbreiten, schrumpfen, überlappen und sich neu formen.
Ich möchte organische Strukturen malen, wie Pflanzen, Fleisch und innere Organe. Ihre Oberflächen sind sich sehr ähnlich. Sie haben geäderte Texturen und zarte Oberflächenstrukturen. Die Werke wurden mit wassermischbaren Ölfarben auf Baumwolle gemalt. Sie zeigen Schichten, Wiederholungen und Kontrast zwischen dem hellen monochromen Hintergrund und der aquarell-ähnlichen Malmethode.
Meine Gemälde sind wie Epochen. Ein Werk abzuschließen, kann Wochen oder Monate dauern, in welcher Zeit sich die Jahreszeiten ändern können. Das Leben wird gemäß den Werken periodisiert und sie spiegeln Lebensereignisse und Emotionen dieser Zeitspanne wider. Die Werke der Kunstausstellung „Zerschmetterter Garten” wurden dieses Jahr kreiert und die Gefühle, die sie darstellen, sind Liebe, Ungewissheit, Vertrauen und Angst vor Veränderung.
20.8. – 7.9.2024 Miska Mio & Alex Keyriläinen - Puss in boots Vernissage: Tue 20.8. 19-21. Welcome!
How can a self-portrait be queer and how does the queer self-portrait fit into the tradition of artist self-portraits?
A self-portrait is a mirror – a place for identification, projection, relation. It is about self (whose self?).
In this exhibition a self-portrait acts as a guide to think about the possibilities of presenting oneself; it is playing with cultural references, it's commenting on existing canons of fine art, it is examining the concepts of authenticity and identity by blurring the lines between the artist and the portrayed person as a way to build more multilayered and less individual narrative.
In this exhibition the self-portrait is always changing in its essence, it is challenging the expectations associated with the tradition of self-portraiture and portraiture, it is aiming to disassemble them without reassembling any particulars in their stead, it is telling multiple narratives at once.
Queer is always unparticular and more than one. As queer escapes all categories, a queer self-portrait escapes the boundaries of a self-portrait.
In this exhibition things (which things?) leak into one another.
Puss in boots is an exhibition by two artists, Miska Mio and Alex Keyriläinen, consisting of oil paintings, drawings and woodcuts. The exhibition can be seen in Galerie Pleiku 20.8.2024 – 7.9.2024.
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Der gestiefelte Kater
Wie kann ein Selbstporträt queer sein und wie passt solch ein Selbstporträt zu der Tradition des Künstlerselbstporträts?
Ein Selbstporträt ist ein Spiegel – Ein Ort der Identifizierung, Projektion, Beziehung. Es geht um das Selbst (wessen Selbst?).
In dieser Ausstellung agiert das Selbstporträt als Lotse, um über die Möglichkeiten der Selbstdarstellung nachzudenken; Man spielt mit kulturellen Bezügen, kommentiert bestehende Kanone der schönen Künste, untersucht die Konzepte der Authentizität und Identität, indem die Grenze zwischen dem Künstler und der dargestellten Person verwischt wird. So wird eine mehrschichtige und weniger individuelle Geschichte kreiert.
In dieser Ausstellung verändert sich die Essenz des Selbstporträt ständig, es fordert die Erwartungen heraus, die in Verbindung mit der Selbstporträtmalerei und der Porträtkunst stehen. Ihr Ziel ist es, sie auseinanderzunehmen, ohne spezifische Bestandteile umzuordnen, so als ob man mehrere Geschichten gleichzeitig erzählt.
Queer ist immer unbestimmt und mehr als eines. Da „Queer” in keine Kategorie passt, geht solch ein Selbstporträt über die Grenzen des Selbstporträts hinaus.
In dieser Ausstellung verschmelzen Dinge (welche Dinge?) miteinander.
Der gestiefelte Kater ist eine Ausstellung von zwei Künstlern, Miska Mio und Alex Keyriläinen, die sich aus Ölgemälden, Zeichnungen und Holzschnitten zusammensetzt. Die Ausstellung ist zwischen 20.8.2024 – 7.9.2024 in der Galerie Pleiku zu sehen.
I see artistic work as asking, seeking new possibilities. Each artwork is a viewpoint, a proposal for an alternate way to see and experience. The works are like shards, reflecting potential worlds, new, unknown universes.
In the exhibition I present fine art prints, and video work based on these prints. These works are tied together by a soundscape I have composed for this exhibition. In this body of works I combine traditional methods of printmaking and contemporary technologies. Handmade prints, art text, video and soundscape are different ways to approach same fundamental questions. Together they form a holistic experience - a space in which to succumb to asking, wonder and enchantment.
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Sanni Vanttaja ( b.1990) is a visual artist based in Helsinki, Finland. She has studied fine arts education and received her Master of Arts degree in 2019. The works of Vanttaja move between visual art and poetry, channelling messages in two, intertwining languages. In her artistic practice she finds significance in seeking and asking, empty space and slow pace. The moments when thoughts dissolve off the ordinary. When shapes and words float freely in time and space, coming together. That point in which a question crystallizes into an image, an image into a new world.
This exhibition has been supported by Arts Promotion Centre Finland and Aue- Foundation.
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Ich sehe künstlerische Werke als Fragen, das Erkunden neuer Möglichkeiten. Jedes Werk ist eine Perspektive, ein Angebot eines anderen Wegs, zu sehen und zu erleben. Die Werke sind wie Scherben, die potenzielle Welten und neue, unbekannte Universen widerspiegeln.
In dieser Ausstellung präsentiere ich Kunstdrucke und Videowerke, die auf diesen Drucken basieren. Diese Werke werden von einer Geräuschkulisse untermalt, die ich für diese Ausstellung komponiert habe. In diesen Kunstwerken vereine ich traditionelle Methoden des Druckverfahrens mit zeitgenössischen Technologien. Per Hand hergestellte Drucke, Kunsttexte, Videos und Geräuschkulissen sind verschiedene Wege, sich mit den selben fundamentalen Fragen zu beschäftigen. Zusammen bilden sie eine holistische Erfahrung - ein Ort, an dem man fragt, sich wundert und verzaubert wird.
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Sanni Vanttaja (geb.1990) ist eine bildende Künstlerin aus Helsinki, Finnland. Sie studierte bildende Künste und erhielt 2019 einen Magister Artium. Die Werke von Vanttaja wechseln zwischen bildender Kunst und Poesie und dirigieren Nachrichten in zwei verzweigten Sprachen. In ihrer Kunst legt sie viel Wert auf das Suchen und Fragen, leeren Raum und ein langsames Tempo. Die Momente, wenn Gedanken den Alltag verschleiern. Wenn Formen und Worte frei in Zeit und Raum schweben und verschmelzen. Der Punkt, an dem eine Frage zu einem Bild wird, ein Bild zu einer neuen Welt.
Diese Ausstellung wird von dem Arts Promotion Centre Finland und der Aue-Stiftung unterstützt.
23.7.-3.8.2024 Ritva Larsson - the Street Opening: Tue 23.7. 19-21. Welcome!
Art can serve as a way to examine injustice, marginalization and other pressing social problems. The painting can be a silent political statement for a better world and humanity.
This exhibition presents different aspects of street life. The name of the exhibition could also be “the fall of the welfare state”. I try to highlight groups of people and destinies that we like to clean out of our thoughts. Brought to the gallery, we have to look at the marginalized, we have to face what we might not want to see or think about. In front of us is another person with his joys and sorrows, raised on the wall, worthy of a painting.
The polarization of our well-being is reflected on the street. EU citizens go around begging on street corners in the hope of better things, drug addicts spend their time on benches. Control representatives do their work. People pass each other, lives progress on different levels, perhaps never meeting.
The method of execution of the works is traditional oil painting on a two-dimensional surface following very classical traditions. The tension builds when traditional technology meets the modern subject world, when “social” and “realism” meet each other. Larsson graduated as a visual artist in 2009 from the Lahti Art Institute. From Larssons previous education, she has a master’s degree in social sciences (University of Tampere 1996). With this background combination, it is quite natural to end up studying the “social” through the means of art as well.
In art paintings, situations are recorded on canvas or paper slowly, and a very far-reaching dialogue between the work and the world is not possible. The work remains the artist’s statement on things or phenomena, becoming an interpretation of the work in the viewer’s mind. Still, the art of painting as a means of influence can be fascinating and necessary. Pictures don’t offer answers, just questions that deserve to be asked. The pictures offer a memory trace, a picture of another person, our kindred partner.
This is Ritva Larsson´s third exhibition at the gallery Pleiku concerning the same topic: ”Street”.
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Straße
Kunst kann eine Methode sein, Ungerechtigkeit, Ausgrenzung und andere akute soziale Probleme zu untersuchen. Das Gemälde kann eine stille politische Aussage für eine bessere Welt und Menschheit sein.
Diese Ausstellung präsentiert verschiedene Aspekte des Lebens auf der Straße. Sie könnte auch “Der Fall des Sozialstaates” heißen. Ich versuche, Menschengruppen und Schicksale hervorzuheben, über die wir nicht gerne nachdenken. In der Galerie müssen wir uns jedoch die Ausgegrenzten ansehen, wir müssen uns dem gegenüberstellen, das wir vielleicht nicht sehen und über das wir nicht nachdenken möchten. Vor uns ist eine Person mit eigenen Freuden und Sorgen. Sie befindet sich an der Wand, sie war es wert, gemalt zu werden.
Die Polarisierung unseres Wohlbefindens spiegelt sich auf der Straße wider. EU-Bürger/innen betteln an den Straßenecken mit der Hoffnung auf etwas Besseres. Drogensüchtige verbringen ihre Zeit auf Sitzbänken. Kontrollvertreter erledigen ihre Arbeit. Menschen gehen aneinander vorbei, Leben entwickeln sich auf verschiedenen Ebenen und treffen sich womöglich nie.
Die Werke sind traditionelle Ölgemälde auf einer zweidimensionalen Oberfläche, die nach den klassischen Traditionen hergestellt wurden. Die Spannung wächst, wenn traditionelle Technologien auf die moderne subjektive Welt treffen, wenn “Sozial” und “Realismus” aufeinanderstoßen. Larsson schloss das Lahti-Kunst-Institut 2009 als bildende Künstlerin ab. Davor besaß sie bereits einen Master in Sozialwissenschaften (Tampere Universität, 1996). Mit diesem Hintergrund ist verständlich, wieso sie das “Soziale” anhand von Kunst studiert.
In Kunstgemälden werden Situationen langsam auf Leinwand oder Papier festgehalten. Ein weitreichender Dialog zwischen dem Werk und der Welt ist nicht möglich. Das Werk ist und bleibt das Statement des Künstlers über Dinge oder Phänomene und wird in den Augen des Betrachters zu einer Interpretation des Werkes. Die Kunst des Malens als Einfluss kann faszinierend und notwendig sein. Bilder geben keine Antworten, nur Fragen, die sich lohnen, gestellt zu werden. Die Bilder sind eine Erinnerungsspur, ein Bild einer anderen Person, unseres Gleichgesinnten.
Dies ist Ritva Larssons dritte Ausstellung in der Galerie Pleiku zu demselben Thema: “Straße”.
2.-13.7.2024 Mikko Rekonen: Unlock the fear Opening: Tue 2.7. 19-21. Welcome!
In my latest works I deal with the experience of existence where the mind is locked by fears and uncertainty. First of all, I recognize the concern for the survival of one's own descendants in the competitive society of the future where finding one's own path may be uncertain. I recognize the fear of death. We know that life is based on death, but paradoxically death is hidden. Fear of inadequacy and the impact of traumatic experiences on life is often present.
My works are painted collages: metaphorical entities that are also related to the portrait tradition that explores existence. I feel that art should only deal with the deepest and most challenging philosophical and ethical questions. Like what is a good life and how to find experiences of meaning and permanence in a world full of addictions. In some way, these things are tied together and embodied in interactions between people. That's why in my works there are characters who are psychologically attuned to each other, through which I present the tension created by these questions.
I want my works to be seen as thoughts or ideas. The intention is that the works are gateways to these psychological scenes, worlds. It is clear that my works deal with the innermost and closed feelings of the mind. Feelings of inner conflict where the zest of life is dominated by both instinct and control. In the rational view of human, the unconscious is just a huge mass of seething impulses that must be kept under control. An alternative to this materialistic worldview (based on continuous economic growth and the belief in the omnipotence of the individual) could be a worldview in which human is understood as broken, multifaceted and incomplete. Mortality itself acts as a source of passion, meaning and vitalism.
Mikko Rekonen (b.1985) is a visual artist from Helsinki who graduated with a master's degree in art from Aalto University in 2013. He has held several solo exhibitions and participated in group exhibitions both in Finland and abroad. His last solo exhibition in Berlin was at Toolbox in 2017. The artist's work can be found in the Helia Foundation and private collections. Rekonen also is well-known as the drummer of the band Sydän, sydän.
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Angst freischalten
In meinen neuesten Werken beschäftige ich mich mit der Erfahrung der Existenz, in der der Verstand von Ängsten und Ungewissheiten festgehalten wird. Zuerst erkenne ich die Sorge um das Überleben der eigenen Nachfolger in der wettbewerblichen Gesellschaft der Zukunft, in der das Finden des eigenen Weges ungewiss ist. Ich erkenne die Angst vor dem Tod. Wir wissen alle, dass das Leben auf dem Tod basiert, aber paradoxerweise ist der Tod versteckt. Die Angst vor Unzulänglichkeit und die Folgen von traumatischen Erfahrungen auf das Leben sind gängig.
Meine Werke sind gemalte Collagen: Metaphorische Entitäten, die auch mit der Portrait-Tradition zu tun haben, die die Existenz erkundet. Ich habe das Gefühl, dass Kunst sich nur mit den tiefsten und herausforderndsten philosophischen und ethischen Fragen auseinandersetzen sollte. Zum Beispiel, was ein gutes Leben ist und wie man in einer Welt voller Süchte Erfahrungen der Bedeutung und der Permanenz findet. Diese Dinge sind auf eine Weise verbunden und werden in Interaktionen zwischen Menschen verkörpert. Deshalb gibt es in meinen Werken Figuren, die psychologisch aufeinander eingestimmt sind und so stelle ich die Spannung dar, die durch diese Fragen entsteht.
Ich möchte, dass meine Werke als Gedanken oder Ideen betrachtet werden. Das Ziel ist, dass die Werke Tore zu diesen psychologischen Szenen und Welten sind. Es ist klar, dass meine Werke sich mit den innersten und geschlossensten Gefühlen des Verstandes beschäftigen. Gefühle des inneren Konflikts, wo die Lebensfreude sowohl von Instinkt als auch von Kontrolle dominiert wird. In der vernünftigen Wahrnehmung des Menschen ist das Unbewusste eine riesige Masse von brodelnden Impulsen, die kontrolliert werden müssen. Eine Alternative zu der materialistischen Weltsicht (die auf dem wirtschaftlichen Wachstum und dem Glauben an die Allmacht des Individuums basiert) könnte eine Weltsicht sein, in der Menschen als kaputt, facettenreich und unvollständig angesehen werden. Die Sterblichkeit selbst ist eine Quelle der Leidenschaft, der Bedeutung und des Vitalismus. Mikko Rekonen (geb.1985) ist ein bildender Künstler aus Helsinki, der 2013 die Aalto-Universität mit einem Master in Kunst abgeschlossen hat. Er hat bereits an mehreren Einzel- und Gruppenausstellungen in Finnland und im Ausland teilgenommen. Seine letzte Einzelausstellung in Berlin war 2017 bei Toolbox. Die Werke des Künstlers findet man in der Helia-Stiftung und in privaten Sammlungen. Rekonen ist auch als der Schlagzeuger der Band Sydän, Sydän bekannt.
18.-29.6.2024 Pia Strang: Going Places Vernissage: Tue 18.6. 19-21. Welcome!
Honolulu, Malta, Paris, Utsjoki. Which colors and shapes match Milan?
Abstract, unique works are made by printmaking and mixed media. Each work is made layer by layer with my interpretations of different places around the world. "Some I've been to, some I haven't, most of them I'm not even going to."
Pia Strang (1974) is a Helsinki-based visual artist, painter and printmaker. She has studied at the University of Art and Design (Aalto University) and Academy of Fine Arts. Her works can be found in several collections in Finland, Europe and Asia.
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Honolulu, Malta, Paris, Utsjoki. Welche Farben und Formen passen zu Mailand?
Abstrakte, einzigartige Werke entstehen durch Grafikkunst und Mischtechniken. Jedes Werk wird Schicht für Schicht mit meiner Interpretation verschiedener Orte auf der Erde kreiert.
“Manche habe ich bereits besucht, manche nicht, aber die meisten werde ich nie besuchen.”
Pia Strang (1974) ist eine bildende Künstlerin, Malerin und Grafikerin aus Helsinki. Sie hat an der Universität für Kunst und Design (Aalto Universität) und der Akademie für schöne Künste studiert. Ihre Werke findet man in mehreren Sammlungen in Finnland, Europa und Asien.
In my paintings, both nature and people are wrapped in the synthetic sheen of plastic. The glossy surface of plastic evokes meanings that are partially contradictory, such as isolation, suffocation, protection, and purity. When a female figure is draped in plastic, familiar cultural imagery of veiled mystical figures or saints comes to mind. This evokes various meanings of veils and veiling. The female body emerging from beneath the plastic is also a recurring theme in crime dramas.
In the series "Roadside Arrangements," the wild bloom along the roadsides is wrapped in a shiny surface. The starting point for this series was an incidental arrangement encountered during a bike ride, where the roadside plants intertwined with the litter thrown at the edge of the road, swaying together in the wind. This arrangement later inspired various versions used as models for the paintings. The paintings emphasize the dialogue between inorganic plastic and organic materials, such as plants, raising questions about the relationship and coexistence between nature and human-made materials. Plastic symbolizes the human imprint, the impact of industry, and unnatural permanence, while plants represent life, growth, and the cycle of nature.
The work "Spill" differs from the other pieces in the exhibition in many ways. Its starting point was acrylic paint absorbed on paper for disposal, left over from painting another work. The resulting stain looked fascinating and later served as the basis for a pencil drawing. These stains form a growing collection of small drawings throughout the exhibition.
Sini Anttila-Rodriguez is a visual artist from Helsinki, whose paintings have been featured in numerous solo and group exhibitions in Finland and abroad. She graduated as a visual artist from the Lahti Institute of Fine Arts and earned her Master of Arts from the University of Art and Design Helsinki. An important experience as a young art student was her exchange period in Berlin at Kunsthochschule Weissensee in 1999. Her works were last exhibited at Gallerie Pleiku in 2012.
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In meinen Gemälden werden Menschen und die Natur in synthetischem glänzenden Plastik gewickelt. Die glänzende Oberfläche des Plastiks ruft Bedeutungen hervor, die sich zum Teil widersprechen, wie Isolation, Erstickung, Schutz und Reinheit. Wenn man eine weibliche Figur sieht, die in Plastik gehüllt ist, kommen einem andere bekannte, kulturelle Bilder von verschleierten mystischen Figuren oder Heiligen in den Sinn. Dies ruft verschiedene Bedeutungen von Schleiern und Verschleierung hervor. Der weibliche Körper, der von dem Plastik hervortritt, ist auch ein wiederkehrendes Thema in Verbrecherdramen.
In der Serie “Roadside Arrangements” ist die wilde Blüte am Straßenrand in einen glänzenden Stoff gewickelt. Der Startpunkt für diese Serie war eine zufällige Gestaltung, auf die ich bei einem Fahrradausflug stieß. Die Pflanzen an den Straßenränder wiegten sich zusammen mit dem auf die Straße geworfenen Müll im Wind. Die Gestaltung inspirierte später verschiedene Versionen, die als Modelle für die Gemälde eingesetzt wurden. Die Gemälde betonen den Dialog zwischen anorganischem Plastik und organischen Materialien wie Pflanzen und werfen Fragen über die Beziehung und Koexistenz zwischen der Natur und von Menschen geschaffenen Materialien auf. Plastik symbolisiert den menschlichen Abdruck, den Einfluss der Industrie und eine unnatürliche Dauerhaftigkeit, während die Pflanzen Leben, Wachstum und den Kreislauf der Natur darstellen.
Das Werk “Spill” unterscheidet sich auf viele Weisen von anderen Stücken in der Ausstellung. Sein Startpunkt waren Acrylfarben, die von Abfallpapier absorbiert wurden, das von einem anderen Werk übrig war. Der resultierende Fleck sah faszinierend aus und diente später als Grundlage für eine Bleistiftzeichnung. Diese Flecken bilden eine wachsende Sammlung kleiner Zeichnungen, die in der Ausstellung zu sehen sind.
Sini Anttila-Rodriguez ist eine bildende Künstlerin aus Helsinki, deren Gemälde bereits in zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen in Finnland und im Ausland präsentiert wurden. Sie schloss das Lahti Institute of Fine Arts als bildende Künstlerin ab und erhielt ein Magister Artium von der University of Art and Design Helsinki. Eine wichtige Erfahrung als junge Kunststudentin war 1999 ihre Zeit im Austauschprogramm an der Kunsthochschule Weißensee in Berlin. Ihre Werke wurden zuletzt im Jahr 2012 in der Galerie Pleiku ausgestellt.
7.-18.5.2024 WHAT ABOUT IF IT RAINS Marjukka Irni & Susanna Lyly Vernissage: Thursday 9.5. 17-19, Welcome!
At the photography exhibition What about if it rains the artists Marjukka Irni and Susanna Lyly explore themes such as female bodily experiences in various crises and turning points in their lives.
In the photo series la la love Irni explores the aging female bodily experiences humorously, but it also includes a serious message about the invisibleness of the aging female body when talking about love.
In the photo series Feelings of Water Lyly studies her relationship to body and water, the symbolic meanings of water and the flow of life. There is always a bit of humor behind sadness.
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WAS, WENN ES REGNET
Bei der Fotografie-Ausstellung “Was, wenn es regnet” erkunden die Künstlerinnen Marjukka Irni und Susanna Lyly Themen wie weibliche körperliche Erfahrungen in diversen Krisen und Wendepunkten in ihren Leben.
In der Fotoserie “La La Liebe” setzt sich Irni humorvoll mit dem Altern des weiblichen Körpers auseinander, jedoch hat die Serie auch eine ernste Message über die Unsichtbarkeit des alternden weiblichen Körpers, in der Liebe.
In der Fotoserie “Gefühle des Wassers” beschäftigt sich Lyly mit ihrer Beziehung zu Körper und Wasser, der symbolischen Bedeutung von Wasser und dem Fluss des Lebens. Hinter der Traurigkeit steckt auch etwas Humor.
Counterspeech, meaning crowdsourced action against hate speech, has been recommended over the past decade as a way to combat hate speech, misinformation and many other harmful phenomena of digital culture.
When approached from a feminist point of view, counterspeech can also be a means of addressing forms of discrimination against people more broadly and challenging "biopower", which in the form of norms regulates the bodyminds of individuals, their forms and activities, and divides lives into hierarchies of lives worth living and lives worth mourning for – and reciprocally into lives that can be culturally condemned to death and into oblivion.
The works in the exhibition raise examples of various normative structures intertwined with power and violence, hate speech and forms of activism that challenge these – from body positivity activism to dance as a form of solidarity.
The exhibition is the result of the collaboration of three artists, researchers and dancers, who have been working together since 2021 in the Kone Foundation's Counterspeech Project. In this project, we study the different forms of resisting online hate. Part of our working has been tests in combining research and activism, or more familiarly, “researchivism”. Often, scientific and artistic knowledge are seen as mutually exclusive. We want to find common paths, forms and ways of doing both.
This is a process exhibition that is built throughout its duration. The exhibition is ready for one day on its last day, Friday the 3rd of May, 2024.
I will be present in the gallery space for the entire duration of this exhibition. Through the conversations I have with the visitors of the exhibition, I work on a sprawling, affective and bodily production of meaning, installing traces created in our conversation processes to the exhibition space – for example, poems, drawings, photographs and notes.
Durational conversation performances have been a part of my artistic work for years. I believe talking about challenging issues together builds a type of cultural resilience, which is important for both individuals and communities. This includes resistance to, for example, hate speech and misinformation.
HEIDI KOSONEN
Biopower [biopouvoir]: "the wielding of numerous and diverse techniques for achieving the subjugations of bodies and the control of populations, especially through knowledge-production"
In the essay and video work produced for this exhibition, I study biopower, corporeality, and the counterforce of conscious embodiment, that I consider as being able to challenge the forms of violence masking as knowledge. I weave connections between the different manifestations of this biopower and the varied human, non-human, and planetary forms of life subjugated to this power, and use my own body, movement and dance to embody resistance to it. I especially invoke bodily consciousness to challenge the violence manifested in the varied harmful or violent knowledges, especially the western mind-body dichotomy.
I have long studied biopower as an academic researcher, but never before as a dancer. In this sense, the video work, in which I interpret the essay informed by my academic self, is a tentative attempt in making already-known, in various senses difficult, knowledge attainable in a different register through bodily practices and knowledge.
SUSI NOUSIAINEN
In my installation Still water I combine handwritten poetry with the topic of hate speech. In the Counterspeech-project, funded by the Kone Foundation, one goal has been to create new viewpoints on the problem of hate speech. In this piece the theme is partly visible within the texts, but instead of showing actual hate speech, I am bringing the theme into a lyrical form. This is a whole new register for discussing internet hate.
I have written two landscapes that are set in dialogue in the poems. The first one is the internet, associated with people's difficulty to reach each other and incorporeality; the other is a lakeside forest, in which the seasons change in intensively corporeal ways. This contradiction between the analogue and digital worlds is also present in my choice to write the poems by hand. Writing this way is slow and laborious. This is a little protest against the constant effectiveness of the digital world.
The poems are often related to water, as in the poem Still water. Water becomes the uniting element between different beings: flowing through and within humans, fish, and the lake.
The installation includes 60 handwritten poems. Together they form a surface of lace-like, organic handwriting in the exhibition space. My style of handwriting resembles a letter or a diary. Would our communication on the internet be different, if we still had to write by hand, so that there was time to feel the meaning of the text in the writer’s body?
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Gegenrede - gemeinschaftliche Handlung gegen Hassrede - wurde im Laufe des letzten Jahrzehnts als Methode empfohlen, wie man gegen Hassrede, Fehlinformation und viele weitere schädliche Phänomene der digitalen Kultur ankämpfen kann.
Von einem feministischen Standpunkt aus gesehen kann die Gegenrede auch als Aussprache gegen verschiedene Arten der allgemeinen Diskriminierung gegen Menschen verwendet werden, um “Biopower” herauszufodern, welche in der Form von Normen den Körpergeist von Individuen, sowie ihre Formen und Handlungen bestimmt und das Leben von Menschen in Hierarchien einteilt; Leben, die es wert sind, zu leben und zu betrauern – und Leben, die kulturell zum Tode verurteil und in Vergessenheit geraten.
Die Werke in der Ausstellung sind Beispiele verschiedener normativer Strukturen, die mit Macht und Gewalt, Hassrede und Arten des Aktivismus verwickelt sind, welche diese herausfordern – vom Aktivismus für Körperpositivität bis zum Tanz als Form der Solidarität.
Die Ausstellung ist das Ergebnis einer Zusammenarbeit von drei Künstler/innen, Forscher/innen und Tänzer/innen, die schon seit 2021 an dem Counterspeech Projekt der Kone-Stiftung zusammenarbeiten. In diesem Projekt untersuchen wir die verschiedenen Arten, wie man dem Online-Hass trotzen kann. Ein Teil unserer Arbeit sind Tests, bei denen die Forschung und der Aktivismus verbunden werden, wir nennen es “Forschivismus”. Oft denken Menschen, dass wissenschaftliche und künstlerische Kenntnisse sich gegenseitig ausschließen. Wir möchten Pfade, Formen und Wege finden, bei denen beide einen Platz haben.
Dies ist eine Prozessausstellung, die im Laufe der Ausstellungszeit gebaut wird. Die Ausstellung kann am letzten Tag für einen Tag in Fülle betrachtet werden, Freitag, 3. Mai 2024.
Water-based woodblock printing, mokuhanga, is my principal method. I use simple materials and tools – a wooden block, knives, water colour paints, rice starch, fibre paper and a ‘baren’. This ancient Japanese technique attracts me with its long history and its respect for craftsmanship. As the technique is so natural it helps to ground my own relationship with nature while reminding me of the eternal circulation of life.
My work starts with this connection to nature, with the changes that can be felt and experienced in the seasons and the different times of day. Our knowledge of these variations is limited – the darkness of night, the light of the day, the phases of the moon, the winter solstice – but if we can really experience them it will have a strong impact on us. This circulation of nature is found, too, in the rhythm of our human life, the emotion felt by hearing the sound of migrating birds or by following the flight of cranes in autumn. The first autumn snow brightens our personal inner world.
All cultures have followed the waxing and waning of the moon. Navigation at sea and the rhythm of the agricultural year depend on its movement. The rituals and beliefs of many cultures are based on it. My work is linked to Japanese culture which values the regularity of the cycle as the delicate scythe shape transforms into a full grown moon, a transformation repeated time and time again. Humans are part of nature with its forests and animals and starry skies. In it, if they can find their place without destroying what they find, they may discover a blissful haven, a paradise regained.
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Der wasserbasierte Holzschnitt Mokuhanga ist meine Hauptmethode. Ich verwende einfache Materialien und Werkzeuge – einen Holzblock, Messer, Wasserfarben, Reisstärke, Faserpapier und einen ‘Baren’. Diese alte japanische Methode interessiert mich aufgrund ihrer langen Geschichte und dem Respekt für die Handwerkskunst. Da diese Methode so natürlich ist, hilft sie mir, meine eigene Beziehung mit der Natur zu grundieren, während sie mich an den ewigen Kreislauf des Lebens erinnert.
Meine Arbeit beginnt mit dieser Verbindung zur Natur, mit den Veränderungen, die in den Jahreszeiten und zu verschiedenen Zeiten des Tages gefühlt und erfahren werden können. Unser Wissen über diese Schwankungen ist begrenzt – die Dunkelheit der Nacht, das Licht des Tages, die Phasen des Mondes, die Wintersonnenwende – aber wenn wir sie wirklich erfahren können, haben sie eine große Wirkung auf uns. Diesen Kreislauf der Natur findet man auch in dem Rhythmus des menschlichen Lebens; die Emotionen, die man fühlt, wenn man den Klang der Zugvögel hört oder wenn man den Kranichen im Herbst beim Fliegen zusieht. Der erste Herbstschnee erleuchtet unsere eigene innere Welt.
Alle Kulturen sind dem Wachsen und Schwinden des Mondes gefolgt. Die Seenavigation und der Rhythmus des landwirtschaftlichen Jahres hängen von dieser Bewegung ab. Rituale und Glaubensvorstellungen sind darauf aufgebaut. Meine Arbeit steht in Verbindung zu der japanischen Kultur, in der die Regelmäßigkeit des Zyklus wertgeschätzt wird, wenn sich die zarte Sichelform in einen Vollmond verwandelt. Eine Transformation, die immer wieder wiederholt wird. Menschen sind Teil der Natur mit ihren Wäldern und Tieren und Sternenhimmeln. Wenn sie in ihr den Platz finden, an den sie gehören, ohne die Natur zu zerstören, werden sie eine selige Oase entdecken, ein wiedererlangtes Paradies.
19.-30.3.2024 Antti Tolvi - Sound, light, silence Performance by Antti Tolvi: Tue 19.3. 19:00-20:00. Welcome! Open: Tue-Sat, 15-19 (following days only open 15-18: 22.3. 23.3. 26.3. 28.3. 30.3.)
Antti Tolvi - Sound, light, silence
By its nature, silence is free. Free from popularity and egoism, free from being permanent anywhere. It is free from trying to be something more what it is. It is just freedom actually what there is. Freedom to not having to need to do things what this worship of capitalism and individualism wants. If it starts to get these features, then it is most probably something else.
Sound (blue)
During the exhibition in the gallery space there will be Sound (blue) multi-sensory sound and light installation.
Installation plays with body sensations (low frequency sofa), sounds and lights (water bowls over transdusers). Piece operates with simple elements, sine waves, whereby piece gently create harmonic movements all around us. Piece plays simultaneously with our inner and outer sensations, and slowly directs us toward more open, silent space.
Light
During the opening hours of gallery, Antti is doing Light, multi-sensory one-to-one performances (duration 10 min) which wonders around with same questions as Sound (blue). Piece works with body feelings, air movements, sounds, lights, tastes, thoughts and so on.
Silence music concert serie IV
Concert series will take place in the gallery during the two weeks. I have invited local composers to perform their works in the gallery.
Program (March): 19th 19:00 performance by Antti Tolvi 22th 19:00 Bryan Eubank, Michiko Ogawa, Antti Tolvi 23th 19:00 crys cole, Weston Olencki, Antti Tolvi 26th 19:00 Two pieces from Eva-Maria Houben: by Jonathan Heilbron & Koen Nutters / by Carina Khorkhordina & Antti Tolvi 28th 19:00 Sam Dunscombe, Fredrik Rasten, Eric Wong, Antti Tolvi 30th 14:00 Antoine Beuger: calme étendue (flute) by Antti Tolvi
Exhibition is supported by the Finnish Cultural Foundation and Kone foundation.
Antti Tolvi (b. 1977) is a sound artist and performer from Turku Finland. Antti has been one of the most important names in the field of experimental music scene in Finland since 2002. Antti has performed on three continents and 14 solo records have been released from Antti. Since 2016 Antti has held 18 solo exhibitions and participated in 22 group exhibitions. Year 2022 Antti got Regional art prize.
Freedom, peace, gratitude and minimalist aesthetics are often reflected in Anttis works. Works have been exhibited e.g. Helsinki Juhlaviikot (2021), Musica Nova festivals (2021), Helsinki Biennale (Teemu Lehmusruusu working group 2021), Pori Art Museum (2020), Tampere Biennale (2016 & 2018). Antti has also been organizing the annual Kiilan äänipäivät sound art festival on Kemiö Island and Turku since 2014.
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Antti Tolvi - Ton, Licht, Stille
Ihrem Wesen nach ist die Stille frei. Frei von Beliebtheit und Egoismus, frei davon, dauerhaft an einem Ort zu sein. Sie ist frei davon, zu versuchen, mehr zu sein, als das, was sie ist. In Wahrheit gibt es nur Freiheit. Die Freiheit, die Dinge nicht zu tun, die die Verehrung des Kapitalismus und des Individualismus verlangt. Wenn etwas diese Merkmale annimmt, dann ist es wahrscheinlich etwas anderes.
Ton (blau)
Während der Ausstellung in der Galerie wird es Ton (blau) geben, eine multisensorische Ton- und Lichtinstallation.
Die Installation spielt mit körperlichen Sensationen (Niederfrequenzsofa), Tönen und Lichtern (Wasserschüsseln über Niederfrequenzwandlern). Das Stück arbeitet mit einfachen Elementen, Sinuswellen, bei denen das Stück um uns herum sanfte, harmonische Bewegungen erzeugt. Das Stück spielt gleichzeitig mit unseren innerlichen und äußerlichen Sensationen und leitet uns langsam in einen offenen, stillen Raum.
Licht Während der Öffnungszeiten der Galerie führt Antti Licht - multisensorische Einzelaufführungen - durch (Dauer: 10 min), die sich mit den gleichen Fragen wie Ton (blau) beschäftigen. Das Stück arbeitet mit körperlichen Gefühlen, Luftbewegungen, Tönen, Lichtern, Geschmäckern, Gedanken und so weiter.
Stille Musikkonzertserie IV
Die Konzertreihe findet in den zwei Wochen in der Galerie statt. Ich habe lokale Komponisten eingeladen, ihre Werke in der Galerie vorzutragen.
Programm: 19. 19:00 Aufführung von Antti Tolvi 22. 19:00 Bryan Eubank, Michiko Ogawa, Antti Tolvi 23. 19:00 Crys Cole, Weston Olencki, Antti Tolvi 26. 19:00 Zwei Stücke von Eva-Maria Houben: Von Jonathan Heilbron & Koen Nutters / von Carina Khorkhordina & Antti Tolvi 28. 19:00 Sam Dunscombe, Fredrik Rasten, Eric Wong, Antti Tolvi 30. 14:00 Antoine Beuger: Calme étendue (Flöte) von Antti Tolvi
Die Ausstellung wird von der finnischen Kulturstiftung und der Kone-Stiftung unterstützt. Antti Tolvi (geb. 1977) ist ein Klangkünstler und Performer aus Turku, Finnland. Antti ist schon 2002 einer der wichtigsten Namen in dem Feld der experimentellen Musikszene in Finnland. Antii hat bereits auf drei Kontinenten performt und 14 Solo-Aufnahmen veröffentlicht. Seit 2016 hat Antti 18 Einzelausstellungen abgehalten und an 22 Gruppenausstellungen teilgenommen. Im Jahr 2022 erhielt Antti den regionalen Kunstpreis. Die Begriffe Freiheit, Frieden, Dankbarkeit und die minimale Ästhetik werden oft in Anttis Werken thematisiert. Seine Werke erschienen beispielsweise in Helsinki Juhlaviikot (2021), Musica Nova Festivals (2021), Helsinki Biennale (Arbeitsgruppe Teemu Lehmusruusu 2021), dem Pori Kunstmuseum (2020) und Tampere Biennale (2016 & 2018). Antti organisiert auch schon seit 2014 das jährliche Sound Festival Kiilan äänipäivät auf der Insel Kimito und in Turku.
5.-16.3.2024 JOHANNA PÖYKKÖ Moments here - I painted my own space for myself
Note: The exhibition is open on Tue-Wed and Fri-Sat, 15-19h The exhibition doesn't have an opening event. Welcome!
"I look at the moment of painting, the minimum amount of time it takes. The object of the work needs to be the object of the gaze. It needs time for thought. Plans, observations and experiences wait for their moment and are condensed into colours, movement and shapes.
However, doing things also needs time to think about the thoughts that come to mind or that the thoughts have time to form in the first place. When painting, you have time to feel what painting is to me. It's thought, play, humming, pungent mixing of colors. When I work with my hands, when I create something new, I ground myself in this being. Then I will know my place, whose right I am questioning at the same time.
On display is a series of monotypes on used sheets, in which I study the absorption of colors into fabric and washing wrinkles, color overtones, and the role of light in colors when light penetrates a fabric hanging in the air. With monotype, I get to paint on a slippery surface and get the movement of painting involved in the process. This series of works started from the need for painting and my own space. I noticed that I seemed to be painting the space around me."
The exhibition is supported by the Finnish Cultural Foundation and the City of Oulu.
Johanna Pöykkö (b 1977) is a visual artist based in Oulu, Finland. Pöykkö is studying the individual as part of a larger whole and the passage of time. For a long time, sheet fabric has been involved in making art as a material and as a transporter of information, a transmitter, and serigraphy as a technique. Pöykkö creates textile-based installations and sculptures in which colours, lights and shadows create a spatial whole. Pöykkö's works have been exhibited e.g. Oulu Art Museum, Forssa Museum, Kemi Art Museum and Craft Museum of Finland.
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“Ich sehe mir den Moment des Malens an, die Mindestzeit, die es braucht. Das Objekt der Arbeit muss das Objekt des Blickes sein. Das Denken erfordert Zeit. Pläne, Beobachtungen und Erfahrungen warten auf ihren Moment und werden in Farben, Bewegungen und Formen komprimiert. Jedoch braucht es auch Zeit, Dinge zu tun, da man über die Gedanken, die einem kommen, nachdenken muss oder damit die Gedanken Zeit haben, überhaupt zu entstehen. Beim Malen habe ich Zeit, zu fühlen, was Malen für mich bedeutet. Es sind Gedanken, ein Spiel, Summen, eine stechende Mischung aus Farben. Wenn ich mit meinen Händen arbeite, wenn ich etwas Neues kreiere, denke ich daran. Dann weiß ich, wo ich hingehöre, während ich das Recht darauf zur gleichen Zeit in Frage stelle.
Die Ausstellung zeigt eine Reihe Monotypen auf gebrauchten Leintüchern, mit denen ich die Aufnahme von Farben in Stoffen, Waschfalten, Farbobertöne und die Rolle des Lichtes in Farben untersuche, wenn Licht einen Stoff durchstrahlt, der in der Luft hängt. Mit dem Monotyp male ich auf einer rutschigen Oberfläche und binde die Bewegung des Malens in den Prozess mit ein. Diese Werkereihe entstand, da ich ein Bedürfnis nach Malen und meinem eigenen Raum hatte. Ich bemerkte, dass ich den Raum um mich herum malte.”
Die Ausstellung wird von der finnischen Kulturstiftung und der Stadt Oulu unterstützt.
Johanna Pöykkö (geb. 1977) ist eine bildende Künstlerin aus Oulu, Finnland. Pöykkö studiert das Individuum als Teil eines größeren Ganzen und in dem Ablauf der Zeit. Leintuchstoff wurde lange Zeit in der Kunst als Material, beim Informationstransport als Transmitter und beim Siebdruck als Technik eingesetzt. Pöykkö kreiert textilbasierte Installationen und Skulpturen, bei denen Farben, Lichter und Schatten ein räumliches Ganzes bilden. Die Werke von Pöykkö wurden beispielsweise schon in dem Kunstmuseum Oulu, dem Forssa Museum, dem Kemi Kunstmuseum und dem Handwerksmuseum von Finnland ausgestellt.
7.-17.2.2024 A Fun Game of Losing an Eye - Jyri Ala-Ruona Opening: Tue 6.2. 19-21h, Welcome-Willkommen
Gallery Pleiku's exhibition consists of small-scale oil paintings. The name refers to the saying "It´s all fun and games until someone loses an eye". The background of the paintings consists of feelings and visual stimuli connected to certain moments and memories, such as the photos I found in my father's childhood home or my brothers' old role-playing notebooks and table hockey games. In the exhibition, the works drawing especially from surrealism and 17th-century vanitas paintings appear to me as a tragicomic game in which my personal history is intertwined.
In a small format, I can wallow in my neuroticism, enjoy losing my eyes to a scarce area and, as it were, protect myself from the uncertainty and restlessness coming from the outside. But the shell of introspection and nostalgia has to be broken eventually. The image that emerges never corresponds to the one that I had created in advance of myself or of the painting.
In the works, this manifests as disruption, fracture, wound or disappearance. They create openings, for me as well as for other viewers, from which to jump back into the game and redefine things.
Jyri Ala-Ruona (b. 1986) earned a bachelor’s degree from the Lahti Institute of Design and Fine Arts in 2011 and a Master of Fine Arts degree specializing in painting from the Academy of Fine Arts in 2020. His works are included in the collections of the Espoo Museum of Modern Art EMMA and the Hospital District of Helsinki and Uusimaa (HUS). The artist lives and works in Helsinki.
The exhibition has been supported by the Arts Promotion Centre Finland.
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Ein lustiges Spiel, bei dem man ein Auge verliert Die Ausstellung in der Galerie Pleiku besteht aus kleinen Ölgemälden. Der Name verweist auf den Spruch "Es ist alles Spiel und Spaß, bis jemand ein Auge verliert". Der Hintergrund der Gemälde besteht aus Gefühlen und visuellen Reizen, die mit bestimmten Momenten und Erinnerungen in Verbindung stehen, wie die Fotos, die ich in dem Elternhaus meines Vaters gefunden habe oder die alten Rollenspielbücher und Tischhockey-Spiele meiner Brüder. In dieser Ausstellung erscheinen mir besonders die Werke, die Elemente aus dem Surrealismus und Vanitas aus dem 17. Jahrhundert beziehen, als tragikomisches Spiel, das meine persönliche Geschichte mit einbindet.
In dem kleinen Format kann ich in meinem Neurotizismus schwelgen, meine Augen sozusagen an einen spärlichen Ort verlieren, mich von der Ungewissheit und Rastlosigkeit der Außenwelt schützen. Jedoch muss die Schale der Introspektion und Nostalgie früher oder später zerbrochen werden. Das Bild, das entsteht, passt nie zu dem, das ich vorher von mir oder dem Gemälde erstellt habe.
In den Werken manifestiert sich dies als Unterbrechung, Brüche, Wunden oder Abhandenkommen. Sie kreieren für mich und für andere Betrachter Öffnungen, durch die man zurück ins Spiel springen und die Dinge neu definieren kann.
Jyri Ala-Ruona (geb. 1986) erhielt 2011 einen Bachelor-Abschluss von dem Lahti-Institut für Design und bildende Kunst und 2020 einen Master-Abschluss in bildender Kunst mit Schwerpunkt auf Gemälde von der Akademie der bildenden Künste. Seine Werke sind Teil von Sammlungen in dem Espoo Museum der modernen Kunst EMMA und dem Krankenhausviertel von Helsinki und Uusimaa (HUS). Der Künstler lebt und arbeitet in Helsinki.
Die Ausstellung wird von dem Arts Promotion Centre Finnland unterstützt.
23.1.-3.2.2024 Fruit Fly Graveyard - Samuel Lehikoinen Vernissage: Tue 23.1. 19-21h. Welcome-Willkommen
The exhibition is a result of the artist’s recent venture into video game development. Alongside new experimental interactive works and prints, Lehikoinen presents his ongoing project “Unemployment Simulator 2018.” In addition to being an ironic self-portrait, the game depicts themes of male loneliness and social withdrawal within the context of the Finnish welfare system and serves as an exploration of boredom, utilizing a highly entertainment-based medium.
Expanding on the game’s themes, the exhibition uses vibrant pixel art aesthetics more commonly associated with retro gaming. The visual style is used to portray mundane and apathetic details of poor self-care and neglected living spaces. The intention is to present a comedic yet intimate view of depression and loneliness while providing commentary on the increasingly disconnected human experience of today’s world.
As a longtime enthusiast of the medium, Lehikoinen is interested in the unique potential of video games for providing thought-provoking and emotionally resonant experiences related to mental health. Instead of being a passive viewer, the audience member can take an active role in the narrative, fostering greater immersion and empathy on a given subject.
Samuel Lehikoinen (b 1990) is a visual artist from Jyväskylä, Finland. Having worked as an artist since 2016, Lehikoinen has participated in multiple group shows and held four solo exhibitions. While exhibited mostly as a painter, Lehikoinen is a multidisciplinary artist working also with digital media and music. He completed his master’s studies at the Estonian Academy of Arts in 2023.
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Fruchtfliegenfriedhof - Samuel Lehikoinen
Die Ausstellung ist ein Ergebnis des aktuellen Projekts des Künstlers - die Videospielentwicklung. Zusammen mit neuen experimentellen interaktiven Werken und Ausdrucken präsentiert Lehikoinen sein laufendes Projekt “Arbeitslosigkeitssimulator 2018”. Das Spiel ist nicht nur ein ironisches Selbstportrait, sondern stellt auch Themen wie die männliche Einsamkeit und den sozialen Rückzug in dem Kontext des finnischen Sozialhilfesystems dar und dient als eine Erkundung von Langeweile in einem hochgradig unterhaltsamen Medium.
Um die Themen des Spieles zu erkunden, setzt die Ausstellung dynamische Pixel-Art-Ästhetik ein, die man aus Retro-Spielen kennt. Der visuelle Stil wird verwendet, um banale und apathische Details der schlechten Selbstpflege und eines vernachlässigten Wohnraums darzustellen. Die Absicht ist, ein komödiantisches und gleichzeitig vertrautes Bild von Depression und Einsamkeit zu präsentieren sowie ein Kommentar über die immer mehr abgetrennte menschliche Erfahrung in der heutigen Welt abzugeben.
Als langjähriger Enthusiast des Mediums ist Lehikoinen an dem einzigartigen Potenzial von Videospielen interessiert, um denkwürdige und emotional resonante Erfahrungen bezüglich der geistigen Gesundheit bereitzustellen. Anstatt ein passiver Zuschauer zu sein, kann das Publikum eine aktive Rolle in der Geschichte spielen, was eine bessere Immersion und Mitgefühl über das jeweilige Thema erzeugt. Samuel Lehikoinen (geb. 1990) ist ein bildender Künstler aus Jyväskylä, Finnland. Er ist schon seit 2016 als Künstler tätig und hat an mehreren Gruppenshows teilen genommen und vier Einzelausstellungen abgehalten. Während die meisten seiner Ausstellungen Gemälde enthalten, ist Lehikoinen ein multidisziplinärer Künstler, der auch mit digitalen Medien und Musik arbeitet. 2023 erhielt er seinen Master-Abschluss von der Estnischen Kunstakademie.
Alchemy of abstract art. Time, Space, Envy, Soul, Chaos, Love, God, Charisma, Hate, Hope, Beauty.. Many people claim that they do not understand non-figurative art, but could anyone really understand the abstract?
It has always puzzled my imagination; how human mind works its way to force abstract words and pictures into something concrete. We have tendency to give understandable meaning even to those subjects and objects which do not have it.
For a painter, abstract is fascinating to work with. It is an interesting challenge to paint pictures about absolutely nothing. When an artist is no longer obligated to imitate reality, or impression or perception of it, the painting process becomes goalless creativity. It is, what it is. Painting with paint and process.
When abstract painting is getting a name - magic happens. Nothing becomes something from a faint personal reflection, connection, or a feeling. If the name is yet to be removed, the picture returns back to its original nothingness.
I started this project of small abstract paintings in 2017, while studying art in University of Heartfordshire, England. The oldest paintings in this exhibition are from that period. Pictures of Nothing is my abstract diary.
All these paintings are created with oil colours on the black acrylic base. I like the artistic process to be somehow seen in the finished artworks as layers and marks from the creative journey. Important to me are the wide palette of colours, dialog between shades and abstract shapes, illusions of depth and surface and the rhythm and lines of my free brush strokes.
Pictures of Nothing aims to experiment and discover limitless possibilities of abstract painting. The Picture is finished when it looks good or interesting. When I have absolutely nothing to remove from or add to it.
I think the best way to open up to abstract art is to paint it. Maybe that is the reason why I started. Pictures of Nothing is an ongoing process.
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Alchemie von abstrakter Kunst. Zeit, Raum, Eifersucht, Seele, Chaos, Liebe, Gott, Charisma, Hass, Hoffnung, Schönheit… Viele Menschen behaupten, dass sie nicht-figurative Kunst nicht verstehen, aber kann man das Abstrakte wirklich verstehen?
Es hat meine Fantasie schon immer verblüfft; wie der menschliche Verstand funktioniert und abstrakte Wörter und Bilder zwingend in etwas Konkretes verwandelt. Wir haben eine Tendenz dazu, selbst den Themen und Objekten eine verständliche Bedeutung zu geben, die keine haben.
Für einen Maler ist es faszinierend, mit dem Abstrakten zu arbeiten. Es ist eine interessante Herausforderung, Bilder über Nichts zu malen. Wenn ein Künstler sich nicht mehr verpflichtet fühlt, die Realität zu imitieren - oder Eindrücke und Wahrnehmungen davon - wird der Malprozess zu einer ziellosen Kreativität. Es ist, was es ist. Malen mit Farbe und Prozessen.
Wenn abstrakte Gemälde einen Namen erhalten - dann entsteht ein Zauber. Nichts wird zu etwas, von einer schwachen persönlichen Spiegelung, Verbindung oder einem Gefühl. Wenn der Name jedoch entfernt wird, kehrt das Bild zu dem ursprünglichen Nichts zurück.
Ich begann dieses Projekt, das aus kleinen abstrakten Gemälden besteht, im Jahr 2017, während ich Kunst an der Universität in Hertfordshire, England studierte. Die ältesten Gemälde in dieser Ausstellung stammen aus dieser Zeit. Bilder des Nichts ist mein abstraktes Tagebuch.
All diese Gemälde wurden mit Ölfarben auf einer schwarzen Acrylbasis kreiert. Ich mag es, wenn der künstlerische Prozess als Schichten und Zeichen der kreativen Reise in den fertigen Kunstwerk zu sehen ist. Mir ist eine breite Farbpalette, ein Dialog zwischen Farbtönen und abstrakten Formen, Illusionen der Tiefe und der Oberfläche sowie der Rhythmus und die Linien meiner freien Pinselstriche wichtig.
Bilder des Nichts möchten die endlosen Möglichkeiten des abstrakten Malens entdecken und mit ihnen experimentieren. Das Bild ist fertig, wenn es gut oder interessant aussieht. Wenn ich überhaupt nichts entfernen oder hinzufügen kann.
Meiner Meinung nach ist die beste Weise, sich der abstrakten Kunst zu öffnen, sie zu malen. Vielleicht ist das der Grund, warum ich angefangen habe. Bilder des Nichts ist ein laufender Prozess.
15.12.2023 - 6.1.2024 how to start a fire The opening will be on Friday, 15th of December, 6-10 PM. Performance ‘Marian ilmestys’ by T.K Jestoi at 7 PM. There will be some red and vanitas-themed food, candlelight and a dingy, but warm atmosphere. You are warmly welcome.
a detail from 'The waiting room' (2023) by Anni Porrasmäki
Works by Inari Raaterova Santeri Lehto Arina Baranova Jussi Lipasti Anna Mäki-Jyllilä Katrine Larsen Mosbæk SUOMINEN/TOIVANEN Anni Porrasmäki formless/Maikki Siuko T.K Jestoi
The exhibition is showing works from 11 visual artists, containing paintings, drawings, ceramics, photographs, and video.
Like fire, a person lives and ultimately is extinguished. How to create an unbreakable bond within a destructive world? The exhibition reflects themes of grief, resilience, loss, religion, alienation and even nostalgia. How to start a fire without causing destruction. The exhibition is curated by Anni Porrasmäki.
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WIE MAN EIN FEUER MACHT
Die Gruppenausstellung, Wie man ein Feuer macht, enthält Werke von 11 bildenden Künstler/innen, wie Gemälde, Zeichnungen, Keramik, Lichtbilder und Videos. Die Ausstellung stellt die Prozesse von Trauer, Verlust, Standhaftigkeit und sogar Nostalgie dar. Wie man ein Feuer macht, ohne Zerstörung zu verursachen. Werke von Inari Raaterova, Jussi Lipasti, Santeri Lehto, Anna Mäki-Jyllilä, Anni Porrasmäki, Arina Baranova, T.K. Jestoi, Maikki Siuko, Suominen/Toivanen und Katrine Larsen Mosbæk.
Eröffnung: Freitag, 15. Dezember, 18:00-21:00 Uhr. Aufführung von T.K. Jestoi um 19:00 Uhr. Die Galerie ist von Dienstag bis Samstag, von 15:00 bis 20:00 Uhr geöffnet.
Die Ausstellung wurde von Anni Porrasmäki kuriert.
28.11.-9.12.2023 Topi Juntunen - The Will to Disappear Vernissage: Tue 28.11. 19-21h, Welcome-Willkommen!
Give me anything… anything at all… and watch me drown myself in it.
My exhibition at Galerie Pleiku consists of paintings in which I deal with my long-term fixation with the theme of disappearance.
In the paintings of the exhibition, I present figures moving in the forest, blending in through their clothing, or otherwise disguising themselves, temporary shelters built in the forest, and paintings depicting plants. Plastic as a material, the forest as an environment, artificial lighting, and living beings captured by the camera, form the visual starting points of my work.
In the exhibition, I return in many ways to the origins of my current work. My effort is to reach some of the key experiences that have been the starting point for my previous forest-themed paintings. In particular, the experience of being part of the natural landscape and self-dissolution are something that I have tried to capture in my previous paintings.
My paintings are based on photographs I have shot myself or taken from different sources, and which have then been processed, for example, by combining elements from different images. I work slowly based on the sketches that I have chosen in advance. I feel that painting, as a handmade, physical image, invites us to live and throw ourselves into a bodily experience where we expose ourselves to memories, thoughts and affects.
The exhibition has been supported by the Arts Promotion Center Finland.
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Gib mir irgendwas… einfach irgendwas… und sieh zu, wie ich darin ertrinke.
Meine Ausstellung in der Galerie Pleiku besteht aus Gemälden, in denen ich mich mit meiner Langzeit-Fixierung mit der Thematik des Verschwindens beschäftige.
In den Gemälden der Ausstellung präsentiere ich Figuren, die sich in einem Wald bewegen. Sie passen sich anhand ihrer Kleidung an den Hintergrund an oder tarnen sich auf andere Weise. Vorübergehende Hütten im Wald und Gemälde, die Pflanzen darstellen. Plastik als ein Material, der Wald als ein Umfeld, künstliche Beleuchtung und Lebewesen, die von der Kamera festgehalten wurden, formen den visuellen Startpunkten meiner Arbeit.
In der Ausstellung kehre ich auf verschiedenen Wegen zu meiner derzeitigen Arbeit zurück. Mein Ziel ist es, einige wichtige Erfahrungen zu erreichen, die der Startpunkt für meine vorherigen Waldgemälde waren. Insbesondere die Erfahrung, Teil der natürlichen Landschaft und der Selbstauflösung zu sein, ist etwas, das ich schon in meinen vorherigen Gemälden versucht habe, einzufangen.
Meine Gemälde basieren auf Fotos, die ich selbst gemacht oder von verschiedenen Quellen bezogen habe und die dann verarbeitet wurden, zum Beispiel, indem Elemente von unterschiedlichen Bildern verbunden wurden. Ich arbeite langsam basierend auf den Skizzen, die ich im Voraus ausgewählt habe. Meiner Meinung nach ladet uns das Gemälde, als ein handgemachtes physisches Bild, dazu ein, zu leben und uns in eine körperliche Erfahrung zu begeben, in der wir uns unseren Erinnerungen, Gedanken und Widerfahrnissen aussetzen.
Die Ausstellung wurde von dem Arts Promotion Center Finnland unterstützt.
14.11.-25.11.2023 Karhulahti & Salmi: Piirros - A Drawing - Eine Zeichnung
Opening: 14.11. at 7-9 pm Exhibition open and artists present from Tuesday to Saturday 3 pm - 7 pm Artist gatherings: 22.11., 23.11. and 24.11. at 5 pm
Vernissage: 14.11. 19-21 Uhr Die Ausstellung ist offen und Künstler/innen präsentieren ihre Kunst von Dienstag bis Samstag 15 - 19 Uhr Künstlerversammlung: 22.11., 23.11. und 24.11. um17Uhr
Photo by Ari Kesonen
Visual artist Maijariitta Karhulahti and multidisciplinary artist Anne Salmi will spend two weeks in Galerie Pleiku creating a drawing installation made with light and textile elements covering the entire gallery space. The installation will grow and develop in interaction between two artists and differing artistic expressions. At the heart of the work is non-verbal communication where color, light, shadows, lines and surfaces guide the dialogue and the outcome of the process. For the audience the installation offers a daily changing visual experience.
At the opening of the exhibition the artists will present a demo of their collaborative working method.
During the exhibition period Karhulahti and Salmi invite the audience to gatherings to share, discuss and experience together. Conversations are held in English.
Maijariitta Karhulahti (MA Culture and Arts) is a visual artist based in Kuopio, Finland. Karhulahti works mainly with recycled materials and objects. The feel of the material and the associations it brings with memories, images and feelings are intrinsic to her work. Also orientation toward performances, empathizing and multiple sensory works have become notable in her methodology. Her works are woven together by textiles, intergenerationality and imaginations on the fates of human beings. www.maijariittakarhulahti.com
Anne Salmi is an artist who works in different mediums. The themes on human communication and trauma can be found in her works. She mainly works in the fields of dance, theatre and light art. Salmi finds that art is a great way to start conversations about hard topics and bring them to light.
Supporters: The exhibition is supported by Culture Moves Europe and Arts Promote Centre Finland / Regional Arts Council of North Savo Disclaimer: This work was produced with the financial assistance of the European Union. The views expressed herein can in no way be taken to reflect the official opinion of the European Union.
*** Die bildnerische Künstlerin Maijariitta Karhulahti und die multidisziplinäre Künstlerin Anne Salmi werden zwei Wochen in der Galerie Pleiku verbringen und Zeicheninstallationen mit Licht und Textilelementen kreieren, die die gesamte Galerie bedecken werden. Die Installation wird wachsen und sich durch die Interaktion zwischen den beiden Künstlerinnen und unterschiedlichen künstlerischen Ausdrücken entwickeln. Der Kern der Arbeit ist die nicht-verbale Kommunikation, bei der Farben, Licht, Schatten, Linien und Oberflächen den Dialog und das Ergebnis des Vorgangs steuern. Für das Publikum bietet die Installation sich täglich verändernde visuelle Erfahrungen an.
Bei der Eröffnung der Ausstellung werden die Künstlerinnen eine Demo ihrer kollaborativen Arbeitsmethode präsentieren.
Während der Ausstellungszeit laden Karhulahti und Salmi das Publikum zum gemeinsamen Diskutieren und Erfahren ein. Die Gespräche finden auf Englisch statt.
Maijariitta Karhulahti (MA Kultur und Kunst) ist eine bildende Künstlerin aus Kuopio, Finnland. Karhulahti arbeitet hauptsächlich mit recycelten Materialien und Objekten. Das Gefühl der Materialien und Erinnerungen, Bilder und Emotionen, die sie hervorrufen, sind wesentlich für ihre Arbeit. Auch die Orientierung auf die Aufführungen, die Empathie und mehrere sensorische Werke sind zusammen mit ihrer Methodik beachtenswert. Ihre Werke werden durch Textilien, Intergenerationalität und der Vorstellung des menschlichen Schicksals verbunden. http://www.maijariittakarhulahti.com
Anne Salmi ist eine Künstlerin, die mit verschiedenen Medien arbeitet. Ihre Werke beschäftigen sich mit Themen wie der menschlichen Kommunikation und Trauma. Sie arbeitet hauptsächlich mit Tanz, Theater und Lichtkunst. Salmi findet, dass Kunst eine großartige Methode ist, um ein Gespräch über schwere Themen zu starten und diese ins Licht zu rücken.
Unterstützer: Die Ausstellung wird von Culture Moves Europe und dem Kunstförderungscenter Finnland / dem Regionalem Kunstrat von Nordsavo unterstützt.
Haftungsausschluss: Diese Werke wurden mit der finanziellen Unterstützung der europäischen Union kreiert. Die ausgedrückten Ansichten spiegeln nicht die offizielle Meinung der europäischen Union wider.
31.10.-11.11.2023 EMMA LARKOVUO umbreon (glowing tears over flames) Vernissage: Tue 31.10. 19-21h, Welcome-Willkommen
i walk into the gloomy forest where devils run through misty shadows and where our souls kiss during sleep i fear i forget how to see love as a death ritual: to farewell it with flowers when it doesn't breathe anymore to give it a rebirth all over again
i resemble a wildcat. i slink intuitively and fast i prey on the flames that arise from your ashes
and everytime i dream of you an angel incarnates
umbreon (glowing tears over flames) is about love and fear, softcore and solitude. There's a Pokémon called Umbreon; it was born when exposed to the moonlight. It's mysterious and independent, it blends into the shadows and lurks quietly. I was surfing on the Internet one evening when I somehow ended up googling it and found it very intriguing – it became my muse in this exhibition.
Emma Larkovuo is a Helsinki-based visual artist. She works with soft pastel drawing, writing, jewellery making and sound art. Her writing consists of poetry and short prose that she also combines with her ambient music, turning it into spoken word soundscapes.
”I'm interested in objects, forms and contrasts; playfulness and melancholia, ugliness and beauty, soft and harsh, dreams and reality. I like to get feral and funny in my practice, where I often explore themes such as solitude, distortion, mysticism, imaginary places, alter egos and estrangement [feeling of not belonging].”
Instagram: goottikeiju
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umbreon (Glühende Tränen über Flammen)
Ich gehe in einen düsteren Wald, in dem Teufel durch neblige Schatten laufen Und wo unsere Seelen sich im Schlaf küssen, Ich habe Angst davor, zu vergessen, Wie man Liebe Als ein Todesritual sieht: Sich mit Blumen zu verabschieden, Wenn die Liebe nicht mehr lebt, Um ihr eine Wiedergeburt zu geben
Ich gleiche einer Wildkatze. Ich schleiche intuitiv und schnell, Ich jage die Flammen, Die aus deiner Asche hervorgehen
Und jedes Mal, wenn ich von dir träume, Wird ein Engel leibhaftig
umbreon (Glühende Tränen über Flammen) handelt von Liebe und Angst, Softcore und Abgeschiedenheit. Es gibt ein Pokémon mit dem Namen Umbreon; Es wurde geboren, als es dem Mondlicht ausgesetzt wurde. Es ist mysteriös und unabhängig, es versteckt sich im Schatten und lauert leise. Eines Abends war ich im Internet unterwegs und googelte es aus irgendeinem Grund. Ich fand es faszinierend - und so wurde es zu meiner Muse in dieser Ausstellung.
Emma Larkovuo ist eine bildende Künstlerin aus Helsinki. Sie arbeitet mit weichen Pastellzeichnungen, Texten und Klangkunst und ist in der Schmuckherstellung tätig. Ihre Texte sind eine Mischung aus Poesie und Kurzprosa, die sie mit Ambientmusik verbindet, um Klangwelten mit gesprochenen Worten zu kreieren.
”Ich bin an Objekten, Formen und Kontrasten interessiert; Verspieltheit und Melancholie, Hässlichkeit und Schönheit, weich und hart, Träume und Wirklichkeit. Bei meiner Arbeit bin ich gerne ungezähmt und witzig. Ich erkunde oft Themen wie Abgeschiedenheit, Verzerrung, Mystik, ausgedachte Orte, Alter Egos und Entfremdung [das Gefühl des Nichtdazugehörens].”
The name of the exhibition refers to the immediate moments spent in front of the paintings. Slow moments of observation and the passing of time are as crucial a process during the work as the actual physical painting.
My paintings in Pleiku have a dialogue between the free floating, drifting forms and more structured compositions. In my recent paintings I have sought for some timeless, stable moments and fixed points to find landmarks in an unstable and rapidly changing world.
I paint with oil colors on linen. The slow drying process of oil colors is an essential part of my work. It often prevents me from working rapidly and from making inconsiderate solutions on the canvas. The painting process continues and changes in my mind. The actual brushwork and mixing colors in front of the canvas often bring new unexpected challenges and solutions to the composition.
Most of the time in order to proceed I need to forget and destroy the original idea of my painting. The work has to be open, give a chance to changes and new unexpected colors and forms that are found during the painting process.
Helka Immonen works in Helsinki. She studied in Free Art School of Helsinki and The University Drawing School of Helsinki. She has held several solo exhibitions and participated in group exhibitions in Finland and abroad since the 1990´s. This is her second exhibition in Galerie Pleiku. The artist’s works are included e.g. in the Finnish state art collection and HAM Helsinki Art Museum´s collection. She is member of Finnish Painters´ Union and Espoo Visual Artists.
Der Name der Ausstellung bezeichnet die unmittelbaren Momente, die man vor den Gemälden verbringt. Langsame Momente der Beobachtung und des Verstreichens von Zeit sind bei der Arbeit ein genauso wichtiger Prozess wie das eigentliche Malen.
Meine Gemälde in Pleiku kreieren einen Dialog zwischen den frei fließenden, treibenden Formen und strukturierten Kompositionen. In meinen neuesten Gemälden habe ich nach zeitlosen, stabilen Momenten und fixierten Punkten gestrebt, um in einer unstabilen und sich ständig wandelnden Welt Orientierungspunkte zu finden.
Ich małe mit Ölfarben auf Leinwand. Der langsame Trocknungsprozess der Ölfarben ist ein essentieller Teil meiner Arbeit. Er hält mich oft davon ab, zu schnell zu arbeiten und unüberlegte Entscheidungen zu treffen. Der Malprozess setzt sich fort und verändert sich in meinem Kopf. Die tatsächliche Pinselführung und das Mischen von Farben vor der Leinwand birgt oft neue unerwartete Herausforderungen und Lösungen für die Komposition.
Meistens muss ich die ursprüngliche Idee für mein Gemälde vergessen und zerstören, um Fortschritt zu machen. Das Werk muss offen sein und muss Veränderungen und neuen unerwarteten Farben und Formen, auf die ich im Malprozess stoße, eine Chance geben.
Helka Immonen arbeitet in Helsinki. Sie hat an der freien Kunstschule Helsinki und an der Universitätszeichenschule Helsinki studiert. Sie hat seit 1990 bereits mehrere Einzelausstellungen abgehalten und an Gruppenausstellungen in Finnland und im Ausland teilgenommen. Das ist ihre zweite Ausstellung in der Galerie Pleiku. Die Werke der Künstlerin sind beispielsweise Teil der Finnischen Staatskunstsammlung und der Sammlung des HAM Helsinki Kunstmuseums. Sie ist Mitglied des Finnischen Malerverbandes und von Espoo Visual Artists.
Through her collages, artist Henrietta Lehtonen explores some unspecified unpleasant state of mind that no one may be able to put into words. It involves fear and even terror of the unknown. The works stare towards and through the viewer. It is as if there is something behind or inside them to be frightened of.
There is a slightly claustrophobic feeling hovering over the works that something is about to be revealed, but that something is being sucked back into another world from which it was about to emerge. Image after image evokes such a strange reverse birth. The timid animal of insight turns away.
Several collages are made by combining just two images. For example, Mother from 2022 is composed of a portrait of a young woman from the 1500s and an image of a dried-up mummy. The mummy is tangled in the woman's hair. Will the woman carry her mother like a parasite throughout her life? Is the mummy a skin moulted by the woman herself? Do we have the possibility to recreate ourselves and free ourselves from our own and our ancestors' past? The answer to the last question seems to be in the negative.
Although the works have emerged from the passive sludge of the visual world around us, it feels as if they themselves are actively thinking about something.
Henrietta Lehtonen (b 1965) is a Finnish artist based in Tampere. She uses many different techniques in her work: video, drawing, painting, installation, collage. Lehtonen has participated in several biennials and other exhibitions around the world. Henrietta Lehtonen's last solo exhibition in Berlin was at Haus am Lützowplatz in 1997.
The works on show are prints from original collages, which Henrietta Lehtonen compares to photographic negatives or graphic plates.
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Mit ihren Collagen erkundet die Künstlerin Henrietta Lehtonen einige nicht spezifizierte, unangenehme Gemütsverfassungen, die keiner in Worte fassen kann. Hierbei geht es um Angst und Schrecken vor dem Unbekannten. Die Werke starren in die Richtung des Betrachters und durch den Betrachter durch. Es ist, als ob etwas hinter oder in ihm wäre, das furchterregend ist.
Die Werke vermitteln ein leicht klaustrophobisches Gefühl, dass gleich etwas enthüllt wird. Dieses Etwas wird jedoch zurück in die Alternativwelt gezogen, aus der es entfliehen wollte. Ein Bild nach dem anderen schildert eine seltsame Rückwärtsgeburt. Das scheue Tier der Einsicht dreht sich weg.
Einige Collagen bestehen aus nur zwei Bildern. Beispielsweise setzt sich “Mutter” aus dem Jahr 2022 aus einem Porträt einer jungen Frau aus dem Jahr 1500 und einem Bild einer ausgetrockneten Mumie zusammen. Die Mumie ist in das Haar der Frau verwickelt. Wird die Frau ihre Mutter wie einen Parasiten durch ihr Leben tragen? Ist die Mumie eine Hautschicht, die die Frau selbst geformt hat? Ist es möglich, uns selbst neu zu erfinden und uns von unserer Vergangenheit und der Vergangenheit unserer Vorfahren zu befreien? Die Antwort auf die letzte Frage scheint negativ zu sein.
Obwohl die Werke aus dem passiven Schlamm der visuellen Welt um uns herum entstanden sind, fühlt es sich an, als ob sie selbst aktiv über etwas nachdenken.
Henrietta Lehtonen (geb. 1965) ist eine finnische Künstlerin aus Tampere. Sie verwendet viele verschiedene Methoden, um ihre Werke zu kreieren: Video, Zeichnungen, Gemälde, Installationen, Collagen. Lehtonen hat bereits an mehreren Biennalen und anderen Ausstellungen auf der ganzen Welt teilgenommen. Die letzte Einzelausstellung von Henrietta Lehtonen fand 1997 im Haus am Lützowplatz statt.
Die ausgestellten Werke sind Drucke aus Original-Collagen, die Henrietta Lehtonen mit fotografischen Negativen oder grafischen Platten vergleicht.
13.9.–23.9.2023 Sanna Ulvila Brand New Me Vernissage: Tue 12.9. 19-21h, Welcome!
The works in the exhibition represent a world in which we are constantly improving ourselves, posing, being the winner and reinventing ourselves again and again, even better than before. We get empowered and emancipated, as the spirit of the age demands. However, at the bottom of everything there is a fundamental human desire and need to be accepted by others – or even by oneself – as one is, even though it is not always easy.
I work with painting, embroidery and textile art, combining these techniques in a collage-like and experimental way. I draw from kitsch and pick up subjects from the media and my own photos, for example. My work also deals with the theme of gender. It portrays ways of being a woman and realising femininity. Banality, pomposity and all kinds of excess fascinate me.
Sanna Ulvila (b. 1986, Tampere) is a Finnish painter based in Helsinki. She graduated from the Free Art School in Helsinki in 2021, and has participated in several group exhibitions and held solo exhibitions. This is her seventh solo exhibition, and the first one abroad. www.sannaulvila.com Instagram: @sannaulvila
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Ein brandneues Ich
Die Werke in der Ausstellung präsentieren eine Welt, in der wir uns ständig weiter verbessern, posieren, Gewinner sind und uns selbst immer wieder neu erfinden, immer besser als zuvor. Wir werden bestärkt und emanzipiert, wie es der Geist der Zeit fordert. Jedoch steckt hinter allem das fundamentale menschliche Verlangen und Bedürfnis, von anderen – oder sogar von sich selbst – akzeptiert zu werden, obwohl das nicht immer einfach ist.
Ich arbeite mit Gemälden, Stickerei und Textilkunst. Ich verbinde diese Methoden in einer collagen-ähnlichen und experimentellen Art. Ich erhalte Inspiration von Kitsch und finde interessante Themen, beispielsweise in den Medien und meinen eigenen Fotos. Meine Werke beschäftigen sich auch mit dem Thema Geschlecht. Sie zeigen verschiedene Arten, Frau zu sein und seine Weiblichkeit zu verwirklichen. Banalität, Prunk und alle Arten von Übermaß faszinieren mich.
Sanna Ulvila (geb. 1986, Tampere) ist eine finnische Künstlerin aus Helsinki. 2012 schloss sie die Freie Kunstschule Helsinki ab und nahm seither an mehreren Gruppenausstellungen sowie Einzelausstellungen teil. Das ist ihre siebte Einzelausstellung und ihre erste Ausstellung im Ausland.
My paintings reflect on the human experience on a personal level through recurring themes such as belonging, vulnerability, nostalgia, intimacy and alienation. The figures in my paintings are always depicted as if they’re seen through the eyes of an outsider as their gaze is never fully directed to the viewer. My aim is to create an uncanny tension between the spectator and the work. I work with oil paint on canvas and aquarelle on paper. Inspired by the language of film, I aim to create film-still like images. The materiality of paint is an important part of my work as I view the layers of paint as a metaphor for the layers of the human psyche.
Ines Laukkanen is a Finnish painter living and working in Antwerp. She graduated from the Royal Academy of Fine Arts Antwerp in 2017 with a master's degree in painting and in 2019 from Sint Lucas Antwerp as a Master of Research in Art and Design. Since 2014 her works have been exhibited in various places in Belgium such as the Maagdenhuismuseum in 2017, WARP Sint-Niklaas in 2019 as well as several galleries and project spaces. Laukkanen is also a member of the Belgium-based Finnish artist collective The NordiK Government. This is her first exhibition in Germany.
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Meine Gemälde reflektieren die menschliche Erfahrung auf der persönlichen Ebene anhand von wiederkehrenden Themen wie Dazugehören, Verletzlichkeit, Nostalgie, Intimität und Entfremdung. Die Figuren in meinen Gemälden werden immer dargestellt, als würde man sie durch die Augen eines Außenseiters betrachten. Ihr Blick ist nicht ganz auf den Betrachter ausgerichtet. Mein Ziel ist es, eine seltsame Spannung zwischen dem Betrachter und dem Werk aufzustellen. Ich arbeite mit Ölfarben auf Leinwand und mit Aquarell auf Papier. Inspiriert von der Sprache in Filmen versuche ich, filmstandbild-ähnliche Bilder zu kreieren. Die Materialität der Farbe ist ein wichtiger Teil meiner Arbeit, da ich die Farbschichten als eine Metapher für die Schichten der menschlichen Psyche sehe.
Ines Laukkanen ist eine finnische Malerin, die in Antwerp lebt und arbeitet. 2017 schloss sie die königliche Akademie der feinen Künste Antwerp mit einem Master in Malerei ab. Weiters schloss sie 2019 Sint Lucas Antwerp mit einem Master in Kunst- und Designforschung ab. Seit 2014 werden ihre Werke in verschiedenen Orten Belgiens, wie 2017 dem Maagdenhuismuseum, 2019 dem WARP Sint-Niklaas sowie diversen weiteren Gallerien und Projekträumen ausgestellt. Laukkanen ist auch ein Mitglied des aus Belgien stammenden finnischen Künstlerkollektivs The NordiK Government. Dies ist ihre erste Ausstellung in Deutschland.
15. - 26.8.2023 Laura Laurila To Be Built Opening: 15.8. 19 - 21h, Welcome-Willkommen!
The exhibition stems from my personal experience of narrowing living spaces as a result of urban construction. I have observed construction sites and followed processes where trees are cut down and piles of earth brought to the site. In my works I juxtapose elements of nature and building materials and depict changing areas of urban nature. I reflect on transience, the experience of space and the human relationship with nature. The exhibition consists of paintings, sculptures made of recycled foam, and video and sound work.
Laura Laurila is an artist who loves translucent layers and intense colors. She works with acrylics, watercolors and inks and often paints with a lot of water. Laurila's motifs combine the abstract and the representational, and the subjects are often related to personal experience or mental images of interesting places. In addition to paintings, she occasionally makes sound works, sculptures and spatial art. Laurila graduated from the Turku Academy of Arts as a visual artist in 2022.
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Die Ausstellung stammt von meiner persönlichen Erfahrung von immer kleiner werdenden Lebensräumen aufgrund von Städtebau. Ich habe Baugelände beobachtet und Vorgänge verfolgt, in denen Bäume gefällt wurden und Erdhaufen auf das Gelände transportiert wurden. In meinen Werken stelle ich Naturelemente und Baumaterialien einander gegenüber und schildere die sich verändernden Gebiete der urbanen Natur. Ich denke über die Vergänglichkeit, die Erfahrung des Raumes und die menschliche Beziehung zur Natur nach. Die Ausstellung besteht aus Gemälden, Skulpturen aus recyceltem Schaum, sowie Video und Ton.
Laura Laurila ist eine Künstlerin, die lichtdurchlässige Schichten und intensive Farben liebt. Sie arbeitet mit Acrylfarben, Wasserfarben und Tinten und malt oft mit viel Wasser.Laurila’s Motive kombinieren das Abstrakte und das Darstellerische und die Themen haben oft mit persönlichen Erfahrungen oder geistlichen Bildern von interessanten Orten zu tun. Zusätzlich zu den Gemälden kreiert sie hin und wieder Tonkunst, Skulpturen und Raumkunst. Laurila schloss die Turku-Adamie für Kunst 2022 als bildende Künstlerin ab.
We are two artists united by the need to go out into nature. This need creates the basis for making art, the core of which is to structure nature experiences. Our works deal with our experiences from many angles; the shapes of nature, the sound world, smells and colors act as guides when working.
Milja Hakkarainen As I walk along the forest paths, I find myself returning to the world I experienced as a child. That world is full of stories about ancient spirits and creatures. I can get back to the same mood through music. The oil paintings and sound world of the exhibition are based on seasons spent in the forest, experiences of longing or phenomena that I hope to see. The sound world combines electronic rhythm and sounds recorded in nature.
Liinu Laurila My paintings are a way of making visible the things that have touched me in nature. The feel of the linen fabric and the trace of charcoal fascinate me and are important elements in the paintings alongside oil paint. My work process often develops into new directions as memories and emotions change and mix. The paintings don’t just happen at my studio, instead they are constructed in my mind as I wander in nature. Movement is freedom, but also a tool for thought. Through walking I can better structure my thoughts and solve problems.
The exhibition has been supported by Frame Contemporary Art Finland.
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Wir sind zwei Künstlerinnen, die die Sehnsucht nach der Natur verbindet. Diese Sehnsucht ist die Basis unserer Kunst, dessen Kern es ist, Naturerfahrungen zu strukturieren. In unseren Werke verarbeiten wir unsere Erfahrungen aus verschiedenen Perspektiven; die Formen der Natur, die Welt der Töne, Gerüche und Farben leiten uns beim Gestalten.
Milja Hakkarainen Wenn ich auf den Waldpfäden spazieren gehe, kehre ich zu der Welt zurück, die ich als Kind erlebte. Diese Welt ist voller Geschichten über alte Geister und Wesen. Anhand von Musik kann ich mich in diese Stimmung zurück versetzen. Die Ölgemälde und die Welt der Töne, die Teil dieser Ausstellung sind, basieren auf Zeiten, die ich im Wald verbracht habe, Erfahrungen der Sehnsucht oder Phänomene, die ich gerne sehen möchte. Die Welt der Töne verbindet elektronische Rhythmen und Töne, die in der Natur aufgezeichnet wurden.
Liinu Laurila Meine Gemälde sind eine Art, wie ich die Dinge, die mich in der Natur berührt haben, sichtbar machen kann. Das Gefühl des Leinenstoffes und die Spur der Holzkohle faszinieren mich und sind neben der Ölfarbe wichtige Elemente in den Gemälden. Mein Arbeitsvorgang entwickelt sich oft in neue Richtungen, wenn Erinnerungen und Gefühle sich verändern und sich mischen. Die Gemälde passieren nicht nur in meinem Studio, sondern sie entstehen in meinem Kopf, wenn ich in der Natur unterwegs bin. Bewegung ist Freiheit, aber auch ein Werkzeug für den Geist. Durch das Wandern kann ich meine Gedanken besser strukturieren und Probleme lösen.
Die Ausstellung wird von Frame Contemporary Art Finland unterstützt.
11.-21.7.2023 Lauri Mäkimurto FORMAT Vernissage: Tue 11.7. 19-21h, Welcome - Willkommen
Exhibition consists of paintings made on approx. A3 standard size papers. Works exhibited are dated 2020-2023.
When painting a big painting there is some paint left over on the palette. I don’t want to let it go to waste so at the time of departure I dash a quick picture on a wet paper. When the paper has dried the picture has changed. Feelings of success vary. From an authors point of view these works on paper are defined in such terms as spontanity, ease, haste, indifference and uncensored. Easiest way is to browse a glossy magazine and pick a picture that draws attention and crank up a version of the picture with indian ink. That’s it! There is the picture in the artwork!
Lauri Mäkimurto (b.1984) is a visual artist living in Tampere, Finland. His work consist mostly of paintings and comics.
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Die Ausstellung besteht aus Gemälden die auf Papier mit einer ungefähren Größe von A3 angefertigt wurden. Die präsentierten Werke stammen aus 2020-2023.
Beim Anfertigen eines großen Gemäldes, ist am Ende noch etwas Farbe auf der Palette übrig. Ich möchte sie nicht wegschmeißen, weshalb ich zu allerletzte noch ein schnelles Bild auf ein nasses Papier male. Wenn das Papier getrocknet ist, hat sich das Bild verändert. Die Erfolgsgefühle variieren. Aus der Perspektive des Künstlers können diese Werke auf Papier mit Begriffen wie Spontanität, Leichtigkeit, Hast, Gleichgültigkeit und unzensiert beschrieben werden. Am einfachsten ist es, ein Hochglanzmagazin durchzublättern, ein Bild zu wählen, dass die Aufmerksamkeit weckt und dann mit Tusche eine eigene Version des Bildes anzufertigen. Das war es schon! Das Bild aus dem Magazin ist zu einem Kunstwerk geworden!
Lauri Mäkimurto (geb.1984) ist ein bildender Künstler aus Tampere, Finnland. Er fertigt hauptsächlich Gemälde und Comics an.
Drifting, pausing - the exhibition is a journey to apparitions and unique landscapes, where fact and fiction create parallel realities. The inner layers of the human mind are a motive impetus to the views we meet. It is about moments and impressions – about spatial whiles spent by the oases, where the mind stops and evokes the spirit of the site. The most beautiful and strange creatures of the cosmos appear in poetical landscapes doing their magic. They have a message - we encounter contradictions in objects and beings and find messages intended for us within them. Welcome to the journey.– Maarit Rantala
Maarit Rantala is a visual artist graduated from Free Art School in 2018. Her working principals are guided by inner chaos and conflicts hidden in life. In the tumultuous world painting is like a poem, that can at the same time give comfort and reach the experience of holiness.
Drifting, pausing contains diary-like markings and openings for thoughts about human engagements with water areas. As a child I was thinking that I must be a mermaid and dreamed of living with whales. To my home I’ve carried stones, shells, feathers, salt, and other small objects as memories of encountering water. And at the same time I’ve ceded it at least sweat, urine, blood, hair and the cells on the surface of my skin. – Pauliina Waris
Pauliina Waris often pays attention to the mundane and seeks to find elements revealing or creating connections. Waris is a Helsinki-based visual artist who graduated from Free Art School in 2018 and from The Academy of Fine Arts in 2023.
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Drifting, pausing (Driften, Innehalten) - die Ausstellung ist eine Reise durch Erscheinungen und einzigartige Landschaften, in denen Fakt und Fiktion parallele Realitäten kreieren. Die inneren Schichten des menschlichen Geistes sind ein Impulsgeber für die Ansichten, auf die wir stoßen. Es geht um Momente und Eindrücke – über räumliche Weilen, die in Oasen verbracht werden, in denen der Kopf inne hält und den Geist des Ortes erweckt. Die wunderschönsten und seltsamsten Geschöpfe des Kosmos erscheinen in poetischen Landschaften und wirken Magie. Sie haben eine Nachricht - Wir treffen auf Gegensätze in Objekten und Lebewesen und finden Nachrichten in ihnen, die für uns gedacht sind. Willkommen auf der Reise.– Maarit Rantala
Maarit Rantala ist eine bildende Künstlerin, die 2018 die Free Art School abgeschlossen hat. Ihre Arbeitsprinzipien werden von innerem Chaos und den versteckten Konflikten des Lebens geleitet. In der turbulenten Welt ist das Malen wie ein Gedicht, das gleichzeitig Trost spenden und die Erfahrung des Heiligen erreichen kann.
Drifting, pausing (Driften, Innehalten) enthält tagebuchähnliche Notizen und Stellen für Gedanken über die menschliche Interaktion mit Gewässern. Als Kind dachte ich, dass ich eine Meerjungfrau bin und träumte davon, mit Walen zu leben. Ich brachte Steine, Muscheln, Federn, Salz und andere kleine Objekte als Erinnerung meiner Erfahrungen mit dem Wasser mit nach Hause. Gleichzeitig ließ ich Schweiß, Urin, Blut, Haar und die Zellen meiner Hautoberfläche zurück. – Pauliina Waris
Pauliina Waris widmet ihre Aufmerksamkeit oft dem Alltäglichen und ist stets auf der Suche nach sich offenbarenden Elementen und der Schaffung von Verbindungen. Waris ist eine bildende Künstlerin aus Helsinki, die 2018 die Free Art School und 2023 die Academy of Fine Arts abgeschlossen hat.
13.-24.6.2023 Tuuli-Anna Viitanen UNBOXING Vernissage: Tue 13.6. 19-21 A performance by Joonas Jokiranta will be presented at the opening. Warm welcome! Die Öffnungszeremonie umfasst eine Aufführung von Joonas Jokiranta. Sie sind herzlich willkommen!
Red Swan (Tuuli-Anna Viitanen, 2023, collage, 34 x 25 cm)
Tuuli-Anna Viitanen is a Helsinki-based visual artist whose works are founded on the idea of interpreting images as a language.
Her collages appear as various abstract spaces with paper layers constructed and deconstructed in turns, seeking the image's own voice. Her work with a collage resembles a game or a play that starts to form its own grammar.
The Alfred Kordelin Foundation has supported the work.
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Tuuli-Anna Viitanen ist eine bildenden Künstlerin aus Helsinki, deren Werke auf der Interpretation von Bildern als eine Sprache basieren.
Ihre Kollagen werden als diverse abstrakte Räume mit Papierschichten dargestellt, die abwechseln konstruiert und dekonstruiert wurden, wodurch nach der eigenen Stimme des Bildes gesucht wurde. Ihre Werke mit Kollagen spiegeln ein Spiel oder eine Aufführung wider, das oder die ein eigene Grammatik kreiert.
Die Alfred Kordelin-Stiftung unterstützt diese Werke.
31.5.-10.6.2023 LUNDSTRÖM/SILLGREN I M I T A T I O N Vernissage: Tue 30.5. 19-21, Welcome-Willkommen
Imitation is a changing, process-like installation that reflects on what the nature will be like in the future. Will nature experiences be produced in the virtual world or will parts of nature be cloned in laboratories? Is it possible to experience nature in the same way as in this moment? The exhibition is created with recycled materials and it reproduces the illusion of the continuity of nature.
The exhibition is constantly changing and multiplying. The body of work combines, modifies and recreates recycled materials.
Heli Lundström (b.1981) works with sculpture, painting and video art. The inspiration and starting point of her works is often physicality, body memory, memories and communication.
Salla Sillgren (b. 1984) is a visual artist from Turku who works in a wide range of different techniques. She is interested in leaving a mark, coincidence, incompleteness and staring out the window.
Members of Lundström/Sillgren have been working together since 2019.
Imitation ist eine sich verändernde, prozessähnliche Installation, die sich damit beschäftigt, wie die Natur in der Zukunft aussehen wird. Werden in der virtuellen Welt Naturerfahrungen entstehen oder werden Teile der Natur in Laboren geklont werden? Ist es möglich, die Natur in diesem Moment auf die gleiche Weise zu erfahren? Die Ausstellung wurde mit wiederverwerteten Materialien kreiert und stellt die Illusion der Kontinuität der Natur nach. Die Ausstellung verändert und vermehrt sich ständig. Die Werke kombinieren, verändern und stellen wiederverwertete Materialien dar.
Heli Lundström (geb.1981) arbeitet mit Skulpturen, Gemälden und Videokunst. Die Inspiration und der Startpunkt ihrer Werke ist oft Körperlichkeit, Körpergedächtnis, Erinnerungen und Kommunikation.
Salla Sillgren (geb. 1984) ist eine bildende Künstlerin aus Turku, die mit vielen verschiedenen Methoden arbeitet. Sie ist interessiert an Zufällen, Unvollständigkeiten, aus dem Fenster zu blicken und eine Spur zu hinterlassen.
Die Mitglieder von Lundström/Sillgren arbeiten bereits seit 2019 zusammen.
16.-27.5.2023 The Sun of Yesterday Jukka Kinanen & Hanne Lindström Vernissage: Tue 16.5. 19-21h, Welcome-Willkommen
The Sun of Yesterday, the exhibition's name, refers to the past, present, and future on the timeline. Both artists have dealt with the subject from their own technical and expressive points of view.
In his works Jukka Kinanen comments on the various phases and emotions of human life through the central character of the ancient -and eternal mythology - the figure of Aphrodite.
Afrodite is used as a conceptual and abstract figure. Harmony and aesthetic beauty are important for Jukka Kinanen, as well as highly controlled composition and a limited color scale.
Hanne Lindström's works are painted during the years of corona and climate change protests when we all were thinking about the survival of mankind, the earth – and our own. Hanne Lindström was especially confused by the advice and instructions for life that someone made up and dared to share with us on social media. The advice ranged from the choice of Champagne to deep breathing and the zodiac diet to subconscious breathing. The world was on the edge of an abyss and Europe was on the edge of war.
Human ways of surviving from day to day are simple - and on the other hand strange, imaginative, and confusing. Good luck to us, let's try.
But admit, you miss the Sun of Yesterday.
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The Sun of Yesterday (Die Gestrige Sonne) - der Name der Ausstellung - spricht von der Vergangenheit, der Gegenwart und der Zukunft des Zeitrahmens. Beide Künstler haben sich von ihren eigenen technischen und expressiven Perspektiven aus mit dem Thema beschäftigt.
In seinen Werken kommentiert Jukka Kinanen die diversen Phasen und Emotionen des menschlichen Lebens mithilfe des zentralen Charakters des Altertums - und der ewigen Mythologie - der Figur der Aphrodite.
Aphrodite wird als konzeptuelle und abstrakte Figur eingesetzt. Die Harmonie und die ästhetische Schönheit sind Jukka Kinanen wichtig, ebenso eine höchst kontrollierte Zusammensetzung und eine begrenzte Farbskala.
Die Werke von Hanne Lindström entstanden in den Jahren von Corona und Klimawandelprotesten, als wir uns alle Sorgen über das Überleben der Menschheit, der Erde – und über unser eigenes Überleben machten. Hanne Lindström verwirrten besonders die Ratschläge und Anweisungen für das Leben, die Menschen erfunden und über soziale Medien geteilt hatten. Diese Ratschläge reichten von der Wahl des Champagners bis zu Tiefatmung und von der Sternzeichendiät bis zu unbewusstem Atmen. Die Welt befand sich an der Kante eines Abgrunds und Europa stand kurz vor dem Krieg.
Die menschlichen Taktiken für das alltägliche Überleben sind einfach - andererseits sind sie seltsam, erfinderisch und verwirrend. Ich wünsche uns viel Glück, versuchen wir es.
Aber geben wir es zu, wir vermissen die Sonne von gestern.
2.-13.5.2023 Various Artists: Rendez-Vous Berlin The Grand Opening: Saturday 6th May, 18h onwards The Closing Party: Saturday 13th May, 17-19h
An open and friendly space. Paintings, nightscapes, performances, living installations, drawings by a robot, live music, love letters to Berlin.
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Mehrere Künstler/innen: Rendez-Vous Berlin
Feierliche Eröffnung: Samstag, 6. Mai um 18:00 Uhr Abschlussparty: Samstag, 13. Mai, 17:00-19:00 Uhr, Herzlich Willkommen
Ein offener und freundlicher Ort. Gemälde, Nachtaufnahmen, Darstellungen, lebendige Installationen, Zeichnungen eines Roboters, Live-Musik, Liebesbriefe an Berlin.
18.-29.4.2023 IN BETWEEN (DAZWISCHEN) Antte Kerkola, Reija Palo-oja & Rea Pelto-Uotila Vernissage: Tue 18.4. 19-21, Welcome-Willkommen
In Between is the third joint exhibition of Pelto-Uotila, Kerkola and Palo-oja in Galerie Pleiku. The name of the exhibition refers to the intermediate stage between the past and the future and to the constantly moving nature of artistic process. The artists test and process their ways of working through new materials, working methods and shapes and forms.
Antte Kerkola’s piece “Plastic plan” comments on the plastic filled world. The message is crystallized in the physical structure of the artwork; plastic on plastic. The materials symbolize the easy, the shallow and the superficial. The double standards and conflict between the mundaneness of unnatural materials and our environmental sustainability can be seen as the thematic cores of the artwork. We are worried about the oceans, water systems and ecosystems, and yet we live surrounded by plastic.
Reija Palo-oja presents oil paintings on paper in the exhibition. The surfaces of abstract art’s gestures, instinctive way of working and suggestive themes are overlapped in her work. The subtlety of presentation and immaterial lightness urge one to come to a halt. The paintings are like fragments of building walls and their layers patinated in time. Metaphorically, the artworks form a narrative level in the form of different marks. The paintings can also be seen as a metaphore to the layers of mind.
Rea Pelto-Uotila's work represent repetitive, organic shapes, which are stemmed from the thoughts of ephemerality and uniqueness. Her artwork take inspiration from the harmony of organic shapes, their balance, rhythm and opposites. The technique Pelto-Uotila utilizes has been used already before the turn of the 1st millennium. All the materials are 100% natural, lamb wool and plant based dyes.
In Between (Dazwischen) ist die dritte gemeinsame Ausstellung von Pelto-Uotila, Kerkola und Palo-oja in der Galerie Pleiku. Der Name der Ausstellung bezeichnet die Zwischenstufe zwischen der Vergangenheit und der Zukunft und der sich ständig weiterbewegenden Natur des künstlerischen Prozesses. Die Künstlerinnen testen und verarbeiten ihre Arbeitsweisen durch neue Materialien, Arbeitsmethoden, sowie Formen und Gestalten.
“Plastik-Plan” von Antte Kerkola ist ein Kommentar der mit Plastik gefüllten Welt. Die Nachricht ist in der physischen Struktur des Kunstwerkes kristallisiert; Plastik auf Plastik. Die Materialien stellen das Einfache und das Oberflächliche dar. Die Doppelmoral und der Konflikt zwischen der Weltlichkeit von unnatürlichen Materialien und unserer ökologischen Nachhaltigkeit sind Grundthemen des Kunstwerkes. Wir sorgen uns um die Meere, Wassersysteme und Ökosysteme und trotzdem sind wir in unserem Leben von Plastik umgeben.
Reija Palo-oja präsentiert in der Ausstellung Ölgemälde auf Papier. Die Oberflächen der Gesten der abstrakten Kunst, instinktive Wege des Arbeitens und suggestive Themen überschneiden sich in ihrem Werk. Die Raffinesse der Präsentation und die immaterielle Leichtigkeit drängen einen dazu, inne zu halten. Die Gemälde sind wie Fragmente von Wänden und ihrer im Laufe der Zeit patinierten Schichten. Metaphorisch bilden die Kunstwerke eine Geschichte in der Form verschiedener Zeichen. Die Gemälde können auch als Metapher für die Schichten des Geistes gesehen werden.
Das Werk von Rea Pelto-Uotila spiegelt repetitive, organische Formen wider, die von Gedanken über Vergänglichkeit und Einzigartigkeit stammen. Ihre Kunst ist von der Harmonie natürlicher Formen, ihrem Gleichgewicht, ihrem Rhythmus und Gegenteilen inspiriert. Die Technik, die Pelto-Uotila einsetzt, wurde bereits vor dem ersten Millennium verwendet. Alle Materialien sind 100% naturbelassen, Lammwolle und pflanzliche Farbstoffe.
28.3.-14.4.2023 SINI-MERI HEDBERG - THE WASTE LAND Vernissage: Tue 28.3. 19-21, Welcome-Willkommen
The series of painted horizons focuses on the theme of death, depicting the boundary of death. The exhibition examines what is waiting for us on the other side and what it looks like and feels like on the boundary of death. The paintings depict the moods in the vicinity of death that are hard to put into words. Confusion is reflected in the paintings as color interpretations and as various seen spaces, deserts.
“Landscapes, colors and natural elements often provoke strong feelings in me. When painting, I want to connect these feelings with mental landscapes that summarize the observations about the experience of being and the related letting go. My aim is to paint something that is timeless and common to everyone.”
Turku-based Sini-Meri Hedberg is known for her pastel color landscape paintings inspired by the northern sky, abstract expressionism and German Romantic landscape paintings from the 19th century. The Waste Land features paintings in which the artist has sought a simpler style of expression.
In 2004, Sini-Meri Hedberg graduated from the Turku Art Academy and also had her debut exhibition at the Wäinö Aaltonen Museum’s Studio. Hedberg has had about thirty solo exhibitions and taken part in various juried joint exhibitions. The artist’s works are included in the Finnish state art collection and the collections of the City of Turku and the City of Rovaniemi.
The artist’s work has been supported by the Arts Promotion Centre Finland.
Die Reihe der gemalten Horizonte befasst sich mit dem Thema Tod und stellt die Grenzen des Todes dar. Die Ausstellung untersucht, was auf der anderen Seite auf uns wartet, wie die Grenzen des Todes aussehen und wie sie sich anfühlen. Die Gemälde zeigen die Stimmungen in der Nähe des Todes, die schwer in Worte zu fassen sind. In den Gemälden spiegelt sich Verwirrung als Farbinterpretationen und als verschiedene wahrgenommene Räume und Wüsten wider.
“Landschaften, Farben und natürliche Elemente erwecken in mir oft starke Gefühle. Beim Malen möchte ich diese Gefühle mit geistigen Landschaften verbinden, die die Beobachtungen über die Erfahrung des Seins und dem damit verwandten Loslassen zusammenfassen. Mein Ziel ist, etwas zu kreieren, das zeitlos und vertraut ist.”
Die in Turku lebende Sini-Meri Hedberg ist für ihre pastellfarbenen Landschaftsgemälde, die von dem Nordhimmel inspiriert wurden, ihrem abstraktem Expressionismus und den Landschaftsgemälde der deutschen Romantik aus den 19. Jahrhundert bekannt. Brachflächen enthält Gemälde, in denen die Künstlerin einen einfacheren Ausdrucksstil angestrebt hat.
2004 erhielt Sini-Meri Hedberg einen Abschluss von der Turku-Kunstakademie und hatte ihre allererste Ausstellung in dem Studio des Wäinö Aaltönen-Museums. Hedberg hatte bisher etwa dreißig Einzelausstellungen und nahm an mehreren Gemeinschaftsausstellungen mit Jury teil. Die Werke der Künstlerin sind Teil der finnischen Staatskunstkollektion und der Kollektionen der Städte Turku und Rovaniemi.
Die Werke der Künstlerin wurden von dem Arts Promotion Centre Finnland unterstützt.
14.3 - 25.3.2023 Juha Vanonen - The Falls Vernissage: Tue 14.3. 19-21, Welcome - Willkommen
Juha Vanonen is a visual artist based in Helsinki who creates airy abstract works that blend spontaneous and well-thought-out painting. In his paintings, areas of color and lines move or float on the canvas, searching for forms without presenting anything recognizable. Even small gestures bring tension to the paintings. The process involves creating sketches and editing them with image processing programs, resulting in modifications such as sharply intersecting lines or paint marks resembling colored pencils. The exact reproduction of abstract sketches on the canvas creates a sense of meaning in the work, where being beyond logic and some kind of reasoning alternate."
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Juha Vanonen ist ein bildender Künstler aus Helsinki, der luftige, abstrakte Werke kreiert, die spontane und gut durchdachte Gemälde verschmelzen lassen. In seinen Gemälden bewegen sich Farbbereiche und Striche über die Leinwand hinweg, sie schweben herum, suchen nach Formen, ohne etwas Erkennbares darzustellen. Selbst kleine Gesten bringen Spannung in die Gemälde. Dieser Prozess umfasst das Kreieren und Überarbeiten von Skizzen mit Bildverarbeitungsprogrammen, was zu Modifikationen wie scharfen, sich schneidenden Linien oder Farbmarkierungen führt, die Buntstiften ähneln. Die genaue Reproduktion der abstrakten Skizzen auf der Leinwand kreiert ein Bedeutungsgefühl in den Werken, in dem das “Über-die-Logik-Hinausgehen” und die Vernunft sich abwechseln.
28.2.-11.3.2023 About Landscape - Über die Landschaft Minna Kähkönen, Pasi Siipola, Tiina Tanskanen
Minna Kähkönen I’m a visual artist and painter from Lahti, Finland (b. 1980 in Porvoo). My paintings for the exhibition in Galerie Pleiku are aquarelles.
My paintings are devoid of people. City landscapes are like a stage where something is about to happen or something just happened. Landscapes are full of signs of people, but no one is to be seen.
The exhibition is supported by Kauno ry.
Pasi Siipola “Pure in soul and body. Life in seclusion. What need have you of words?”
Photographs from the photo series Eremite.
Tiina Tanskanen My photography series Forest Veil is inspired by an old Finnish myth. In this myth a familiar forest turns strange suddenly - it turns upside down and awareness of time is lost. A person walking in the forest doesn’t recognize where he is and can’t find a way home anymore. The forest swallows the person. With my camera I’m capturing the feeling how the forest may seem under its spell.
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Minna Kähkönen Ich bin eine bildende Künstlerin und Malerin aus Lahti, Finnland (geb. 1980 in Porvoo). Mein Beitrag für die Ausstellung in der Galerie Pleiku sind Aquarellmalereien.
Meine Gemälde sind frei von Menschen. Stadtlandschaften sind wie eine Bühne, auf der gleich etwas passiert oder gerade etwas passiert ist. Landschaften sind voll von Anzeichen, dass Menschen da waren, aber man sieht keine Menschen.
Die Ausstellung wird von Kauno ry unterstützt.
Pasi Siipola “Rein in Seele und Körper. Leben in der Abgeschiedenheit. Wofür braucht man Wörter?”
Fotos aus der Fotoserie "Eremit".
Tiina Tanskanen Meine Fotoserie "Waldschleier" wurde von einer alten finnischen Legende inspiriert. In dieser Legende verwandelt sich ein bekannter Wald plötzlich in etwas Fremdes - Er wird auf den Kopf gestellt und das Zeitbewusstsein geht verloren. Ein Mensch, der in dem Wald spazieren geht, erkennt nicht, wo er ist und findet nicht mehr hinaus. Der Wald verschlingt den Mensch. Mit meiner Kamera fange ich das Gefühl ein, das man in dem Wald erhält, wenn man in seinem Bann steht.
PARADISE is a joint exhibition by Finnish artist colleagues Jenna Kähönen, Sini Kähönen and Jone Mutka. The exhibition consists of different contemporary art media ranging from painting to printmaking and from digital art to installation.
The exhibition presents a theme of a paradise, both as a place that appears in religions and sacred images, and as an established concept as part of everyday life. Paradise is often seen as an ultimate goal that is always being pursued. The exhibition examines the reasons behind the existence of the concept itself, while also considering existing paradises both as concrete places and as intangible utopias.
Jenna Kähönen is a visual artist living and working in Helsinki. She mainly paints with acrylics, using various mixed media materials in her works, such as recycled textiles and yarn.
Sini Kähönen is a visual artist based in Jyväskylä. In her current artistic works, Kähönen deals with the feeling of not belonging. In the exhibition, Kähönen presents oil paintings.
Jone Mutka is a Turku based visual artist and contemporary printmaker. His artworks presented in the exhibition are made with traditional printmaking techniques, digital and using traditional skills.
The artists' work has been supported by the Arts Promotion Center Finland.
PARADISE (PARADIES) ist die gemeinsame Ausstellung der finnischen Kunstkolleg/innen Jenna Kähönen, Sini Kähönen und Jone Mutka. Die Ausstellung besteht aus verschiedenen kontemporären Kunstmedien, von Gemälden bis zu Grafikkunst und von digitaler Kunst bis zu Installationen.
Die Ausstellung hat das Paradies zum Thema, sowohl als ein Ort, der in Religionen und heiligen Bildern erscheint, als auch als etabliertes Konzept, das Teil des Alltags ist. Das Paradies wird oft als ultimatives Ziel angesehen, das stets angestrebt wird. Die Ausstellung sieht sich die Gründe hinter der Existenz dieses Konzepts an und betrachtet das Paradies sowohl als realen Ort als auch als ungreifbare Utopie.
Jenna Kähönen ist eine bildende Künstlerin, die in Helsinki lebt und arbeitet. Sie malt großteils mit Acrylfarben. Sie verwendet verschiedene Mischtechnik-Materialien wie recycelte Textilien und Zwirn.
Sini Kähönen ist eine bildende Künstlerin, die in Jyväskylä lebt. In ihren neuesten Kunstwerken beschäftigt sie sich mit dem Gefühl des Nicht-Dazugehörens. In der Ausstellung präsentiert Kähönen Ölgemälde.
Jone Mutka ist ein aus Turku stammender bildender Künstler und ein zeitgenössischer Grafiker. Die Kunstwerke, die er in der Ausstellung präsentiert, wurden mit traditionellen Grafikkunstmethoden, digitalen und traditionellen Fähigkeiten hergestellt.
Die Werke der Künstler/innen wurden von dem Arts Promotion Center Finland unterstützt.
Jaakko Hukkanen I use painting to explore color and spatial experiences on a two-dimensional surface. In my works, I create architectural spaces that lack the human figure. The subjects of my paintings are representational, but not existing places. In my subjects, I combine what I have researched, what I have seen and what comes from my subconscious. I examine European settlements and architectural history both during my professional travels and as presented in art historical works. I pick up strong spatial experiences and observed their origins. I am interested in how the viewer themselves creates spatial depth when looking at a two-dimensional work consisting of painted color fields. By dealing with the shaped and built landscape related to human settlement, I aim to arouse thoughts about the built environment of our everyday life and its effects on our minds.
Toni Elg I see painting as a system which reacts to diverse matters in life. For me, this system has attributes that have slowly developed into a concept of painting throughout the years. My paintings have, for example, been painted with a brush on a canvas. Furthermore, the system includes attributes that are more personal for me. Say, the attempt to avoid irony. I seek subjects from mundane everyday things: observations of how light filters through trees or how snow transforms my city into soft sculptures.
Elmeri Terho Measure and distance serve me as tools in an attempt to externalize my role in visual decision making as to give my drawing process more spontaneity and end results more randomness.
In “Map of Berlin” (2020) I drew paths of some of my past walks in the city whilst recalling details of places wherever my mind and the tip of my pencil currently was. Sometimes a single centimeter took minutes to draw if I was reliving a detailed memory in a certain area. The result may look like curly traces of smoke, but behind that, there’s a lot of personal reminiscing of the city.
In “100 m”, “Black Paper” (1817 m) and “5 km” (all 2022) I calculated the lengths of the drawn lines with a measuring wheel connected to a pencil. In these works, the areas and distances of the maps are reduced to a mere measure, making them abstract masses of pigment, but with accurate measurement data.
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Jaakko Hukkanen Ich setzte das Malen ein, um Farben und die räumliche Erfahrung auf einer zweidimensionalen Oberfläche zu erkunden. In meinen Werken kreiere ich architektonische Räume, denen die menschliche Figur fehlt. Die Themen meiner Gemälde sind repräsentative, aber existierende Orte. In meinen Themen verbinde ich das, was ich erforscht habe; das, was ich gesehen habe und das, was aus meinem Unterbewusstsein stammt. Ich untersuche europäische Ansiedlungen und die architektonische Geschichte während meiner beruflichen Reisen und wie sie in kunsthistorischen Werken dargestellt werden. Ich greife starke räumliche Erfahrung auf und erforsche ihre Ursprünge. Mich interessiert, wie der Betrachter selbst Raumtiefe erzeugt, wenn er sich ein zweidimensionales Werk, bestehend aus bemalten Farbfeldern, ansieht. Wenn ich mich mit der geformten und gebauten Landschaft menschlicher Siedlungen beschäftige, ist es mein Ziel, Gedanken über die bebaute Umgebung unseres Alltags und ihrer Auswirkungen auf unsere Köpfe zu wecken.
Toni Elg Ich sehe das Malen als ein System, das reagiert, um Dinge im Leben zu diversifizieren. Für mich hat dieses System Eigenschaften, die sich im Laufe der Jahre langsam in ein Malkonzept entwickelt haben. Meine Gemälde wurden beispielsweise mit einem Pinsel auf einer Leinwand kreiert. Außerdem enthält das System Eigenschaften, die mir persönlich wichtig sind. Zum Beispiel der Versuch, die Ironie zu vermeiden. Ich suche in den banalen, alltäglichen Dingen nach Motiven: Beobachtungen darüber, wie das Licht durch die Bäume gefiltert wird oder wie Schnee meine Stadt in weiche Skulpturen verwandelt.
Elmeri Terho Das Maß und die Entfernungen sind meine Werkzeuge in dem Versuch, meine Rolle in der visuellen Entscheidungsfindung zu externalisieren, um meinem Zeichenprozess mehr Spontanität und dem Endergebnis mehr Zufälligkeit zu verleihen.
In “Karte von Berlin” (2020) zeichnete ich die Pfade meiner vergangenen Spaziergänge in der Stadt, während ich mich an Details der Orte erinnerte, wo immer sich mein Kopf und die Bleistiftspitze zu der Zeit befanden. Manchmal dauerte es mehrere Minuten einen einzigen Zentimeter zu zeichnen, während ich meine detaillierten Erinnerungen eines bestimmten Gebiets wieder erlebte. Das Ergebnis sieht vielleicht wie gewellte Rauchspuren aus, aber dahinter befinden sich viele persönliche Erinnerungen an die Stadt. In “100 m”, “Schwarzes Papier” (1817 m) und “5 km” (alle 2022) berechnete ich die Längen der gezeichneten Linien mit einem Messrad, das mit einem Bleistift verbunden war. In diesen Werken wurden die Bereiche und Entfernungen der Karten auf eine einzige Messung reduziert, wodurch sie zu abstrakten Pigmentmassen wurden, jedoch mit genauen Messungsdaten.
10.–21.1.2023 Jaana Valtari - Compass Rose Vernissage: 10.1. 19-21. Welcome-Willkommen
During recent years I have made paintings with the wandering theme. I realized that I have named my newest paintings according to the cardinal directions (north, east, south, west) or their intermediate points. It is common that the names of the cardinal directions are related to the position or movement of the Sun. In Finnish language there are specific words also for intermediate directions (northeast is ”koillinen”, northwest is ”luode”).
I wanted to gather these paintings in the same gallery space and follow the horizontal directions they are named after. The painting called Northwest is hung on the northwest wall. Gallery space might not be positioned strictly according to the names of my paintings, and this makes the task challenging.
In many paintings there are human and animal figures wandering on the beach or in the mountains. Scenery is often depicted from a bird's eye view. That makes the human role diminished compared to the dominant landscape. People and animals are heading to better living conditions, often towards the sea. The sea offers refreshment and revival to all living creatures. The sea also represents in my paintings the origin of the life.
Jaana Valtari (b. 1972) is a visual artist living and working in Turku, Finland. She graduated in Turku Arts Academy in 2012 and since then she has held various solo and group exhibitions. This is her third exhibition in Galerie Pleiku. The Artist Promotion Centre Finland supports the exhibition.
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In den letzten Jahren habe ich Gemälde kreiert, dessen Thematik das Wandern war. Ich bemerkte, dass ich meine neuesten Gemälde nach den Himmelsrichtungen (Norden, Osten, Süden, Westen) oder ihren Zwischenpunkten benannt habe. Oft stehen die Namen der Himmelsrichtungen in Verbindung zu der Position oder Bewegung der Sonne. In der finnischen Sprache gibt es auch bestimmte Worte für die dazwischenliegenden Richtungen (Nordost ist ”Koillinen”, Nordwest ist ”Luode”). Ich wollte diese Gemälde in einer Galerie versammeln und sie den horizontalen Richtungen folgen lassen, nach denen sie benannt wurden. Das Gemälde mit dem Namen Nordwest hängt an der nordwestlichen Wand. Die Räume der Galerie sind vielleicht nicht perfekt nach den Namen meiner Gemälde ausgerichtet, wodurch diese Aufgabe herausfordernd war.
In vielen Gemälden gibt es menschliche und tierische Figuren, die am Strand oder in den Bergen wandern. Die Landschaft wird oft in der Vogelperspektive gezeigt. Dadurch wird die menschliche Rolle im Vergleich zu der dominanten Landschaft oft vermindert. Menschen und Tiere erreichen bessere Lebensumstände, oft am Meer. Das Meer sorgt für Erfrischung und Aufleben aller Lebewesen. Das Meer stellt in meinen Gemälden auch den Ursprung des Lebens dar.
Jaana Valtari (geb. 1972) ist eine visuelle Künstlerin, die in Turku, Finnland lebt und arbeitet. 2012 erhielt sie einen Abschluss von der Turku-Kunstakademie und seither hielt sie mehrere Solo- und Gruppenausstellungen ab. Das ist ihre dritte Ausstellung in der Galerie Pleiku. Das Arts Promotion Centre Finland unterstützt die Ausstellung.
7.-17.12.2022 Pira Cousin - Schwindende Felsen, Berge Laura Salama - Grafik Vernissage: 6.12. 19-21, Welcome - Willkommen
Pira Cousin - Disappearing Rocks, Mountains
Presented in my exhibition there is a short film Dissappearing Rocks, Mountains which I made in the spring 2022. In the exhibition there is also a collage installation.
Dissappearing Rocks, Mountains is a cinematic essay that explores contemporary human relationship with nature. Central to the film is the natural element rock. In rocks the irreversibility of damage caused by human activities is concretized. New rocks will not form in the place of destroyed ones.
The Finnish rock foundation is one of the oldest in the world. Rocks are a unique feature of the Finnish landscape and are also an important aspect of the Finnish urban environment. The ice age and erosion have formed our smooth shore rocklines, the history of planet Earth’s beginnings can be detected in their surfaces. These invaluable rock areas dissappear having to give way to dense urban development.
The narration is carried along by images of rocks shot in and around Helsinki, interlaced with old archive images, video collages, Marja Kalaniemi’s music and the calm narrator’s voice. Together these constitute a poetic statement on behalf of rocks, biodiversity and the sustainability of Earth.
I’m a multidisciplinary visual artist. In the last years I have worked with collage, photography and film. Nature, environment and the human relationship with the environment, humanity, dreams, the subconscious are reoccuring themes in my work.
I am an illustrator by profession. I often depict views of my hometown Helsinki with tusch as my work tool. I do printmaking when I have time. I carve directly on the printing plate without sketching, without observing the neighbourhood, without using models. My themes and motifs are usually there when I wake up. For me, printmaking means expressing my inner visions and is a counterweight to precise illustration.
I mainly make intaglios using traditional drypoint, etching and aquatint techniques. Sometimes also monotypes, woodcuts and linoleum drawings are created. In this exhibition there is one of each of the latter. With a couple of exceptions, I have chosen prints created in the last couple of years.
The oldest print, the etching "An evening-in at the house of a poet" is from 2010. The sea has invaded the poet's home, a sea serpent has captured the poet's typewriter and shaken the keys into the sea, where an empty liquor bottle is also floating. The poet is dozing in an armchair. The busy mother of the family has resourcefully taken off in order to be able to serve her family an evening meal. In the mirror of the cupboard in the background you can see a little girl silently observing the situation from the sidelines. I no longer have the cupboard, but the armchair shown in the picture remains. My author father used to sit there with his eyes closed, listening to music, thinking about his novel manuscripts and taking a nap.
I made the first final print of my latest work a month ago. In the background of the "In the graveyard" aquatint intaglio, a widowed old man can be seen mourning by the grave. A sapling grows on top of the grave. The old graves on the foreground have given their growth force to the big trees on which new small people grow into the world. The old man walking hunched under his fedora doesn't notice them yet. This print is also related to my family.
In the browsing drawer I have put a tusch drawing among the duplicates of the prints. It is an illustration for Juhani Styrman's book "Hesarin kulmilla 50-luvun Kalliossa” (In the Hesari neighbourhood in the 50s in Kallio). The woman walking alone among the dead leaves is me. The drawing is included because it is an example of a drawing of mine documenting the neighbourhood in a realistic style, while also managing to tell something about my inner world.
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Pira Cousin - Schwindende Felsen, Berge
In meiner Ausstellung wird ein Kurzfilm namens Schwindende Felsen, Berge präsentiert, den ich im Frühling 2022 zusammengestellt habe. In der Ausstellung gibt es auch eine Collagen-Installation.
Schwindende Felsen, Berge ist ein filmisches Essay, das zeitgenössische menschliche Beziehungen mit der Natur erkundet. Im Mittelpunkt des Filmes steht das natürliche Element Stein. Der unumkehrbar Schaden, der durch menschliches Handeln entsteht, wird in Felsen konkretisiert. Neue Felsen entstehen nicht an dem Ort, an dem alte Felsen zerstört wurden.
Die finnische Felsstiftung ist eine der ältesten der Welt. Felsen sind ein einzigartiger Bestandteil der finnischen Natur und spielen eine wichtige Rolle in der Stadtlandschaft Finnlands. Die Eiszeit und Erosion kreierten unsere glatten Uferfelslinien, die Ursprünge des Planeten Erde können auf ihren Oberflächen erkannt werden. Diese wertvollen Felsbereiche verschwinden, um Platz für die dichte Stadtentwicklung zu machen.
Die Narration wird von Abbildungen von Felsen begleitet, die in und um Helsinki gemacht wurden, verbunden mit alten Archivbildern, Video-Collagen, Musik von Marja Kalaniemi und der ruhigen Stimme der Sprecherin. Zusammen machen diese Elemente ein poetisches Statement im Namen der Felsen, der Artenvielfalt und der Nachhaltigkeit der Erde.
Ich bin ein multidisziplinärer, visueller Künstler. In den letzten Jahren habe ich mit Collagen, Fotografie und Film gearbeitet. Die Natur, die Umgebung und die menschliche Beziehung mit der Umgebung, die Menschheit, Träume, das Unterbewusstsein sind wiederkehrende Themen in meiner Arbeit.
Vom Beruf bin ich Illustratorin. Ich zeichne oft Ansichten meiner Heimatstadt Helsinki mit Filzstift als Werkzeug. Graphik mache ich, wenn ich Zeit übrig habe. Ich schnitze direct auf die Druckplatte, ohne Skizzen oder Modelle zu machen, ohne die Umgebung zu beobachten. In der Regel sind meine Themen und Motive da, wenn ich aufwache. Grafik ist für mich Ausdruck meiner inneren Visionen und ein Gegengewicht zur präzisen Illustration.
Ich mache hauptsächlich Metallgraphiken und verwende traditionelle Kaltnadel-, Ätz- und Aquatintatechniken. Manchmal entstehen auch Monotypien sowie Holz- und Linoleumzeichnungen. Letztere sind in dieser Austellung mit je einen Druck vertreten. Ich habe mich für Grafiken aus den letzten paar Jahren entschieden, mit wenigen Ausnahmen.
Der älteste Druck, “Heimabend im Haus des Dichters”, stammt aus dem Jahr 2010. Das Meer hat das Haus des Dichters erobert , eine Seeschlange hat die Schreibmaschine des Dichters entführt und die Tasten ins Meer geschüttelt; dort schwimmt auch eine leere Schnapsflasche. Der Dichter döst in einem Sessel. Die fleiβige Mutter der Familie hat sich einfallsreich zum Fliegen gebracht, um ihrer Familie ein Abendessen servieren zu können. Im Spiegel des Schrankes im Hintergrund sieht man ein kleinens Mädchen, das die Situation schweigend beobachtet. Den Schrank habe ich nicht mehr, aber der Lehnstuhl im Bild ist da. Dort saβ mein Schriftstellervater mit geschlossenen Augen und hörte auf Musik, dabei dachte er über seine Romanmanuskripte nach und nickte.
Vor einem Monat habe ich von meinen neuesten Werk den ersten endgültigen Druck angefertigt. Die Aquatinta−Metallgraphik “Auf dem Friedhof” zeigt hinten einen verwitweten alten Mann, der am Grab trauert. Auf dem Grab wächst ein Baumsetzling. Die alten Gräber im Vordergrund haben ihre Wachstumskraft den groβen Bäumen gegeben, an denen neue, kleine Menschen in die Welt aufwachsen. Der alte Mann, unter seinem Filzhut kauernd, bemerkt sie noch nicht. Auch diese Grafik bezieht sich auf meine Familie.
In die “Stöberschublade”, unter die Duplikate der Drucke, habe ich eine Filzstiftzeichnung gelegt, die eine Illustrationsarbeit für Juhani Styrmans Buch “Hesarin kulmilla 50−luvun Kalliossa” (In den Winkeln der Straβe Helsinginkatu in den Fünfzigerjahren in Kallio) ist. Ich bin die Frau, die allein zwischen den toten Blättern spaziert. Die Zeichnung ist mit dabei, weil sie ein Beispiel meiner Art ist, die Umgebung realistisch zu dokumentieren und auch etwas über meine innere Welt zu erzählen vermag.
"The works presented in Gallery Pleiku are derived from a theme of a human in the forest. How a craze for collecting mushrooms can also create a connection to man's origin, roots, and thus to the basics.
The sculpture installation 'Kuin sieniä sateella', (trans. Like mushrooms in the rain) is inspired by the mushroom craze; rummaging in the forest and the insanity that takes over a person during the harvest season. It deals with human visual experiences, shapes that fill the landscape, and what a person pays attention to when he is in the forest in the grip of mushroom madness. What shapes are repeated? What is essential? The sculptures of the installation repeat these forms in wood and metal, as well as in the paintings. The other works in the exhibition continue this theme through preservation and generational connection.
Also, the process, through which I physically work, takes me to my roots, heritage, and the basics of humanity. My previous artistic and scientific research have been connected to the relationship between the environment and the individual."
Veera Komulainen (b. 1985 Orimattila) lives and works in Radstad, Austria, and occasionally in Finland. She graduated with a Master of Arts from the University of Lapland Finland and a Master of Design from Raffles Design Academy in Singapore. She sculpts wood, metals, and concrete, and uses spray paints and oil pastels in her works.
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“Die Werke in der Galerie Pleiku wurden von dem Motiv eines Menschen im Wald abgeleitet. Wie ein Wahn zum Pilzsammeln auch eine Verbindung zu dem Ursprung, den Wurzeln und dadurch den Grundlagen des Menschen darstellen kann.
Die Skulptur-Installation 'Kuin sieniä sateella' (übersetzt: Wie Pilze im Regen) wird von dem Pilzwahn inspiriert; das Suchen im Wald und die Verrücktheit, die einen Menschen in der Erntezeit überkommt. Sie thematisiert menschliche visuelle Erfahrungen; Gestalten, die die Landschaft ausfüllen und worauf ein Mensch achtet, wenn er im Wald im Pilzwahn ist. Welche Gestalten werden wiederholt? Was ist essentiell? Die Skulpturen der Installation geben diese Formen in Holz und Metall wieder, genauso wie die Gemälde. Die anderen Werke in der Ausstellung führen dieses Motiv durch die Bewahrung und Generationsverbindung fort.
Der Vorgang, durch den ich physisch arbeite, erinnert mich an meine Wurzeln, mein Erbe und die Grundlagen der Menschheit. Meine bisherige künstlerische und wissenschaftliche Forschung stand in Verbindung mit der Beziehung zwischen der Umwelt und dem Individuum."
Veera Komulainen (geb. 1985 in Orimattila) lebt und arbeitet in Radstadt, Österreich und gelegentlich in Finnland. Sie hat einen Master of Arts-Abschluss von der Universität Lappland-Finnland und einen Master of Design von der Raffles-Design-Akademie in Singapur. Sie schafft Skulpturen aus Holz, Metallen und Beton und setzt in ihren Werken Farben und Ölpastellkreide ein.
9.-19.11.2022 Mirva Niskanen - Empty in Between (Die Leere dazwischen) Vernissage: 8.11. 19-21 Welcome-Willkommen
The artworks in the exhibition tell a story about being still, pausing, waiting and existing in a kind of in-between space. While working, I wanted to rid myself of impatience. The works weren’t going anywhere until they found a place to be displayed. There was no schedule for them.
The ballpoint pen is a close working tool for me. The coloured areas are thoughts written as pictures. The sources of inspiration for the paintings have been for example traces, wear and tear that life and time have created on the urban landscape.
Painting is primarily a process for me. At its best, working is like experimental play. I always work on several paintings at the same time. Thoughts that emerged during the process are themes of relating and compassion. Abstract thoughts and abstract paintings. Creativity is born in emptiness, and emptiness is a necessary element in art as well as in life.
Some of the works in the exhibition have been created over a long period of time and have been allowed to develop peacefully and slowly. They have got emptiness around them. On the other hand, some of the paintings, alongside those that were worked on slowly, were created quickly as if by themselves. With the slow works, I have aimed for the same effect that is formed with the spontaneously created works. Planning and slow deliberation pays off, but as an impatient person, I enjoy work the most when it happens completely effortlessly almost by accident. There has been no need to wait for the art piece, they just come and are fresh.
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Die Werke in der Ausstellung erzählen eine Geschichte über das Stillsein, Innehalten, Warten und Existieren in einer Art Zwischenraum. Ich wollte mich bei der Arbeit an den Kunstwerken von der Ungeduld befreien. Die Werke liefen nirgendwo hin, bis sie einen Platz fanden, an dem sie präsentiert werden konnten. Es gab keinen Plan für sie.
Der Kugelschreiber ist ein wichtiges Arbeitswerkzeug für mich. Die bunten Bereiche sind als Bilder geschriebene Gedanken. Die Inspirationsquellen für die Gemälde waren zum Beispiel Spuren, die übliche Abnutzung, die das Leben und die Zeit dem Stadtbild zugefügt haben.
Das Malen ist hauptsächlich ein Prozess für mich. Im besten Fall ist die Arbeit wie ein experimentelles Spiel. Ich arbeite immer an mehreren Gemälden gleichzeitig. Gedanken, die während dem Prozess entstehen, sind Themen über Mitgefühl und Anteilnahme. Abstrakte Gedanken und abstrakte Gemälde. Die Kreativität wird in der Leere geboren und die Leere ist ein erforderliches Element in der Kunst, genauso wie im Leben.
Einige der Werke in der Ausstellung wurden über eine lange Zeit kreiert und hatten Zeit, sich friedlich und langsam zu entwickeln. Sie sind von einer Art Leere umgeben. Andererseits wurden einige der Gemälde schnell kreiert, als hätten sie sich selbst erschaffen. Bei den langsamen Werken war es mein Ziel, die gleiche Wirkung zu erreichen, die bei der Erstellung der spontanen Werke entsteht. Das Planen und die sorgfältige Erwägung zahlen sich aus, aber als ungeduldiger Mensch genieße ich es am meisten, wenn etwas komplett mühelos, fast aus Versehen geschieht. Ich muss nicht auf die Kunststücke warten, sie entstehen einfach und sind frisch.
26.10.-5.11.2022 Lars Leden Resurrection Joy / Freude der Auferstehung Vernissage: 25.10. 17-21 Welcome event / Begrüßungsfeier: 29.10. 17-19
Both the vernissage and the welcome event is open for everyone - warmly welcome to experience the exhibition and meet the artist. At the events Lars Leden will recite poetry live accompanied by music. The poetry and music are inspired by Leden’s paintings. The events can be followed digitally on @laleartstudio on Instagram and on LaLe Art Studio on Facebook.
Lars Leden is an originally Swedish artist living in Finland since 1983 with dual Swedish and Finnish citizenship. His motto is Art integrating images, music and words - from Gothenburg to Helsinki.
The exhibition is part of an intercultural project integrating words, images and music to enhance the art perception and experience. The title of the exhibition Resurrection Joy is related to creating, evolution, diversity and to Messiah - as a symbol for a new age of global universal peace – and to the Greek word genesis.
Previous exhibitions has been in Estonia, Finland, Sweden, and Denmark. The exhibition at Galerie Pleiku in Berlin is the next international step in expanding the project to other European countries and in future also to other continents to promote Nordic and Finnish art and culture around the world.
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Jeder ist bei der Vernissage und der Begrüßungsfeier willkommen - Wir laden Sie herzlich dazu ein, die Ausstellung zu besuchen und den Künstler zu treffen. Lars Leden wird bei den Veranstaltungen Gedichte mit Live-Musikbegleitung vortragen. Die Gedichte und Musik wurden von den Gemälden Ledens inspiriert. Die Veranstaltungen können digital über @laleartstudio auf Instagram und über LaLe Art Studio auf Facebook verfolgt werden.
Lars Leden ist ein aus Schweden stammender Künstler, der seit 1983 in Finnland lebt. Er hat sowohl die schwedische als auch die finnische Staatsbürgerschaft. Sein Motto ist Kunst, die Bilder, Musik und Worte integriert - von Göteborg bis nach Helsinki.
Die Ausstellung ist Teil eines interkulturellen Projekts, in dem Worte, Bilder und Musik eingebunden werden, um die Wahrnehmung und Erfahrung der Kunst zu fördern. Der Titel der Ausstellung, Freude der Auferstehung, steht im Zusammenhang mit Erschaffung, Evolution, Vielfalt und dem Messias - als ein Symbol für das neue Zeitalter des globalen, universalen Friedens - und dem griechischen Wort Genesis.
Die bisherigen Ausstellungen fanden in Estland, Finnland, Schweden und Dänemark statt. Die Ausstellung in der Galerie Pleiku in Berlin ist der nächste internationale Schritt in der Ausbreitung des Projektes in andere europäische Länder und in der Zukunft sogar auf andere Kontinente, um nordische und finnische Kunst und Kultur auf der Welt bekannt zu machen.
11.-22.10.2022 PATHS - MARI ARVINEN Vernissage: Tue 11.10. 19-21h, Welcome-Willkommen
Pleiku's works have a dialogue between the line and structure. In the works you can find the abundance of life, as well as its observation and admiration. The exhibition name Paths refers to the journey and the adventure. It reflects on the openness of the mind and the spirit of adventure. In nature, an adventurer is an experiencer and admirer, just like a painter when painting. The works must be given a chance to take shape. Then a conversational dynamic takes shape between the painter and the painting.
"Painting for me is marveling life.
I’ve had the privilege to work with this wonderful process since 1999, the year I graduated as a visual artist. The process teaches you, as you learn a new language through the laws of materials. I would describe it as having a discussion with the technique of painting and through that learning this new language. This world of experimenting and epiphanies intrigues me and doesn’t let me rest – it lures me again and again back to my atelier. Moments of observation are important. Even in the slightest moment where paint paste pushes another, I feel the moment has passed a lifetime.
Being an artist is a great gift. Creativity and creative work are part of the fruitful life of miracles and marveling. In my opinion, painting describes life. Coincidence and the mind of the material sets me in the wonderful seat of a spectator. My emotions roam in the same place where they go when I sit in the forest and am in awe of everything around me or when I’m walking on the beach feeling the folded sand between my toes. Lines and color pastes show the continuous movement of the world and life. Moment and eternity meet in my artwork.
What I do is what I am and what I think about when I’m painting. I go through life and its great questions while I paint. In the midst of all this greatness, the gratitude and longing for beauty are embodied in my paintings."
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Die Worte von Pleiku haben einen Dialog zwischen der Zeile und der Struktur. In den Werken ist der Reichtum des Lebens, sowie seine Beobachtung und Bewunderung zu sehen. Der Name der Ausstellung, Pfade, beschreibt die Reise und das Abenteuer. Er spiegelt die Aufgeschlossenheit des Geistes und die Abenteuerlust wieder. In der Natur ist ein Abenteurer ein Erfahrungsträger und ein Bewunderer, genauso wie ein Maler, wenn er malt. Man muss den Werken die Möglichkeit geben, ihre Form anzunehmen. Dann tritt eine Unterhaltungsdynamik zwischen dem Maler und dem Gemälde zum Vorschein.
“Das Malen ist für mich wie das Staunen über das Leben.
Ich darf schon seit 1999 mit diesem wunderbaren Prozess arbeiten. Seit dem Jahr, in dem ich den Abschluss als bildende Künstlerin erhielt. Der Prozess bildet einen, als ob man durch die Gesetze der Materialien eine neue Sprache lernen würde. Ich würde es als Diskussion mit der Malmethode beschreiben, durch die man diese neue Sprache kennenlernt. Diese Welt der Experimente und Offenbarungen fasziniert mich und lässt mich nicht stillsitzen – Sie zieht mich immer wieder zurück in mein Atelier. Die Momente der Beobachtung sind bedeutend. Selbst in den kleinsten Augenblicken, wenn eine Farbe eine andere berührt, kommt es mir vor, als wäre ein ganzes Leben vergangen.
Künstlerin zu sein ist das größte Geschenk. Die Kreativität und das kreative Arbeiten sind Teil eines fruchtbaren Lebens voller Wunder und voller Staunen. Meiner Meinung nach beschreiben Gemälde das Leben. Der Zufall und die Eigenschaften der Materialien versetzen mich in die Rolle des Zuschauers. Meine Emotionen durchstreifen den selben Ort, an den sie flüchten, wenn ich im Wald sitze und alles um mich herum bestaune oder wenn ich am Strand spazieren gehe und den Sand zwischen meinen Zehen spüre. Striche und Farben zeigen die ständige Bewegung der Welt und des Lebens. In meinen Kunstwerken treffen sich der Moment und die Ewigkeit.
Was ich tue ist das, was ich bin und worüber ich nachdenke, während ich male. Ich denke beim Malen über das Leben und seine großen Fragen nach. Mitten in dieser Größe werden die Dankbarkeit und die Sehnsucht nach Schönheit in meinen Gemälden verkörpert."
(Image: Ecosystem, 122,5 x 140 cm, mixedmedia on canvas, 2022, Heidi Naumanen)
”My painting process is an ecosystem: a sign network of paint marks that generates symbols. I paint intuitively without knowing the final shape of the picture, I draft into existence woods, trees and birds. During the process the marks of paint become layered, transformed, and between marks created in different times meanings can be percieved to emerge. This way of working demands slow lingering alongside the painting so that it can suggest itself a direction. As I paint the brush strokes become figures that start to resemble for example chinese writing symbols, imaginative bugs or their droppings. An ecosystem of a painting's own comes into being in which different elements feed each other and are there for each other.
The works have figurative and abstract elements. They include mixed media paintings, digital paintings printed in different ways, ceramics, and mixtures of ceramics and prints of digital paintings.
Thanks to the The Arts Promotion Centre Finland for supporting my work."
Heidi Naumanen (b. 1984 in Taivalkoski) lives and works in Helsinki Finland. She graduated from Lahti Institute of Fine Arts in year 2009 with painting as her major. She uses multiple painting techniques from watercolour to digital painting, and from mixed media to ceramic glazes. She works on painting series that always have some metaphor as a theme.
*** ”Mein Malprozess ist ein Ökosystem: Ein Zeichennetzwerk aus Malspuren, die Symbole erzeugen. Ich male intuitiv, ohne die endgültige Form des Bildes zu kennen, ich kreiere Wälder, Bäume und Vögel. Während dem Prozess werden die Malspuren geschichtet, verwandelt und zwischen Spuren, die zu verschiedenen Zeiten erstellt wurden, scheint es, als würden Bedeutungen zusammenfließen. Diese Arbeitsmethode verlangt ein langsames Verweilen bei dem Gemälde, sodass es selbst eine Richtung vorschlagen kann. Während ich male, werden die Pinselstriche zu Figuren, die zum Beispiel chinesischen Schriftzeichen, fantasievollen Käfern oder ihren Ausscheidungen ähneln. Das Ökosystem eines Gemäldes entsteht, in welchem verschiedene Elemente sich gegenseitig füttern und füreinander da sind.
Die Werke haben figurative und abstrakte Elemente. Sie enthalten Mixed Media Paintings, digitale Gemälde, die auf verschiedene Wege gedruckt wurden, Keramik und Mischungen aus Keramik und Ausdrucken digitaler Gemälde.
Vielen Dank an das finnische Zentrum für Kunstförderung für die Unterstützung meiner Arbeit."
Heidi Naumanen (geb. 1984 in Taivalkoski) lebt und arbeitet in Helsinki, Finnland. Sie schloss das Lahti-Institut der bildenden Künste im Jahr 2009 mit Malerei als Hauptfach ab. Sie verwendet mehrere Malmethoden, von Wasserfarben bis zu digitalen Gemälden und von gemischten Medien bis zu Keramikglasuren. Sie arbeitet an einer Malserie, die Metaphern zum Thema hat.
13.-24.9.2022 Tiiu Anttinen - FLUX Vernissage: Tue 13.9. 19-21h, Welcome-Willkommen
I work mainly with bronze and have been casting it in my studio since 2007. I draw inspiration from microscopic images and machinery parts. My body of work titled "Neco-Neco" consists of shapes or creatures that seem to levitate, float, drift and are exposed to the surroundings and currents. However the movement isn’t sporadic but appropriate to each creature. The importance lies in the constant movement. Whilst representing this movement, I also think about time and erosion. With the bronze pieces in this exhibition, I express how passing of time touches and marks the physical appearance of these beings. The name Flux refers to flow and also to the ongoing change in mode.
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Ich arbeite hauptsächlich mit Bronze und gieße es seit 2007 in meinem Studio. Ich erhalte Inspiration von mikroskopischen Bildern und Maschinenbauteilen. Meine Arbeit mit dem Titel “Neco-Neco” besteht aus Formen und Kreaturen, die zu schweben, treiben und gleiten scheinen und ihrer Umgebung und den Strömen ausgesetzt sind. Die Bewegungen sind jedoch nicht sporadisch, sondern passen zu jeder Kreatur. Die Bedeutung liegt in der ständigen Bewegung. Während ich diese Bewegung darstelle, denke ich auch über die Zeit und die Erosion nach. Mit den Bronzestücken in dieser Ausstellung drücke ich aus, wie das Vergehen der Zeit das Erscheinungsbild dieser Dinge berührt und Spuren hinterlässt. Der Name Flux bezeichnet den Fluss und den ständigen Zustand der Veränderung.
Supported by:
30.8.-10.9.2022 Juha Laakso - Schwarz
This exhibition is a tribute to the traditions of printmaking. The black ink has been the basic color of graphic arts throughout the centuries. A black line or surface creates a printed image that has a mystical velvety feeling. Black is the opposite of white, which together create an image in printmaking on paper. Black color is mystical in that it does not reflect light but absorbs almost all light into itself. It is the color of opposites, which is associated with elegance, scholarship, but also with sadness and death.
My pictures are everyday aesthetics. Diary notes of perception. In making art, the destination of the journey is not the destination, but the journey traveled. The destination is the end result of what was experienced during the process. It is a process during which insights and experiences are the link of being human.
I process my images using a method called photopolymer gravure exposure of graphic arts/ printmaking. This technique combines the tradition of printmaking with contemporary graphic arts. There are many work steps in the technique: editing the image with an image processing program, printing the film to be exposed, manufacturing a plate, exposing the plate and printing the image by hand. The grainy and soft imprint of the method is reminiscent of the aquatint technique and creates rich tones – from soft light to deep velvety darkness.
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Diese Ausstellung ist eine Ehrung der Tradition der Grafikkunst. Die schwarze Tinte ist seit Jahrzehnten die Grundfarbe der Grafikkunst. Eine schwarze Linie oder Oberfläche erschafft ein Druckbild, das ein mystisches, samtiges Gefühl hat. Schwarz ist das Gegenteil von weiß und zusammen kreieren sie in der Grafikkunst ein Bild auf Papier. Die schwarze Farbe ist mystisch, da sie Licht nicht reflektiert, sondern fast alles Licht in sich aufnimmt. Es ist die Farbe der Gegensätze, die mit Eleganz, Gelehrsamkeit, aber auch mit Traurigkeit und Tod assoziiert wird.
Meine Bilder haben die Ästhetik des Alltags. Tagebucheinträge der Wahrnehmung. In der Kunst ist das Ziel der Reise nicht das Ziel, sondern die unternommene Reise. Das Ziel ist das Endresultat davon, was in dem Prozess erfahren wurde. Es ist ein Prozess, in dem Einblicke und Erfahrungen das Bindeglied des Menschseins sind.
Ich verarbeite meine Bilder mit einer Methode namens Photopolymer-Tiefdruckbelichtung der Grafikkunst. Diese Technik vereint die Tradition der Grafikkunst mit zeitgenössischen Grafiken. Das Verfahren umfasst viele Arbeitsschritte: Bearbeiten des Bildes mit einem Bildverarbeitungsprogramm, Bedrucken des zu belichtenden Films, Herstellen einer Platte, Belichten der Platte und Drucken des Bildes von Hand. Der körnige und weiche Abdruck dieser Methode erinnert an die Aquatinta-Methode und führt zu satten Farbtönen – von sanften Hellen bis zu tiefen, samtigen Dunklen.
16.-27.8.2022 Ida Nisonen - Lip Service Vernissage: Tue 16.8. 19-21h
Ida Nisonen´s exhibition in Galerie Pleiku features a body of work called Lip Service. According to the artist, the exhibition, sprawling and rich in themes, was created entirely under the influence of emotional intuition. In photography, video and performance works, the artist deals with the challenges of our time and the contradictions that come with them in a surreal way. The perspective of her works arises in relation to motherhood and being a woman. The works have been strongly influenced by the pioneers of feminist art such as Louise Bourgeois (1911 - 2010) and Birgit Jürgenssen (1949 - 2003).
The name of the exhibition, Lip Service, is ambiguous in itself. The direct quotation of the name refers to empty talk and empty promises. The slang version of the word, on the other hand, means oral sex given to a womans genitals. With this name, the artist wants to take a stand on the global weakening of women's rights and status. On the other hand, the artist wishes to remind all kinds of women to celebrate and appreciate being a woman as a unique experience.
Ida Nisonen (b.1981 Kangasala) is a multidisciplinary artist, art educator and mother of three children. She lives and works in Kerava, Finland. She graduated as a photographer from the Institute of Art and Design at the Lahti University of Applied Sciences and as a Master of Philosophy from the University of Jyväskylä. Especially her studies of feminist philosophy have had a significant impact on her art and artistic practises.
Nisonen works with photo- and video-based media using self-portraits. From photo and video works, Nisonen builds on-site installations. In her installations she uses ready-made recycled materials and materials found in nature.
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Ida Nisonen´s Ausstellung in der Galerie Pleiku umfasst ein Werk namens Lip Service. Laut der Künstlerin wurde die Ausstellung, die reich an Motiven ist, vollständig unter dem Einfluss emotionaler Intuition geschaffen. Durch Fotografie, Videowerke und Performances beschäftigt sich die Künstlerin mit den Herausforderungen und Widersprüchen unserer Zeit auf surreale Weise. Die Perspektive ihrer Werke entsteht durch die Beziehung zur Mutterschaft und dem Frausein. Die Werke wurden stark von den Pionierinnen der feministischen Kunst beeinflusst, wie zum Beispiel Louise Bourgeois (1911 - 2010) und Birgit Jürgenssen (1949 - 2003).
Der Name der Ausstellung selbst, Lip Service, ist mehrdeutig. Das direkte Zitat des Namens spricht von “leerem Gerede” und “leeren Versprechungen”. Im Slang bedeutet die Phrase Oralsex mit den Genitalien einer Frau. Mit diesem Namen nimmt die Künstlerin bezüglich der globalen Schwächung der Rechte und des Status von Frauen Stellung. Andererseits möchte die Künstlerin alle Frauen daran erinnern, das Frausein als einzigartige Erfahrung zu feiern und wertzuschätzen.
Ida Nisonen (geb.1981 Kangasala) ist eine multidisziplinäre Künstlerin, Kunstpädagogin und Mutter von drei Kindern. Sie lebt und arbeitet in Kerava, Finnland. Sie schloss das Institut für Kunst und Design der Lahti-Universität der angewandten Wissenschaften als Fotografin ab und hat auch einen Master of Philosophy von der Universität Jyväskylä. Besonders ihr Studium der feministischen Philosophie beeinflusst ihre Kunst und Kunstmethoden sehr.
Nisonen arbeitet mit foto- und videobasierten Medien und Selbstportraits. Für Foto- und Videowerke baut Nisonen Installationen vor Ort. In ihren Installationen verwendet sie fertige recycelte Materialien und Materialien aus der Natur.
"A long time ago my grandfather made shingle baskets, and grandmother wove rag rugs. They both wove plain weave. One over, one under. Likewise, my own work is a space of constant process and transition during which I can create, break, merge and rebuild. Different impulses and emotions can lead to unpredictable changes, which can cause me to start working intuitively on new works and concepts.
Transitions is an installation, a temporary space in which I return to the past while peering into the future. Transitions moves in time and space; it oscillates between the concrete and the conceptual. One over, one under.
Thanks to the Finnish Cultural Foundation for supporting my work."
Marjo Hallila is a contemporary artist from Central Finland whose work focuses on multidisciplinarity, experimentation and conceptualism. Over the last years she has been working on the simultaneous processes of developing contemporary graphic art and abstract painting. She graduated with a Master of Arts degree from the Academy of Fine Arts in Warsaw in 2017 and from the University of Art and Design Helsinki in 2005. She is a member of The Association of Finnish Printmakers and the Finnish Painters' Union, and her works are included in both Finnish and international collections.
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Übergänge
“Vor langer Zeit machte mein Großvater Schindelkörbe und meine Großmutter webte Flickenteppiche. Beide webten in Leinwandbindung. Einmal über, einmal unter. Gleichermaßen besteht meine eigene Arbeit aus einem laufenden Prozess und Übergang, durch welche ich kreieren, zerstören, verbinden und neu aufbauen kann. Verschiedene Impulse und Gefühle können zu unvorhersehbaren Änderungen führen, durch die ich intuitiv an neuen Werken und Konzepten arbeite.
Übergänge ist eine Installation, ein temporärer Raum, in dem ich in die Vergangenheit zurückkehre und gleichzeitig in die Zukunft blicke. Übergänge bewegt sich in Zeit und Raum; Es schwingt zwischen dem Konkreten und dem Konzeptuellen. Einmal über, einmal unter.
Ich möchte mich bei der finnischen Kulturstiftung für die Unterstützung meiner Arbeit bedanken."
Marjo Hallila ist eine zeitgenössische Künstlerin aus Mittelfinnland, dessen Arbeit sich um Interdisziplinarität, Experimentieren and Konzeptualismus dreht. In den letzten Jahren hat sie an gleichzeitigen Entwicklungsvorgängen von zeitgenössischer Grafikkunst und abstrakter Malerei gearbeitet. 2017 schloß sie die Akademie der bildenden Künste in Warschau und 2005 die Kunst-und-Design-Hochschule in Helsinki mit einem Master of Arts ab. Sie ist Mitglied der Vereinigung finnischer Grafiker und der finnischen Malervereinigung. Ihre Werke waren bereits Teil finnischer und internationaler Sammlungen.
This exhibition is an installation, that has gotten its inspiration from Holy Female travelers. «Holy Marias’ of the Sea» (Saintes-Maries-de-la-Mer) is the name of the city, where three holy Marias landed after traveling from the Holy Land in 45 BC. In their footsteps, many female travelers have found new places and new lands alone or with other women. Historically speaking, women travelling alone has been out of the norm and often frowned upon.Holy Travelers could be any of us, who need or want to find a new land, find a home or, perhaps to find peace of mind or see things in a new way.
In this exhibition different types of papers, sand, water, plants, stones, video work, sound design and textual materials will carry us to the beach, to observe the line between beach and sea from a new perspective.
Together with Pia Houni’s work, scenographer Camilla Nenonen has created visual elements for the installation and sound designer Ina Aaltojärvi the sound for the space and other art pieces. Houni and Aaltojärvi have graduated from the Theatre Academy and Nenonen from the University of Art and Design. They live and work in Helsinki, Finland. They have previously worked together in Finland, Greece and on digital platforms.
Diese Ausstellung ist eine Installation, die ihre Inspiration von den heiligen reisenden Frauen erhielt. «Heilige Marien des Meeres» (Saintes-Maries-de-la-Mer) ist der Name der Stadt, in der drei heilige Marien landeten, nachdem sie im Jahr 45 v. Chr. aus dem heiligen Land reisten. In ihren Fußstapfen fanden viele reisende Frauen neue Orte und neue Länder alleine oder gemeinsam mit anderen Frauen. Historisch betrachtet war es ungewöhnlich, wenn Frauen alleine reisten und es wurde nicht gerne gesehen. Die heiligen Reisenden könnte jeder von uns sein, der ein neues Land, ein neues Zuhause oder vielleicht innere Ruhe finden muss oder möchte oder aber die Dinge neu sehen möchte.
In dieser Ausstellung befördern uns verschiedene Arten von Papier, Sand, Wasser, Pflanzen, Steinen, Videowerken, Tongestaltung und textbasierte Materialien an den Strand, um die Grenze zwischen dem Strand und dem Meer aus einer neuen Perspektive zu betrachten.
Zusammen mit Pia Houni’s Werk, hat die Bühnenbildnerin Camilla Nenonen visuelle Elemente für die Installation kreiert und die Tongestalterin Ina Aaltojärvi hat den Ton für diese Ausstellung und andere Kunstwerke zusammengestellt. Houni und Aaltojärvi haben einen Abschluss von der Theater-Akademie und Nenonen hat einen Abschluss von der Hochschule für Kunst und Design. Sie leben und arbeiten in Helsinki, Finnland. Sie haben bereits zusammen in Finnland, Griechenland und auf digitalen Plattformen gearbeitet.
5.-16.7.2022 Maria Pääkkönen: Olio Vernissage: Tuesday, 5th July 19-21h, Welcome-Willkommen
Image: Metamorphosis, pencil on paper, 33 x 38 cm, 2022, Maria Pääkkönen
Olio = creature, being, entity, object (in philosophy) or thing
Olio is anything a combination of qualities, fusions, bonds a cat but a snake, but not a cat nor a snake sliding sensations, memories, transformations something sharp, hairy, smooth, elastic, rough or wet a piece of hard metal in a soft mouth, a foreign object tense necks, open shells, scales, claws, venomous stingers a sufficient number of features for identification fading sounds, shapes and smells a dwindling number of creatures
The exhibition is supported by The Finnish Cultural Foundation and Arts Promotion Centre Finland.
Maria Pääkkönen (b.1988) is a visual artist based in Espoo, Finland, who works through drawing, performanc and installation, as well as combinations of these mediums. Her works are built around a focused drawing process, where materials and multi-layered themes - often referring to change, momentariness and nature - intertwine. Alongside the work, there is a collaboration with artist Ingeborg Blom Andersskog (NO/SWE) that has been going on for several years. Maria Pääkkönen graduated with a Master of Fine Arts from the Academy of Fine Arts of the University of the Arts Helsinki in 2016. She has worked in several residencies e.g. Jan van Eyck Academy in Maastricht (NL) in 2016-17, Studio Kura residency in Itoshima (JPN) in 2018 and Mustarinda residency in Hyrynsalmi (FI) in 2018. Her works have been exhibited in Finland, Norway, The Netherlands, Italy, Japan and Germany.
Olio = Kreatur, Lebewesen, Einheit, Objekt (in der Philosophie) oder Sache
Olio ist alles Eine Kombination aus Qualitäten, Fusionen, Verbindungen Eine Katze, jedoch eine Schlange, aber keine Katze und keine Schlange Ein gleitendes Gefühl, Erinnerungen, Verwandlungen Etwas Spitzes, Haariges, Glattes, Elastisches, Raues oder Nasses Ein Stück hartes Metall in einem weichem Mund, ein Fremdkörper steife Nacken, offene Muscheln, Schuppen, Klauen, giftige Stacheln Eine ausreichende Anzahl an Eigenschaften für die Identifizierung Verschwindende Geräusche, Formen und Gerüche Eine sinkende Zahl von Kreaturen
Die Ausstellung wird von der finnischen Kulturstiftung und dem Kunstförderungszentrum Finnland unterstützt.
Maria Pääkkönen (b.1988) ist eine bildende Künstlerin aus Espoo, Finnland. Sie arbeitet mit Zeichnungen, Vorführungen und Installationen, sowie Kombinationen dieser Medien. Ihre Werke drehen sich um einen fokussierten Malprozess, indem sich Materialien und mehrschichtige Themen - oft handelnd von Veränderung, Flüchtigkeit und Natur - miteinander vereinen. Zusätzlich zu den Werken gibt es eine Zusammenarbeit mit der Künstlerin Ingeborg Blom Andersskog (NO/SWE), die seit mehreren Jahren läuft. Maria Pääkkönen hat die Akademie der bildenden Künste, die Teil der Kunsthochschule Helsinki ist, im Jahr 2016 mit einem Master in bildenden Künsten abgeschlossen. Sie hat in diversen Residenzen gearbeitet, z.B. Jan van Eyck Academy in Maastricht (NL) in den Jahren 2016-17, eine Studio Kura-Residenz in Itoshima (JPN) im Jahr 2018 und eine Mustarinda-Residenz in Hyrynsalmi (FI) im Jahr 2018. Ihre Werke wurden in Finnland, Norwegen, den Niederlanden, Italien, Japan und Deutschland ausgestellt.
21.6.-2.7.2022 Riitu Uosukainen THEY SEE WITH THEIR EARS - Ceramic sculptures Vernissage: Tue 21.6. 19-21h, Welcome-Willkommen
Finnish Ceramic Artist Riitu Uosukainen (1975) lives and works in Helsinki. She uses various hand-building techniques, chamotti-rich clay and different ceramic patinas. In her work she examines the relationship between humans, nature and the future of forests - in their environment humans do not only act as modifiers and caretakers but also as destroyers. The feeling of empathy for other people, as well as surrounding nature is of crucial importance in her work.
Her miniature sculptures often take the shape of a person or an owl, for her a symbol of quiet wisdom of nature. The owls comfort and listen but also question the actions of humans. Her ceramic characters wonder the world and their own being without being able to find the answers they are looking for.
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RIITU UOSUKAINEN: SIE SEHEN MIT IHREN OHREN - Keramikskulpturen
Die finnische Keramikerin Riitu Uosukainen (1975) lebt und arbeitet in Helsinki. Sie verwendet verschiedene händische Bautechniken, chamotti-reichen Ton und verschiedene Keramikpatina. In Ihren Werken beleuchtet sie die Beziehung zwischen Menschen, der Natur und der Zukunft der Wälder - in ihrer Umgebung agieren Menschen nicht nur als Umwandler und Wärter, sondern auch als Zerstörer. Das Gefühl der Empathie für andere Menschen, sowie der umgebenden Natur ist in ihrer Arbeit von größer Bedeutung.
Ihre Miniatur-Skulpturen haben oft die Gestalt einer Person oder einer Eule, für sie ein Symbol der stillen Weisheit der Natur. Die Eule tröstet und hört zu, hinterfragt aber auch die Handlungen der Menschen. Ihre Keramikfiguren wundern sich über die Welt und ihr eigenes Sein, ohne die Antworten finden zu können, nach denen sie suchen.
7.-18.6.2022 Inka Hannula & Teemu Raudaskoski - DREAM MAP Vernissage: Tuesday, June 7, 19-21h. Welcome-Willkommen
The exhibition Dream Map consists of co-paintings and co-drawings made by Tampere-based visual artists Inka Hannula and Teemu Raudaskoski.
The name of the exhibition refers to the visualization of the map kinda images. The starting point for viewing the dream map is the basis for imaginative interpretation, stories, adventures and finding your own dreams.
“When two visual artists paint the same canvas at the same time, the setting is already interesting itself. What makes the co-paintings of Inka Hannula and Teemu Raudaskoski even more fascinating is that they look like they were made by one person.
In the artworks, the composition of the forms proceeds as a dialogue of the great arcs and as points complementing them. The dance floor of the brushes is usually a monochrome, highly contrasted shade that releases the shapes to dance. There isn’t much the three-dimensional space, which creates a decorative impression. The works are at the same time secondary and unique - like liberated ornaments. Open color saturation creates the impression of an easily approachable affirmation of life.
Hannula and Raudaskoski have said that their work reminds of the improvisation. The painting happens here and now. They always listen music while they are painting. The impulse thrown by another is always answered "yes". ”
Die Ausstellung Dream map (Traumkarte) besteht aus Co-Malereien und Co-Zeichnungen, die von den bildenden Künstlern Inka Hannula und Teemu Raudaskoski aus Tampere kreiert wurden.
Der Name der Ausstellung bezeichnet die Visualisierung von kartenähnlichen Bildern. Der Ausgangspunkt für das Betrachten der Traumkarte ist die Grundlage für die phantasievolle Interpretation, Geschichten, Abenteuer und das Finden der eigenen Träume.
“Wenn zwei bildende Künstler gleichzeitig auf der selben Leinwand malen, ist das Setting selbst schon sehr interessant. Was die Co-Malerei von Inka Hannula und Teemu Raudaskoski noch faszinierender macht ist, dass sie aussehen, als wären sie von einer Person geschaffen worden.
In den Gemälden verläuft die Zusammensetzung der Formen als ein Dialog der großen Bögen und als Punkte, die sie ergänzen. Die Tanzfläche der Pinsel ist meist ein monochromer Farbton mit hohem Kontrast, der die Formen tanzen lässt. Es ist nicht viel dreidimensionaler Raum vorhanden, was einen dekorativen Eindruck erzeugt. Die Kunstwerke sind gleichzeitig sekundär und einzigartig - wie befreite Ornamente. Die offene Farbsättigung erweckt den Anschein einer einfach zugänglichen Lebensbejahung.
Hannula und Raudaskoski sagen, dass ihre Arbeit sie an die Improvisation erinnert. Die Gemälde geschehen im Hier und Jetzt. Sie hören beim Malen immer Musik. Der Impuls des Gegenübers wird immer mit “Ja" beantwortet.”
18.5.-4.6.2022 Viljami Nissi - Summertime Sadness Finissage: Friday, June 3, 17-19h, Welcome-Willkommen!
"On the third day God created a tree, on the fourth a rope, and on the fifth a beautiful young man. On the sixth day, however, the young man hung himself to his satisfaction, with God watching wistfully from the side. On the seventh day, the seeds that flew into the ground grew plants that soon shrouded a tree with their flowers, where the young man still hung lifeless. One day these plants would rise, and inhabit the whole land with their offspring."
Viljami Nissi (b. 1994, Kannus) is a Helsinki-based visual artist and performer who graduated from Kankaanpää School of Art, majoring in Performance Art. His practice often interrogates and twists different thematics associated with sexuality, fetishes, fantasy, spirituality, and masculinity. In his installations, he often creates fictional tales by exploring alternative realities that are still linked to old histories, and reimagines mythological forms. Through this process, he facilitates the act of role playing and storytelling through image, text, and sculpture. Summertime Sadness is Nissi’s first exhibition in Germany.
The exhibition is supported by Arts Promotion Center Finland.
CW: Sexual imagery, death/self-harm
Photo: Jonni Korhonen
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Sommertraurigkeit
“Am dritten Tag erschuf Gott einen Baum, am vierten einen Strick und am fünften einen schönen jungen Mann. Am sechsten Tag erhängte sich der junge Man jedoch zu seiner Zufriedenheit, während Gott wehmütig zusah. Am siebten Tag wurden die Samen, die zu Boden fielen, zu Pflanzen, die bald einen Baum in ihre Blumen hüllten, wo der junge Mann leblos hing. Eines Tages würden diese Pflanzen aufsteigen und mit ihren Nachkommen das ganze Land bevölkern."
Viljami Nissi (geb. 1994, Kannus) ist ein in Helsinki lebender bildender Künstler und Performer, der einen Abschluss von der Kankaanpää School of Art hat. Sein Hauptfach war Performancekunst. In seine Arbeit hinterfragt und twistet er oft verschiedene Thematiken in Verbindung mit Sexualität, Fetischen, Fantasie, Spiritualität und Männlichkeit. In seinen Installationen erzählt er oft fiktive Märchen, indem er andere Realitäten erkundet, die mit alten Geschichten verbunden sind und erfindet mythologischeGestalten neu. Durch diesen Prozess ermöglicht er den Akt des Rollenspiels und des Geschichtenerzählens anhand von Bildern, Text und Skulpturen. Sommertraurigkeit ist Nissis’s erste Ausstellung in Deutschland.
Die Ausstellung wird von dem Arts Promotion Center Finland unterstützt.
19.-30.4.2022 Jani Suvanto - KHRONOS Vernissage: 19.4. 19-21h, Welcome-Willkommen
Jani Suvanto (1979) is an artist, visual designer and musician who lives and works in Oulu, northern Finland. Suvanto works primarily on paper using ground charcoal, natural pigments and watercolours. His exhibition at Galerie Pleiku is built around two series of paintings, Khronos and The Melting Point.
The Khronos series explores time through the traces and marks it leaves on physical objects. It is an homage to the slow but constant process of millions of years that has shaped our natural environment on and beneath the surface. The paintings study universal textures and shapes that appear in nature in all scales, from islands and continents to small splinters of rock abrased by time.
The Melting Point series in turn takes a look at a more rapid change in our environment: the melting of the polar glaciers – an irreversible transformation of a solid mass the size of a continent into liquid form. At the heart The Melting Point paintings is the unpredictable natural interaction of their materials: water (melting ice) and charcoal (burning forests).
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Jani Suvanto (1979) ist ein Künstler, visueller Designer und Musiker, der in Oulu, Nordfinnland lebt und arbeitet. Suvanto arbeitet hauptsächlich mit Papier und gemahlener Holzkohle, natürlichen Pigmenten und Wasserfarben. Seine Ausstellung in der Galerie Pleiku dreht sich um zwei Gemäldereihen, Khronos und The Melting Point.
Die Khronos-Serie erkundet die Zeit anhand der Spuren und Zeichen, die sie auf physischen Objekten hinterlässt. Es ist eine Hommage an den langsamen, aber konstanten Prozess von Millionen von Jahren, der unsere natürliche Umgebung auf und unter der Oberfläche geprägt hat. Die Gemälde stellen universelle Texturen und Formen zur Schau, die man in der Natur in allen Dimensionen antrifft, von Inseln und Kontinenten, bis zu kleinen Gesteinssplittern, die im Laufe der Zeit abgeschliffen wurden.
Die Melting Point-Serie beschäftigt sich im Gegensatz dazu mit einer rapideren Veränderung in unserer Umgebung: Das Schmelzen der Polargletscher – eine unumkehrbar Transformation einer festen Masse in der Größe eines Kontinents in einen flüssigen Zustand. Im Zentrum der Melting Point-Gemälde steht die unberechenbare natürliche Interaktion von Materialien: Wasser (schmelzendes Eis) und Holzkohle (brennende Wälder).
At the center of Annaliisa Krage’s exhibition Soft hands, soft feet (working title) stands the painting Imagined picture. It shows a scene of four figures gazing towards a point beyond the frame of the painting. The motif is taken from a fresco by Altichiero da Zevio from the 1470s, details of which Krage photographed on a trip to Padova. “I returned to these photographs from 2018 when traveling to Italy for a residency in November 2021. I wondered what these strangely soft feet and hands were that I had photographed.” Krage compiled sets of colors to recreate the harmonious color fields of the original painting through small painted dots. She compares the experience of painting these dots to scrolling through endless random images and videos on her phone, turning into mere flickers of digital color and light over time.
Annaliisa Krage is a visual artist living and working in Espoo, Finland. Krage graduated with a master of fine arts from the class of Antje Majewski at Muthesius University of Fine Arts and Design, Kiel in 2019. She has previously held solo exhibitions at Exhibition Laboratory in Helsinki (2018) and Gallery Cubeplus in Kiel (2019). In 2020 her second artist book Washes, whispers was published by PBFF in Helsinki.
The exhibition is supported by Arts Promotion Centre Finland, the Uusimaa Regional Fund of The Finnish Cultural Foundation, the Paulo Foundation and Väinö Tanner Foundation.
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Weiche Hände, weiche Füße (Arbeitstitel)
Im Zentrum von Annaliisa Krage’s Ausstellung Weiche Hände, weiche Füße (Arbeitstitel) steht das Gemälde Imagined picture. Es zeigt eine Szene mit vier Figuren, die auf einen Punkt außerhalb des Gemälderahmens blicken. Das Motiv stammt aus einem Fresko von Altichiero da Zevio aus den 1470-ern, dessen Details Krage auf einer Reise nach Padua fotografiert hat. “Ich kam zu diesen Fotos aus 2018 zurück, als ich im November 2021 für eine Residenz nach Italien reiste. Ich fragte mich, was diese seltsam weichen Füße und Hände waren, die ich fotografiert hatte.” Krage stellte Farbgruppen zusammen, um die harmonischen Farbfelder des Originalgemäldes anhand von kleinen gemalten Punkten nachzustellen. Sie vergleicht die Erfahrung, diese Punkte zu malen, mit dem Scrollen durch eine endlose Menge an zufälligen Bildern und Videos auf ihrem Handy, die mit der Zeit zu einem bloßen Schimmer aus digitalen Farben und Licht werden.
Annaliisa Krage ist eine visuelle Künstlerin, die in Espoo, Finnland lebt und arbeitet. Krage erhielt 2019 einen Master of Fine Arts von der Klasse von Antje Majewski in der Muthesius Kunsthochschule in Kiel. Sie hat bereits Einzelausstellungen in dem Exhibition Laboratory in Helsinki (2018) und in der Gallery Cubeplus in Kiel (2019) abgehalten. Im Jahr 2020 wurde ihr zweites Künstlerbuch Washes, whispers von PBFF in Helsinki veröffentlicht.
Die Ausstellung wird von dem Arts Promotion Centre Finland, dem Uusimaa Regional Fund der Finnish Cultural Foundation, der Paulo Foundation und der Väinö Tanner Foundation unterstützt.
22.3.-2.4.2022 Jari Järnström: Space - Paintings Opening: Tue, 22.3. 19-21h, Welcome-Willkommen
The works of the exhibition "Space" are from this and the past year. The paintings are repetition of the motifs and themes that I have repeated in my works over the last 31 years. These include e.g. faces, abstract backgrounds, planets and letters.
The exhibition includes works depicting spatial visions.I started this series in the early days of the pandemic in March 2020. I have been painting these cosmic scenes one or two per week while working on other themes. These works are philosophical reflections on infinity.
The works of the exhibition are painted with acrylic inks, acrylic paints, spray paints and finished with oil paints.
Jari Järnström was born in Lahti, Finland in 1960. He lives and works in Helsinki, Finland, and in 2003 he graduated as Master of Fine Arts at Helsinki Academy of Fine Arts. He has been actively participating in exhibitions in Finland and abroad. In Finland, he has held private exhibitions in galleries such as tm•Gallery, Gallery Bakeliittibambi, Gallery Uusitalo, Gallery Bronda, Gallery Saskia, Gallery Katariina, Gallery Aarni, Gallery Pirkko-Liisa Topelius. In abroad, he has held private exhibitions in Galerie Pleiku in Berlin, Finland Center in Berlin and Restaurant Fellin in Viljandi, Estonia, for instance.
He has participated in shared and group exhibitions in Sweden, Denmark, Estonia, Latvia, Russia, Germany, France, United Kingdom, Italy, Portugal, Brazil, United States and Japan.
Järnström is a member of the Finnish Painters' Union.
Die Werke in der Ausstellung “Weltraum” sind aus diesem und dem vergangen Jahr. Die Gemälde sind Wiederholungen der Motive und Themen, die ich über die letzten 31 Jahre in meinen Arbeiten immer wieder wiederholt habe. Diese umfassen z.B. Gesichter, abstrakte Hintergründe, Planeten und Buchstaben.
Die Ausstellung enthält Werke, die räumliche Visionen enthalten. Ich begann diese Serie in den frühen Tagen der Pandemie im März 2020. Diese kosmischen Szenen male ich ein bis zweimal pro Woche, während ich an anderen Themen arbeite. Diese Werke sind philosophische Überlegungen über die Unendlichkeit.
Die Werke in der Ausstellung wurden mit Acryltinte, Acrylfarben und Sprühfarben kreiert und mit Ölfarben verfeinert.
Jari Järnström wurde 1960 in Lahti, Finnland geboren. Er lebt und arbeitet in Helsinki, Finnland und in 2003 erhielt er einen Master der bildenden Künste von der Helsinki Akademie der bildenden Künste. Er nimmt aktiv an Ausstellungen in Finnland und im Ausland teil. In Finnland hielt er private Ausstellungen in Gallerien wie der tm•Galerie, Galerie Bakeliittibambi, Galerie Uusitalo, Galerie Bronda, Galerie Saskia, Galerie Katariina, Galerie Aarni und der Galerie Pirkko-Liisa Topelius ab. Im Ausland hielt er private Ausstellungen in der Galerie Pleiku in Berlin, dem Finland Center in Berlin und dem Restaurant Fellin in Viljandi, Estland ab.
Er nam an geteilten und Gruppenausstellungen in Schweden, Dänemark, Estland, Lettland, Russland, Deutschland, Frankreich, dem Vereinigten Königreich, Italien, Portugal, Brasilien, den Vereinigten Staaten und Japan teil.
Järnström ist ein Mitglied der finnischen Künstlervereinigung.
8.-18.3.2022 Satu Kiuru - The Shadow Side Opening: Tuesday, March 8, 19-21h, Welcome-Willkommen
Satu Kiuru is exploring through her art and artistic research our collective shadow side, exporting old methods from Finnish poetic storytelling to examine something that lies hidden from our consciousness. Her upcoming exhibition explores the themes of hidden greed, jealousy and envy. Her artwork signifies a moment of artistic crystallization, where the artists’ research enables the psycho-analytical and societal review of the artistic process. This point of view makes it possible to include the aesthetic, social and mythological dimensions of examining the artistic process. This artistic revelation is part of the PhD thesis of Satu Kiuru. “This exhibition represents the creative and critical synthesis which was created by the journey through depths of the artistic process. A process that has required dedication and perseverance from the artist.” (Michael Dudeck, artist, Dr of Fine Arts)
Satu Kiuru lives and works in Finland and Italy. Her works have been exhibited in solo exhibition and also in invited and juried international exhibitions in Finland and abroad.
Satu Kiuru erkundet durch ihre Kunst und artistische Forschung unsere gemeinsame Schattenseite. Sie setzt dafür alte Methoden aus finnischer poetischer Erzählkunst ein, um Dinge zu enthüllen, die vor unserem Bewusstsein verborgen sind. Ihre bevorstehende Ausstellung erkundet die Themen von versteckter Gier, Eifersucht und Neid. Ihre Kunst deutet einen Moment der künstlerischen Kristallisierung an, zu dem die Forschung der Künstlerin die psychoanalytische und gesellschaftliche Prüfung des künstlerischen Vorgangs ermöglicht. Dank dieser Ansichtsweise ist es möglich, die Ästhetik, soziale und mythologische Dimensionen in der Prüfung des künstlerischen Vorgangs einzuschließen. Diese künstlerische Offenbarung ist Teil der Doktorarbeit von Satu Kiuru. “Die Ausstellung repräsentiert die kreative und kritische Synthese, die anhand einer Reise durch die Tiefen des künstlerischen Vorganges entstand. Ein Vorgang, der von der Künstlerin Hingabe und Ausdauer verlangte.” (Michael Dudeck, Künstler, Doktor der bildenden Künste)
Satu Kiuru lebt und arbeitet in Finnland und Italien. Ihre Werke wurden in Einzelausstellungen sowie in geladenen und von Juroren beurteilten internationalen Ausstellungen in Finnland und im Ausland präsentiert.
22.2. – 5.3.2022 Markus Luiro - Drawings Opening: Tuesday, Feb 22, 19-21h Welcome-Willkommen
Markus Luiro's exhibition at Galerie Pleiku contains a series of charcoal drawings, that depicts a variety of characters, faces and situations. These characters are usually at the mercy of some inner or external force, that has ripped them out of this world and may have left very little behind. A certain writer once described how, at the time of his fatal accident, he heard “a voice through a great cloud of agony and sickness. The voice was asking questions. The words were loud, as the swelling notes of an organ, then they melted to the tiniest wiry tinkle of water in a glass. I knew that I was lying on my back on the grass; I could feel the shiny blades on my neck. I was staring at the sky and I couldn't move. ” (Denton Welch, A Voice Through a Cloud, p. 11).
Imagination can also be thought of as a kind of impersonal force. Instead of things already known, these drawings may bring forth something subliminal. They may show impressions, affects and experiences accumulated over time by the author, which are hopefully universal enough so that the image might be relatable also to the viewer, at the level of these impressions and affects, as a somesort of unspoken experience.
Luiro lives and works in Pori, Finland. He has worked as an artist for about ten years and has held approximately the same number of exhibitions. This exhibition is his first solo exhibition outside Finland.
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Markus Luiro - Zeichnungen
Die Ausstellung von Markus Luiro in der Galerie Pleiku in dem Zeitraum von 22.2. – 5.3. enthält eine Reihe von Kohlezeichnungen, die diverse Charaktere, Gesichter und Situationen darstellen. Diese Charaktere sind meist einer inneren oder äußerlichen Kraft ausgesetzt, die sie aus dieser Welt gerissen und nicht viel zurückgelassen hat. Ein gewisser Schriftsteller hat einmal beschrieben, wie er zur Zeit seines tödlichen Unfalls “eine Stimme aus einer großen Wolke von Qualen und Krankheit gehört hat. Die Stimme stellte ihm Fragen. Die Worte waren laut, wie die anschwellenden Töne einer Orgel, dann schrumpften sie zu einem winzigen, drahtigen Plätschern zusammen, wie Wasser in einem Glas. Ich wusste, dass ich auf dem Rücken im Gras lag; Ich konnte die glänzenden Halme an meinem Nacken spüren. Ich starrte in den Himmel und konnte mich nicht bewegen. ” (Denton Welch, A Voice Through a Cloud, S. 11).
Die Fantasie kann auch als eine Art unpersönliche Kraft betrachtet werden. Anstatt von bereits bekannten Dingen, bringen diese Zeichnungen etwas Unterbewusstes zum Vorschein. Sie zeigen Eindrücke, Affekte und Erfahrungen, die der Autor im Laufe der Zeit gesammelt hat und die hoffentlich universell genug sind, sodass das Bild auch für den Betrachter, auf dem Niveau dieser Eindrücke und Affekte, als eine Art unausgesprochene Erfahrung nachvollziehbar ist.
Luiro lebt und arbeitet in Pori, Finnland. Er arbeitet schon seit etwa zehn Jahren als Künstler und hat bereits die gleiche Anzahl an Ausstellung hinter sich. Diese Ausstellung ist seine erste Einzelausstellung außerhalb von Finnland.
11.-29.1.2022 Iida Nikitin People are air - Without people
I have been observing how people gaze in crowds or hide behind masks. I have had to shut people out of my mind, while looking through them, imagining that they weren’t there, as if they were transparent like air. People breathe and exist in the air, they are continuities of their bodies in the air, the space we share, in which we mix with others - we breathe the same air. People are more in the air than a moment ago, floating, they seem more intangible: heavy minds weighing their bodies against the ground.
The phenomena of a still life, where one stays in place but doesn’t detach itself from the ground, rotating in the air, as if in motion but still static, like images of themselves, declaring their momentary essence while the edges are converging. The ingredients of a disaster revolving around a circle, a wild animal becomes domesticated, the gaze of a beloved pet: the pet died, the world stopped.
I am thinking of people who are longing for a trip to nature, an escape to a nature trail, somewhere where things seem simple: the reeds whisper, the surface of the pond vibrates, beneath the surface it surges. The naked kneeling figure hides in a bed of reeds by the water, to wallow his experience of nature. It changes its shape, absorbs the environment and disappears. It’s tragicomic, when a dramatic creature, a man who has risen from the water to the shore, performs with animals.
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Menschen sind Luft - Ohne Menschen
Ich beobachte, wie Menschen in Ansammlungen starren oder sich hinter Masken verstecken. Ich musste Menschen aus meinen Gedanken verdrängen, während ich durch sie hindurchsah. Ich habe mir vorgestellt, dass sie nicht da wären, so als wären sie unsichtbar, wie Luft. Menschen atmen und existieren in der Luft, sie sind Kontinuitäten ihrer Körper in der Luft, dem Raum, den wir uns teilen, in dem wir uns mit anderen austauschen - wir atmen dieselbe Luft. Menschen sind mehr in der Luft, als vor einem Moment, schwebend scheinen sie ungreifbarer: Schwere Gedanken drücken ihre Körper auf den Boden.
Das Phänomen eines Stilllebens, in dem man am gleichen Ort verweilt, sich jedoch nicht von dem Boden löst, sich in der Luft dreht, als wäre man in Bewegung, aber dennoch still, wie Bilder von sich selbst, die ihr momentanes Wesen erklären, während die Ränder zusammenlaufen. Die Zutaten für Desaster drehen sich um einen Kreis, ein Wildtier wird heimisch, der Blick eines geliebten Haustieres: Das Tier ist gestorben, die Welt ist stehen geblieben.
Ich denke an Menschen, die sich nach einem Ausflug in die Natur sehnen, einer Flucht auf einen natürlichen Pfad, irgendwo, wo die Dinge einfach scheinen: Das Schilf flüstert, die Wasseroberfläche des Teiches zitiert, unter der Oberfläche wogt es. Die nackte, kniende Figur versteckt sich in einem Schilfbett am Wasser, um in ihrer Erfahrung der Natur zu schwelgen. Sie verändert ihre Gestalt, saugt die Umgebung in sich auf und verschwindet. Es ist tragikomisch, wenn eine dramatische Kreatur, ein Mann, der aus dem Wasser an das Ufer aufgestiegen ist, mit Tieren auftritt.
7.-18.12.2021 Idle - Laura Pajunen
“Sunday neurosis, that kind of depression which afflicts people who become aware of the lack of content in their lives when the rush of the busy week is over and the void within themselves becomes manifest.” ― Viktor E. Frankl, Man's Search for Meaning, 1946
The Idle exhibition is a collection of unpolished oil paintings that examines everyday passive, stagnant moments but also the flip side of pausing and relaxing in everyday life - often, beneath the harmonious surface, occurs distress and turmoil.
The exhibition combines Pajunen’s themes from past year’s exhibitions Sunday Neurosis, Pain Aesthetics, Rest and Among Friends, and thus continues to address topics important to her: presenting struggles with chronic pain and mental health, devoting more time for rest and idleness and cherishing relationships important to us.
In her art, Pajunen is interested in the apparent serenity, passivity and idleness, alone or together and she approaches these topics from her and others’ experiences of chronic headache, anxiety disorders and sleep problems.
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Stillliegend - Laura Pajunen
“Die Sonntagsneurose, eine Depression, welche jene Menschen befällt, die der Inhaltsleere ihres Lebens bewußt werden, wenn am Sonntag die wochentägliche Betriebsamkeit sistiert und das existentielle Vakuum in ihnen aufbricht.” ― Viktor E. Frankl, Trotzdem Ja zum Leben sagen, 1946
Die Stillliegend-Ausstellung ist eine Sammlung unpolierter Ölgemälde, die sich mit den alltäglichen passiven, stagnierenden Momenten beschäftigen, aber auch mit der gegenüberliegenden Seite des Innehaltens und des Entspannens im Alltag - oft findet man unter der harmonischen Oberfläche Not und Unruhe. Die Ausstellung vereint die Themen Pajunens aus den Ausstellungen letzten Jahres mit den Titeln Sonntagsneurose, Schmerzästhetik, Ruhe und Unter Freunden. Somit werden mit dieser Präsentation weitere Themen angesprochen, die ihr wichtig sind: Der Kampf mit chronischem Schmerz und der geistigen Gesundheit, mehr Zeit mit Ruhe und dem Nichtstun verbringen und Beziehungen, die uns wichtig sind, zu schätzen.
In ihrer Kunst ist Pajunen an scheinbarer Gelassenheit, Passivität und Untätigkeit, alleine oder zusammen, interessiert und sie nähert sich diesen Themen von ihrer eigenen und der Erfahrung anderer Menschen mit chronischen Kopfschmerzen, Angststörungen und Schlafproblemen.
23.11.-3.12.2021 Under the Polaris - Maritta Meckelborg
"I was born in the middle of forests. My playgrounds in my childhood were riverbanks, edges of forests, and cozy hiding places under large spruce trees. You can see my emotional bond to wildlife and nature in all my work.
My artworks are personal ponderings and recollections of things I have encountered and experienced in nature mixed in with stories and myths I have heard of Finnish nature and wildlife. Rather than observations, the starting point to my art is usually things in time, the passing of time, life in general.
Those animal pictures of mine are like looking into the mirror. Even though they usually picture animals you can also see in them pictures of humans and pictures of life and death. I see nature as a place for spiritual experiences. Through forests, I can experience the flow of eternity and be part of it just for a nanosecond.
Animals are usually in the center of my works. Our oldest human-made art pieces are rock paintings of elk. Were the pictures of elk anything else than means of surviving to the people that made them or did they mean something more?
I enjoy my time painting pictures of these forests, riverbanks, hiding places, and the animals and life I picture living there."
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Unter dem Polarstern - Maritta Meckelborg “Ich wurde im Wald geboren. Der Spielplatz meiner Kindheit war das Flussufer, der Waldrand und gemütliche Verstecke unter großen Fichten. Meine emotionale Bindung zu der Wildnis und der Natur ist in all meinen Werken sichtbar.
Meine Kunstwerke sind persönliche Überlegungen und Erinnerungen an die Dinge, denen ich in der Natur begegnet bin und die ich erlebt habe, zusammen mit Geschichten und Mythen, die ich über die finnische Natur und Wildnis gehört habe. Die Anhaltspunkte für meine Kunst sind meist nicht Beobachtungen, sondern die Zeit, das Vergehen der Zeit, das Leben im Allgemeinen.
Meine Tierbilder sind wie ein Blick in den Spiegel. Obwohl sie meist Tiere darstellen, kann man in ihnen auch Bilder von Menschen, sowie Leben und Tod erkennen. Ich sehe die Natur als einen Ort für spirituelle Erfahrungen. Durch Wälder kann ich den Fluss der Ewigkeit erfahren und für eine Nanosekunde Teil von ihm sein.
Tiere stehen meist im Mittelpunkt meiner Werke. Die älteste, von Menschen gefertigte Kunst sind Felsmalereien von Elchen. Dienten diese Elchbilder den Menschen, die sie schufen, mehr als nur Überleben oder hatten sie eine größere Bedeutung?
Ich genieße die Zeit, die ich mit dem Malen von Wäldern, Flussufern, Verstecken und den Tieren und Lebewesen, die ich mir dort vorstelle, verbringe."
9.-20.11.2021 Love of my Life - Suvi-Tuulia Forssén Opening: Tuesday, November 9th, 19-21h Welcome-Willkommen
Love of my life The journey is long and urgent, the van always half packed, half scrap. Here comes Truth, out of the scent of exhaust, it sneaks backstage. It cares not for me. Nor us. I enter after and pay it no mind.
Suvi-Tuulia Forssén sculpts, builds, draws, lives and works.
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Liebe meines Lebens Die Reise ist lange und dringend, der Van ist immer nur halb gepackt, halb Unordnung. Hier kommt die Wahrheit, aus dem Geruch des Auspuffs, schleicht sie sich hinter die Kulissen. Ich bin ihr egal. Wir sind es. Ich komme nach ihr und sie ist mir egal.
Suvi-Tuulia Forssén bildhauert, baut, zeichnet, lebt und arbeitet.
26.10.-6.11.2021 Päivi Pussila & Raimo Törhönen Innen/Außen
Our exhibition has two sides; inside and outside, still lifes and landscapes. The core theme is the same though, both are looking for visual gestures which could express something about being in the world, something that cannot be put into words. We trust in painting.
We are both painters, living and working in Oulu, northern Finland.
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Unsere Ausstellung hat zwei Seiten; innen und außen, Stillleben und Landschaften. Das Hauptthema ist jedoch das selbe, beide suchen nach visuellen Gesten, die etwas darüber ausdrücken, was es heißt, in der Welt zu sein; etwas, das nicht in Worte gefasst werden kann. Wir vertrauen auf die Malerei.
Wir sind beide Maler. Wir leben und arbeiten in Oulu, Nordfinnland.
12.-23.10.2021 Sanna Haimila About Love - paintings
I consider drawing and painting to be a thinking process, and I work intuitively. When I begin, I do not necessarily know what and why, but I trust the feeling and the process. The starting point may be a small hint of “something hair-like”, sometimes I use a reference picture. My works are like chains of thoughts in a crystallised form, ready to expand into new thoughts through the viewer's interpretation. This exhibition is all about love, shame and the beauty of imperfection.
Thank you to the Finnish Cultural Foundation and the Arts Promotion Centre Finland for supporting my exhibition!
Sanna Haimila is a Finland-based painter and illustrator. In her works, she deals with universal themes of life, such as motherhood, relationships, grief and love, on the basis of her own experience. Haimila is a member of the Finnish Painters' Union and the Artists' Association of Lapland, and her works include collections, such as Public Art Agency Sweden, the Jenny and Antti Wihuri Foundation, the Collection of the Finnish State Art Commission and the Aine Art Museum.
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Über die Liebe - Gemälde
Für mich ist das Zeichnen und Malen ein Denkprozess und ich arbeite intuitiv. Wenn ich anfange, weiß ich nicht immer was und wieso, aber ich vertraue einfach dem Gefühl und dem Prozess. Der Anfangspunkt könnte ein kleines Anzeichen von “etwas haar-gleichem” sein, manchmal verwende ich Referenzbilder. Meine Werke sind wie Gedankengänge in kristallisierter Form, bereit sich durch die Interpretation des Betrachters in andere Gedanken auszubreiten.
Diese Ausstellung dreht sich um Liebe, Scham und die Schönheit der Unvollkommenheit.
Ich bedanke mich bei der Finnischen Kulturstiftung und dem Center für Kunstförderung in Finnland für die Unterstützung meiner Ausstellung!
Sanna Haimila ist eine Malerin und Illustratorin aus Finnland. In ihren Werken beschäftigt sie sich, basierend auf eigenen Erfahrungen, mit allgemeinen Themen des Lebens, wie Mutterschaft, Trauer und Liebe. Haimila ist ein Mitglied des Finnischen Malerbundes und der Künstlervereinigung von Lapland. Ihre Werke enthalten Sammlungen in der Agentur für öffentliche Kunst in Schweden, der Jenny-und-Antti-Wihuri-Stiftung, der Sammlung der Stattlichen Kunstkommission von Finnland und dem Aine-Kunstmuseum.
28.9.-9.10.2021 Inkeri Halme – Get the paperwork done
I draw a lot and I do it fast. This has made my expression more free and has helped me to let go of the expectations I have for my art. Working like this has given space for playfulness and experiments.
Halme will present in Galerie Pleiku her drawings from the past year but also made on the spot. During the two weeks, Pleiku will be her playground to find different ways to exhibit her paperworks. You are more than welcome to watch the process!
Inkeri Halme (1985) lives and works in Helsinki. She graduated from the Free Art School in 2020. The Free Art School is a school of Fine Arts, specialized in painting. The Vermeeriana Foundation is supporting Halme´s residency in Pleiku.
*** Inkeri Halme – Den Papierkram erledigen
Ich zeichne viel und schnell. Dadurch ist mein Ausdruck freier geworden und es hat mir geholfen, die Erwartungen loszulassen, die ich für meine Kunst habe. So zu arbeiten gibt mir den Freiraum für Verspieltheit und Experimente.
Halme wird ihre Zeichnungen aus dem letzten Jahr und an Ort und Stelle gefertigte Werke in der Galerie Pleiku präsentieren. Während diesen zwei Wochen wird Pleiku zu ihrem Spielplatz, auf dem sie verschiedene Wege finden wird, ihre Papierwerke auszustellen. Sie sind herzlich eingeladen, den Prozess zu beobachten!
Inkeri Halme (1985) lebt und arbeitet in Helsinki. 2020 erhielt sie einen Abschluss von der Free Art School. Die Free Art School ist eine Einrichtung für bildende Künste, die sich auf Malerei spezialisiert hat. Die Vermeeriana Foundation unterstützt Halme´s Residenz in der Galerie Pleiku.
14.-25.9.2021 KAISA JUSSILA - Ancient and Forgotten Opening: 14.9. 19-21h, Welcome-Willkommen
The themes of the Ancient and Forgotten exhibition are the past, memories and the world of imagination. Over time, all lives that have been lived disappear. However, there is something left if you look closely: signs on building walls, letters that were by chance kept, photographs. By peeking behind the curtain of the subconscious and dreams, one can find a way to lost stories.
The exhibition features printmaking works and three-dimensional ceramic and paper works. The works bring together the worlds of fairy tales, everyday life and mystery. Together they create a multidimensional dialogue. I work intuitively. I want my art to make the viewer think and look for meanings.
My work has been supported by The Finnish Cultural Foundation, the Finnish Foundation for the Promotion of Karelian Culture (KKES) and Arts Promotion Centre Finland.
KAISA JUSSILA (b. 1979, Vantaa, Finland) lives and works in North Karelia, Finland. She earned her Master of Fine Arts degree from the Academy of Fine Arts Helsinki in 2006. For the artist, printmaking and ceramics are each other’s opposites and extremes. Paper art serves as a renewing and unifying element between them. Through her expression, she strives for both strong technical virtuosity and playfulness.
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Altertümlich und vergessen
Die Themen der Ausstellung Altertümlich und vergessen sind die Vergangenheit, Erinnerungen und die Welt der Fantasie.
Mit der Zeit verschwindet alles Leben, das je gelebt wurde. Jedoch bleibt etwas zurück, wenn man genau hinsieht: Schilder auf Gebäuden; Briefe, die durch Zufall aufgehoben wurden; Fotos. Wenn man hinter den Vorhang des Unterbewusstseins und der Träume späht, findet man einen Pfad zu den verlorenen Geschichten.
Die Ausstellung enthält Grafikkunst und dreidimensionale Werke aus Keramik und Papier. Diese Kunststücke vereinen die Welten der Märchen, des Alltages und der Geheimnisse. Zusammen sorgen sie für einen multidimensionalen Dialog. Ich arbeite intuitiv. Ich möchte, dass meine Kunst den Betrachter/die Betrachterin dazu bringt, nachzudenken und nach Bedeutungen zu suchen.
Meine Arbeit wurde von derFinnish Cultural Foundation, der Finnish Foundation for the Promotion of Karelian Culture (KKES) und dem Arts Promotion Centre Finland unterstützt.
KAISA JUSSILA (geb. 1979, Vantaa, Finnland) lebt und arbeitet in Nordkarelien, Finnland. 2006 erhielt sie einen Masterabschluss in bildender Kunst von der Academy of Fine Arts Helsinki. Für die Künstlerin sind die Grafikkunst und die Keramik gegensätzliche Enden eines Spektrums. Die Papierkunst dient als ein erneuerndes und vereinendes Element zwischen den beiden. In ihren Werken strebt sie sowohl nach technischer Kunstfertigkeit als auch Verspieltheit.
31.8.-11.9.2021 It was not always beautiful - Minka Kailu Opening: Tuesday 31.8. 19-21h, Welcome-Willkommen
23 pigment prints Video 5 min
Nowadays relationships have many levels, one is the actual physical reality and another one the virtual. Messaging is a crucial part of communication, and moments are captured and shared in pictures. What remains when the relationship ends? Thousands of messages and pictures in phones, pictures that reveal the phases and the lifecycle of the relationship. The pictures only show part of the reality, mostly happy and meaningful moments and this becomes the digital archive of the relationship. What is true and what is the illusion created by the pictures? 207 pictures, one story and what has happened to it.
Artist Minka Kailu The process of creating the work itself is a relevant and often essential part of the work for the artist; the destruction, disappearance, or attachment of a work to a particular time and place. Some of her works have been disappearing works of public space and the place has a special significance in the works, it strongly influences the process and modifies the final work.
As an artist, Minka Kailu is a storyteller. Art is for her asking questions and conveying emotions, and she wants to evoke thoughts and emotional reactions in the viewer, provide objects of identification, dress up experiences and emotions in the form of art.
Minka Kailu uses very different approaches and forms of expression in her art. Her art combines different art forms and new technology. The use of different sensors, sound, video, organic materials, words and phrases are repeated in the works.
She also documents her works in different ways and often associates them with a story that she shares through social media.
Minka Kailu has a master's degree in art from Aalto University. She has a diverse education in the field of art and media, studied painting, made pottery, writes poetry and prose. Studies at Aalto University's Media Laboratory have shaped her expression in a new, more diverse direction.
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Es war nicht immer schön
23 Pigmentdrucke Video 5 min
Heutzutage haben Beziehungen viele Ebenen, eine ist die tatsächlich physische Realität und eine andere ist die virtuelle. Der Nachrichtenaustausch ist ein essentieller Teil der Kommunikation und Momente werden festgehalten und in Form von Bildern geteilt. Was bleibt übrig, wenn die Beziehung endet? Tausende von Nachrichten und Bildern auf Smartphones, Bilder, die Phasen und den Lebenszyklus der Beziehung zeigen. Die Fotos zeigen nur einen Teil der Realität, überwiegend glückliche und bedeutende Momente und diese werden zu dem digitalen Archiv der Beziehung. Was ist wahr und was ist die Illusion, die durch die Bilder entsteht? 207 Bilder, eine Geschichte und was geschehen ist.
Künstlerin Minka Kailu Der Prozess der Kreation der Werke ist ein relevanter und oft essentieller Teil der Arbeit für die Künstlerin; die Zerstörung, das Verschwinden oder die Verbundenheit eines Werkes mit einer bestimmten Zeit und einem bestimmten Ort. Einige ihrer Werke sind verschwindende Werke des öffentlichen Raumes und der Ort hat eine besondere Bedeutung in den Werken, er beeinflusst den Prozess stark und verändert das endgültige Werk.
Als Künstlerin ist Minka Kailu eine Geschichtenerzählerin. Für sie besteht Kunst daraus, Fragen zu stellen und Gefühle auszudrücken. Sie möchte Gedanken und emotionale Reaktionen in den Betrachtern auslösen, Objekte zur Identifizierung bereitstellen, Erfahrungen und Emotionen in Kunst kleiden.
Minka Kailu verwendet verschiedene Ansätze und Ausdrucksarten in ihrer Kunst. Ihre Werke verbinden verschiedene Kunstformen und neue Technologie. Der Einsatz diverser Sensoren, Töne, Videos, biologischer Materialien, Worte und Phrasen wird in den Werken wiederholt.
Zusätzlich hält sie ihre Werke auf verschiedene Arten fest und verbindet sie oft mit einer Geschichte, die sie über soziale Medien teilt.
Minka Kailu hat einen Masterabschluss in Kunst von der Aalto University. Sie erhielt eine vielseitige Ausbildung in Kunst und Medien, studierte Malerei, kreierte Keramik, schreibt Poesie und Prosa. Das Studium in dem Media Laboratory an der Aalto University hat ihre Ausdrucksform in eine neue, abwechslungsreichere Richtung gelenkt.
17.-28.8.2021 Antte Kerkola, Reija Palo-oja & Rea Pelto-Uotila
Our collaborative exhibition in Galerie Pleiku combines different materials indicatively in the spirit of Bauhaus. The exhibition, among other things, displays handicrafts, chromatics and entities exploring elements of abstract art, as in line with each artist´s interest. Some of our artwork have previously been seen in Galerie Pleiku in autumn 2018.
The basis of Antte Kerkola´s artwork are the varved and graphic form of transparent surface water. In the paintings, the subject transform to the tune of materials and the pictures are filled with overlapping abstract paint layers and plain details. In the artwork, the importance of composition is emphazised. The paintings have been painted onto recycled material, old roller blinds. The exhibition has been supported by the Arts Promotion Centre Finland.
Reija Palo-oja´s intensely colored and mentally-charged collection is like fragments from the walls of an imaginery house and the layers patinated by time. The art pieces take form at terms of space and strongly create a twofold experience between immaterial buoyancy and ruggedness. Palo-oja´s interests in Itten´s and Goethe´s teachings of color and abstract expressions and sensibility of working are emphazised in the collection. The exhibition and the artist’s work have been supported by the Arts Promotion Centre Finlandand the Turku Art Society.
In the works of Rea Pelto-Uotila, ecologic natural materials transform into functional and aesthetic three-dimensional surfaces. At the heart of the working process are reduction of form, redundancy and abundance of structures. The pieces are prepared with rag rugs techique, which has now been applied in a new way. The artwork bring the breeze from past tradition to the present day.
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Unsere gemeinschaftliche Ausstellung in der Galerie Pleiku vereint verschiedene Materialien in dem Geiste des Bauhauses. Die Ausstellung zeigt unter anderem Handwerk, Chromatik und Gebilde, die Elemente der abstrakten Kunst, wie sie zu den Interesse jedes Künstlers passen. Einige unserer Werke wurden bereits im Herbst 2018 in der Galerie Pleiku gezeigt.
Die Grundlage von Antte Kerkola´s Kunst ist die geschnitzte und bildhafte Form des transparenten Oberflächenwassers. In den Gemälden verändert sich das Thema passend zu den Materialien und die Bilder sind voller sich überschneidender Farbschichten und einfacher Details. In der Kunst wird die Wichtigkeit der Komposition unterstrichen. Die Gemälde wurden auf recyceltem Material hergestellt, alten Fensterrollo. Die Ausstellung wurde von dem Arts Promotion Centre Finland unterstützt.
Reija Palo-oja´s stark gefärbte und geistig geladene Sammlung ähnelt Fragmenten von Wänden eines erfundenen Hauses und von der Zeit patinierten Schichten. Die Kunststücke nehmen räumlich Form an und schaffen eine starke zweifältige Erfahrung zwischen immaterieller Auftriebskraft und Widerstandsfähig. Palo-oja´s Interesse an der Farblehre und abstrakten Ausdrücken und Empfindung des Arbeitens von Itten und Goethe werden in der Sammlung hervorgehoben. Die Ausstellung und die Welt des Künstlers wurden von dem Arts Promotion Centre Finland und der Turku Art Society unterstützt.
In den Werken von Rea Pelto-Uotila werden ökologische natürliche Materialien in funktionelle und ästhetische dreidimensionale Oberflächen verwandelten. Im Herzen des Arbeitsprozesses stehen die Verminderung von Form, Redundanz und Fülle an Strukturen. Die Stücke werden mit der Flickenteppich-Technik hergestellt, welche auf eine neue Weise angewendet wurde. Die Kunst bringt die Brise vergangener Tradition in das Jetzt.
